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Entrevista a Suri Vecchiato

Apuntes | Notas

Hago piezas de manera intuitiva, libre, en un proceso que disfruto


Entrevista a Suri Vecchiato

Por Delia Alicia Piña

 

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Conocida como Suri, Giulia Vecchiato es una joyera italiana que trabaja el metal de manera intuitiva en piezas esculturales.

Una propuesta que complementa con joyas únicas a pedido, obras en alianza con otros artistas y colaboraciones con marcas.

Su joyería se caracteriza por líneas orgánicas, con detalles de piedras. Trabajó con Agustina Ros en un proyecto con vidrio y ahora hace lo propio con Simone Crestani en una reversión de la técnica de electroformado para una colección que estrenará en paralelo a la próxima Bienal de Arte de Venecia. También experimenta la técnica de fundición directa de manera particular.

De visita por Buenos Aires, habla de su manera de trabajar, obra, sus referentes y sus próximos pasos.


_¿Cómo empezaste en joyería?

_Trabajo en mi estudio en mi casa de Venecia. Mi formación no es la típica de joyería, ya que estudié Escultura  en la Academia de Bellas Artes de Venecia, me especialicé en esculturas gigantes en yeso y metal, tanto que hasta mi profesor me pidió que controlara el tamaño por una cuestión de espacio y me sugirió piezas más chicas por eso comencé con microesculturas.

Después de la academia hice un año de joyería tradicional en Istituti Vicenza con el objetivo de adquirir conocimiento de las diversas técnicas del oficio de orfebre. En cuanto pude comprarme un banco joyero, en 2020 arranqué experimentando con mucho entusiasmo y pasión sin saber o pensar mucho dónde, cómo y qué haría o en qué derivaría. El encierro de la pandemia me llevó a concentrarme en el trabajo.

Y el pasa parola o de boca en boca, como dicen ustedes, me demostró que lo que hacía estaba gustando; me buscaban, me pedían y así fui creciendo y llegando. Una modalidad de trabajo que aún hoy me funciona y me permite contactarme con interesados en lo mío y me permite sostenerme.

Empecé haciendo piezas muy simples, cortando y soldando en plata, con piedras, muy orgánicas, naturales. Después sumé la técnica de la cera perdida y fue un boom para mí, porque podía expresar mucho mejor todo lo que veía y percibía en Venecia, particularmente ese agua que nos rodea, que nos despierta tanta curiosidad como los percebes que se instalan en los cimientos de las construcciones a la vera de los canales lo cual derivó, por ejemplo, en el anillo «Toracica», muy representativo de mi estética. Esa misma pieza la reversioné con diamantes y un spinello negro.

 

“Empecé haciendo piezas muy simples, cortando y soldando en plata, con piedras, muy orgánicas, naturales. Después sumé la técnica de la cera perdida y fue un boom”.

 

_¿Venecia es tu musa?

_La Venecia única y turística es mi ciudad, la conozco muy bien, vivo en el centro histórico, cerca del puente del Rialto, una zona más tranquila, en el de Cannaregio, rodeada de agua, claro, y esto le otorga características particulares. Allí es muy difícil vivir porque todo está en función del turismo, hay pocos servicios y tiendas para el habitante común, y esto implica una resistencia tal que te va forjando, todo un desafío. Y por eso voy por la contrapartida, no por el límite o condicionamiento de lo que hay o del agua sino por la libertad de ver y hacer lo que se me ocurra.

Me interesa no estar atada a lo común y corriente, ni a las imágenes características, ni al paisaje sabido, sino a lo que se ve más allá de lo habitual o conocido, lo cual implica también innovar en técnicas o adaptarlas a lo que voy necesitando. Asimismo, me desprendo de  etiquetas que pudieran encorsetar mi trabajo, hago joyería y ya, contemporánea, artística, de diseño, no sé… es joyería y me representa. Hago piezas casi sin pensar, de manera intuitiva, libre, en un proceso de creación que disfruto más allá de la pieza que resulte. Lo importante para mí es hacer y hacer joyería.

Trabajo mucho a pedido y son piezas personales, emocionantes, que cuentan una historia, generalmente familiar, muy gratificantes porque disfruto mucho de la felicidad que le provoca a cada usuario, que termina por atesorarla.

Y estoy dando cursos en la Academia de Bellas Artes de Venecia. Se trata de un taller libre de experimentación con metal y fuego aplicando técnicas de joyería. Se trata de un soporte técnico y discursivo para artistas que están procesando su forma de trabajar y construyendo su manera de hacer y ser artista en la vida real. Un buen intercambio que se convierte en un gran estímulo para ambos.

 

“Hago piezas casi sin pensar, de manera intuitiva, libre, en un proceso que disfruto más allá de la pieza que resulte. Lo importante para mí es hacer y hacer joyería.”

 

Piezas esculturales

 

_¿Seguís haciendo escultura?

_Sí, esculturas en acero en otra escala. Son piezas que ahora se exhiben en un lugar no convencional como en el restó Cipriani, en Venecia, en el que el chef quiso destacar los apoya cubiertos de las mesas. Está bueno exponerse en otros ámbitos, incentivar que piezas únicas formen parte de la cotidianeidad. Me parece una mirada interesante que libremente no se ata a convenciones.

 

“Está bueno exponerse en otros ámbitos, incentivar que las piezas únicas de joyería formen parte de la cotidianeidad. Me parece una mirada interesante que libremente no se ata a convenciones.”

 

_¿Hacés alianza con otros escultores?

_Lo último es que trabajo para el escultor veneciano Giorgio Andreotta Calò para quien realizo obras de fundición directa, sin cera, sino usando un elemento orgánico, como ramas.

También experimento esa técnica en la joyería. Hice fundición directa con óxido de algas con diamantes engarzados siguiendo un dibujo del gráfico del pálpito cardíaco en una pieza de joyería única. De igual modo, la apliqué también como reproducción directa de una mariposa cuando sale de su crisálida en plata.

 

“Experimento la técnica de fundición directa en la joyería.”

 

_También hiciste colaboraciones con marcas de moda.

_Sí, con la diseñadora argentina María Cherñajovsky para su firma Cher, exclusivamente para sus tiendas en Estados Unidos, en Fifth Ave y otra en Madison Ave, Nueva York. Allí expuse piezas en plata hechas a la cera perdida, muy simples y orgánicas, con una selección de piedras, como rubíes, piritas algunas con cintas abiertas adaptables a cualquier medida. Es que si una pieza tiene una buena piedra no te la sacás nunca.

Trabajo también con marcas fashion de Milán, en las que introduzco piezas que remiten no solo a la naturaleza veneciana sino también a la vastedad artística que propone. Hice una colección especial que acompañó la propuesta otoño invierno 2020-2021 de Marco Rambaldi, hecha en latón con un baño de oro 18, circonios entre otras piedra y perlas inspirada, como su colección, en los 90 y su trash televisivo. También hice otro tipo de piezas, accesorios, como botones y hebillas de cinturón con piedras, para el diseñador Luca Scarponi.

Al año de haber comenzado en joyería me contactó Vogue Portugal para publicar mi trabajo. Y luego varías veces Vogue Italia. Entonces, fue cuando tomé conciencia de la repercusión de mi trabajo y me estimuló mucho a seguir adelante. También mucha gente del mundillo de la moda me pidió para fotografiar mis piezas en diversos shootings para editoriales, como Vanity Fair, Pap Magazine, CAP74024, Virtus Magazine, iD Magazine, JANE Magazine y Flanelle Magazine. Y así se fue dando una cadena de difusión que fue mostrando mi trabajo.

 

“Si una pieza tiene una buena piedra no te la sacás nunca.”

 

_¿Cómo surgió «It’s not just about hair», la obra que hiciste con Agustina Ros?

_Agustina Ros me contactó a partir de un shooting en el que presentaba una serie de broches en latón prendidos en una chaqueta, cortados a mano en formas representativas de la arquitectura Venecia y de objetos antiguos que suelen verse en la ciudad y me propuso llevar adelante un proyecto juntas.

Nos interesaba realizar una colección de piezas en metal y vidrio sin usar nada externo sino joyas que exhibieran exclusivamente, de manera simple, el manejo de ambos materiales. Arranqué con las piezas de metal cortando hojas de latón, que es una aleación de cobre y zinc. Imposibilitadas de juntarnos en Barcelona por la pandemia como estaba previsto, cada una siguió trabajando en lo suyo en nuestros talleres. Le enviaba mis piezas bañadas en oro y ella soplaba el vidrio directamente sobre el metal, el cual tomaba su forma y encastraba perfectamente.

Una colección con muchas piezas, algunas más chicas, como aros, u otras más grandes, como ciertos anillos, iban de más simples a complejas. Esta propuesta fue presentada en noviembre del 2020 de la mano de Ilaria Ruggiero de Adormment en Nueva York Jewelry Week y hoy está expuesta en Mydaybyday Gallery, en Roma, de Laura Aureli. Pero por el momento pandémico en que vivíamos su difusión fue virtual. Creo que el online es un medio difícil para la joyería contemporánea, no siempre funciona.

“«It’s not just about hair» son joyas que exhiben de manera simple el manejo de ambos materiales: piezas de latón bañadas en oro sobre las que directamente se sopló el vidrio, el cual tomó su forma y encastró perfectamente”.

_¿Por qué no siempre funciona el online?

_Porque la joyería contemporánea necesita de cierto acercamiento, de poder apreciar su factura, de conocer su historia, a veces se requiere intercambiar opiniones, usos y si es con su creador mejor, le aporta mucho a la pieza la mirada del usuario.

 

“La joyería contemporánea necesita de cierto acercamiento, de poder apreciar su factura, de conocer su historia”.

 

_¿Aplicás a convocatorias, semanas de la joyería o ferias joyeras?

_No, no me gusta tanto, sí asistí para conocer la dinámica de algunos eventos o ferias pero no he participado. Solo si apliqué para el Concurso de Joyería de Japón 2022 de la Japan Jewellery Designers Association que se hizo en el Museo de Arte Metropolitano de Tokio y este año volví a presentarme.

Trabajo con consignas cuando es a pedido, pero sigo la línea de quien solicita esa pieza de joyería. Por supuesto que le presento una propuesta pero es muy personalizada, a partir del diálogo y la empatía trato de reflejar su identidad. Sin embargo, no sé si me gusta mucho seguir un tema, que no dudo pueda ser interesante, pero no es lo mío.

Sí algunos de mis trabajos han tenido un soporte conceptual, como el que hicimos con Agustina Ros, que nos inspiramos en peines antiguos y en el movimiento del pelo, un importante símbolo cultural que a lo largo de la historia ha comunicado mucho de cada sociedad y que para nosotras tiene que ver con la libertad; de ahí el movimiento libre del metal al que se acopló el vidrio. El peine es muy significativo para mí, es un objeto fetiche, me inspiré en piezas antiguas. De hecho, colecciono piezas antiguas, y entonces para «It’s not just about hair» revolví, busqué e investigué mucho antes de reinterpretarlas a través del metal.

Dicho sea de paso, colecciono huesos de sepia, rosas del desierto, botones antiguos de vidrio de Murano, objetos para cocina, dedales, entre otros, que en general conservo y exhibo en moodboards.

 

“Colecciono piezas antiguas y entonces revolví, busqué e investigué mucho antes de reinterpretarlas a través del metal para «It’s not just about hair»”.

 

Joyería no binaria

 

_¿Lo femenino es un tema que te interesa tratar desde la joyería?

_Obviamente, sí. Es inevitable porque tiene que ver con mi esencia, con mi interior. Lo mío es una expresión de una mujer contemporánea, claro, pero no quiero que sea una limitante. Mi propuesta es senza genere, no binaria porque es fácil de usar libremente por quien quiera.

 

“Mi joyería es senza genere, no binaria porque es fácil de usar libremente por quien quiera.”

 

_¿Cómo es tu propuesta de joyería?

_Son piezas esculturales a través de las cuales comunico lo que percibo, sea de quien me las pide o de lo que voy viendo, sintiendo o me inspira. Prefiero hacerlo a través del metal, busco que sean simples porque revelan su esencia, es decir, que busco que no sean complejas en su construcción, sino orgánicas. Trato de que capten un micromundo por descubrir, como la flora del fondo del mar. Casi siempre sumo piedras que engarzo porque me encantan, ya que le dan una personalidad distinta a las piezas. Además de la cera perdida, que mencioné, hago construcciones, soldadura con láser con hilos de oro rosa, por ejemplo.

En fin, trato de experimentar técnicas y las adapto para lo que quiero, como la fundición que utiliza ese hueso calcáreo tipo pluma del calamar. La fundición en hueso de sepia o jíbia es una técnica prehistórica en la que se usa ese hueso como molde que es texturado, en el cual se vierte el metal fundido para conseguir una joya única. A ese molde le doy la forma que requiero según la pieza, en general anillos, que son mi fuerte o fetiche.

Mi manera de trabajar, sobre todo con la cera perdida, parte de un proceso contemplativo muy íntimo, solitario, del que disfruto mucho porque me permite profundizar libremente en mi interior para salir al exterior, es muy visceral, emocional. Y deriva en una propuesta muy variada.

“Mi manera de trabajar es parte de un proceso contemplativo muy íntimo, solitario, del que disfruto mucho porque me permite profundizar libremente en mi interior para salir al exterior, es muy visceral, emocional. Y deriva en una propuesta muy variada.”

_¿Qué referentes en joyería contemporánea destacás?

_A Paolo Marcolongo con sus joyas de arte tanto en metal como vidrio, me gusta mucho su trabajo completamente distinto y sorprendente del vidrio, al crear capas de metal sobre la superficie del vidrio para piezas escultóricas con un manejo del color y la luz único. Del grupo de la escuela de Padua, como Giampaolo Babetto, aunque es más outsider.

Y el alemán Karl Fritsch hoy residente en Nueva Zelanda, que reinterpreta técnicas tradicionales con anillos, su fuerte, dramáticos, expresivos, moldeados o  reconstruidos con mucha incrustación de piedras preciosas, semipreciosas y sintéticas.

 

“Dos referentes que destaco son Paolo Marcolongo y Karl Fritsch”

 

_¿Trabajaste directamente el vidrio?

_No, a pesar de mi cercanía a la isla de Murano, lo sé. Aunque ahora estoy trabajando con un gran artista veneciano, Simone Crestani, un trabajador del vidrio de Murano elogioso que desarrolla una técnica minuciosa. Bromeando suele decir que el  vidrio lo eligió antes de que tuviera idea de lo que quería hacer. Igual que muchos adapta la técnica a sus necesidades con vidrio de borosilicato transparente siempre dándole una forma más escultórica. Lo suyo tiene mucho detalle, adorno.

Juntos trabajamos en un proyecto que combina vidrio y metal. Discutimos mucho el proceso y luego cada uno hace su parte. Al revés de lo que había hecho con Agustina, primero él prepara la pieza de vidrio y yo la trabajo con la técnica de electroformado. También con la intención de no atar el vidrio al metal de manera artificial sino que resulte natural, buscando una unión más orgánica de ambos materiales. Es un trabajo de piezas de joyería. Estamos probando prototipos. Al cobre ácido del proceso de electrodeposición le sumo un baño de plata que le da a las piezas un acabado muy elegante. En pleno proceso, apunto a piezas de diferente escala, grandes y chicas, ponibles.

Esta colección la lanzaremos en abril como parte de la Bienal de Arte de Venecia en el Atelier Crestani, muy cerca de Colección Peggy Guggenheim y de Gallerie dell’Accademia, en una zona de galerías de arte en el Dorsoduro.

 

“Con Simone Crestani trabajamos en un proyecto que combina vidrio y metal. Discutimos mucho el proceso y luego cada uno hace su parte. Primero él prepara la pieza de vidrio y yo la trabajo con la técnica de electroformado.”

 

Reversión de técnicas

 

_¿La aplicación de la técnica de electroformado al vidrio es una invención propia?

_Me animo a afirmar que esta técnica con vidrio es única, no sé si exclusiva o propia, no creo que se haya aplicado mucho el electroformado al vidrio, conocía la teoría pero no los resultados de su aplicación. La pruebo desde hace meses con el asesoramiento de Gastón Roig, con quien aprendí la técnica, me incentivó a que experimentara y funcionó, ajustando mucho el proceso porque es complejo.

El vidrio debe ser trabajado con arena para volverlo poroso y luego tiene que tener una capa de barniz de grafito para luego sumergirlo en el baño electrolítico con una fórmula de metal, cobre, entre otros; un baño que no se repite si no se filtra porque la solución debe estar equilibrada; en fin, un proceso que debe ser preciso, siguiendo un paso a paso que se va adaptando y probando. Las piezas que van en el baño reciben una carga eléctrica cuya potencia hay que ir probando para que el metal se pegue al vidrio. Todo para conseguir que la pieza resulte orgánica.

Me encanta mucho el resultado, porque si lo ves no entendés mucho cómo fue hecho, no hay nada colgado o añadido que lo indique, está muy cuidado y prolijo. Encierra cierto misterio y eso me gusta, atrapa, acerca a la pieza que de entrada tal vez no se entiende que es de joyería. Todas son joyas, anillos, aros y broches.

Aunque sostengo que no es necesario que las piezas tengan o puedan ser llevadas en el cuerpo no porque no se pueda sino porque lo importante es la joya sea cual fuere su soporte.

De hecho, por ejemplo, hice una colección de anillos para «Que se escuchen las joyas», una exposición de un grupo de joyería artística en la RVNHUS Art Gallery del Modern Art Gallery Denmark, que presenté acompañada por miniesculturas representativas cual guardianes de las joyas.

 

“Me encanta mucho el resultado, porque si lo ves no entendés mucho cómo fue hecho, no hay nada colgado o añadido que lo indique, está muy cuidado y prolijo. Encierra cierto misterio y eso me gusta.”

 

_¿Te acercaste varias veces al vidrio, proyectás trabajarlo?

_No. Puede ser interesante, lo he visto trabajar mucho, por ahora trabajo con la pieza de vidrio hecha por otro. No sé. Veremos.

 

“Puede ser interesante trabajar el vidrio, por ahora creo con la pieza de vidrio hecha por otro.”

 

_¿Conocés la joyería contemporánea argentina?

_Conozco el trabajo de Lara Solia, con quien me contacté y orientó mucho. Es que me gustaría estar y trabajar unos meses aquí y otros en Venecia. También, por supuesto conozco la obra de Jimena Ríos, en cuya Escuela Eloi ya hice un taller de Engarce que tenía pendiente.

Me gusta el trabajo de Mora Lasnier, a quien descubrí a través de las piezas de joyería que hizo para JT. Lo suyo también puede verse como miniesculturas muy net, prolijas, me encantó por muy coherente y bien resuelto, también por su proceso; me encantó su atelier, y descubrí que coincidíamos mucho en el trabajo, por ejemplo, en deconstruir joyas, por ejemplo, al ubicar piedras en el interior de una pieza.

Más allá de la joyería me gusta la indumentaria de autor de la diseñadora Sofía Delcroix, el trabajo en papel de la diseñadora y artista visual Connie Valdez Rojas, que hace piezas en papel de algodón perforado con aguja con unos diseños increíbles, muy lindos.

Laura Helena Aureli de Mydaybyday Gallery, que está en Roma, llevó a Homi Fashion & Jewels Exhibition, como parte de la Feria de Milán, a Fabiano Gadano y Carolina Bernachea y me introdujo en sus obras. También allí estuvieron 7 artistas durante 7 días exponiendo bajo la consigna Mujeres y poemas, donde volvió a participar Gadano junto con Mabel Pena -cuya obra destaco del concurso de Loewe Foundation del año pasado-; y en esa iniciativa de Mydaybyday también se vieron piezas de Gabriela Nirino, Paula Botto Fiora, Hebe Argentieri, Marita Sario y Roxana Casale. En Italia se conoce mucho la joyería contemporánea argentina, algunas de sus creadoras son famosas.

Creo que la joyería contemporánea argentina es un reflejo de la cultura, de las costumbres, de su entorno y sus preocupaciones, hecha con gran talento al adaptarse a las condiciones locales o a lo disponible. El argentino desarrolló una gran capacidad para arreglarse con lo que tiene, creo que las crisis los hizo muy creativos.

La que vi es cálida, orgánica, cuidada, con variedad de piezas y técnicas, es un trabajo siempre de transformación en un proceso de investigación, con mucha propuesta conceptual. Algunas tienen una conexión con la naturaleza autóctona buenísima y se nota en sus piezas, como Mabel Pena, y por eso se distinguen. Veo que hay más mujeres joyeras y me parece una movida curiosa, interesante.

Me encanta el metal, me gusta trabajar con el fuego tal vez más adelante pruebe por materiales alternativos. Bueno estoy resolviendo técnicamente algunas ideas, como pegar terciopelo al bronce e incluir una planta que encontré en el bosque húmedo de montaña de lago Queñi, en San Martín de los Andes, la primera vez que visité la Patagonia, siempre de manera orgánica o a través de la fundición directa.

La joyería es una de las maneras que uno tiene para comunicarse artísticamente. Hoy hago joyería, mañana veré. Tengo un proyecto para hacer sillas y mesas de diseño y en el fondo es lo mismo, solo cambia la escala, el material y puede que la técnica. La joyería es como un médium.

 

“La joyería contemporánea argentina es un reflejo de la cultura, de las costumbres, de su entorno y sus preocupaciones, hecha con gran talento al adaptarse a las condiciones locales y a lo disponible. Es cálida, orgánica, cuidada, con variedad de piezas y técnicas, es un trabajo siempre de transformación en un proceso de investigación, con mucha propuesta conceptual”.


Taller Abierto de Fauna Fuego

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De visita | Talleres

Taller Abierto de Fauna Fuego


Fauna Fuego es una joyería que fusiona el metal y el vidrio en manos de Inés Bonadeo y Javiera Yañez Correas

Forman una dupla que cumple cinco años. Inés Bonadeo y Javiera Yañez Correas son las hacedoras de Fauna Fuego. Se trata de una alianza entre dos artistas eclécticas que lograron fusionar sus abordajes a la joyería desde el metal y el vidrio.

Aunque el aspecto de sus piezas se refiere más a la flora, a la naturaleza que las inspira y se representa en excluyentes formas orgánicas, eligieron ese nombre porque se consideran “animales” del fuego, “formamos parte de esa fauna del fuego”. Con su potencia crean a partir de este elemento. Así, conjugan su hacer al flamear, soplar, fundir y soldar.

Recuerdan que se conocieron en 2018 por intermedio de una alumna y por afinidad decidieron planear un workshop de Vidrio+Metal, a partir del cual comenzaron a sentir la necesidad de realizar piezas en conjunto. Un proyecto que sostienen hasta hoy.

Dicen que la búsqueda de expresiones creativas diferentes para ser usadas cotidianamente las llevó a optar por la joyería contemporánea. “La joyería nos permite dialogar con el otro, abrir el juego y provocar”. Sostienen que el solo hecho de llevar o portar joyería habla y propone algo fuera de lo habitual o preestablecido, y eso les interesa.

Suma de partes

Cada una trabaja desde su propio espacio. Inés Bonadeo en su taller de metales y piedras en Villa Crespo. Cuenta con una gran mesa central donde se despliegan proyectos, materiales y herramientas, como sopletes, pinzas, alicates, limas y lijas. Además dispone de superficies donde martillar y una laminadora. Todo, principalmente, para la fundición a la cera perdida de elementos de la naturaleza modelados, entre otras técnicas tradicionales de orfebrería.

El taller de Javiera Yañez Correas está en Colegiales y se especializa en vidrio. Maneja el de murano y borosilicato, muy diferentes entre sí y con capacidades técnicas diversas, aunque reconoce que prueba con lo que sea, si le gusta un vidrio intenta meterlo en la llama. Explica que entre sus elementos de trabajo se destacan los sopletes, con sus equipos de tubos de oxígeno y gas, mangueras, tijeras y pinzas de grafito, especiales para cortar, moldear y trabajar el vidrio. Todas herramientas específicas de su técnica favorita, el lampwork -denominada así porque antiguamente se hacía con lámparas de aceite- o de vidrio a la flama. Tiene además un horno de enfriado, ya que el vidrio levanta a 800 grados para empezar a moverse, y su respectivo extractor de aire porque se quema gas y además al soplar el vidrio puede romperse y quedar partículas de cristal flotando.

Ambos talleres funcionan como laboratorios de experimentación y juego. El taller, más allá del lugar específico, es donde estamos trabajando en conjunto para un proyecto en común”, destacan.

Muestran que los sopletes son los protagonistas, una herramienta en común y específica a la vez, tanto para fundición, sobre todo, y para el vidrio a la flama también. “Son lo  principal y generan una adrenalina esencial que enciende. Manipular el fuego es una experiencia única. Es un elemento que brinda las máximas posibilidades de transformación

Para esto, señalan que consiguen fusionar sus formas de expresión diversa, abstracta, neta y hasta sobrecargada en una sola. Admiten que no tienen un plan previo para lograrlo sino que es el resultado de una expresión orgánica, ligada a la esencia de Fauna Fuego, la cual definen como sensible y desprejuiciada y la califican como genuina. “FF somos nosotras, es el resultado de nuestros encuentros, y para aludir a nuestro elemento, se da siempre en ebullición, con explosiones de ideas que se plasman en las piezas”.

Con método propio

A ese trabajo lo llaman método Fauna Fuego, y lo detallan. “Comienza la pieza en manos de u otra, a veces desde el vidrio, a veces desde el metal, generalmente en solitario. Otras veces primero se da la pieza de vidrio y la de metal la acompaña en una serie de pruebas que busca el mejor ensamblaje, el cual es determinante. En cualquier caso, siempre pensamos qué puede hacer resaltar o lucir el otro elemento. Partimos sin mapa ni rumbo y nos dejamos sorprender. Se da un ida y vuelta en el que aparece una sinergia, una química que genera este universo. No sabemos precisar o sistematizar cómo funciona realmente pero se da en un intercambio de opiniones y alternativas.

“Cuando nos encontramos, la ponemos sobre la mesa a ver qué nos dice. Puede no decirnos nada, y en otras ocasiones nos abre un mundo de formas e ideas por experimentar. Trabajamos intercaladamente con las distintas técnicas, lampwork incluida, en la misma pieza”.

En eso, explican que desde lo técnico se les presentan algunas dificultades entre el metal y el vidrio que generalmente terminan enriqueciendo a la pieza. “Los obstáculos tienen que ver, desde el punto técnico, con la forma en unir ambos materiales de una manera orgánica, para lo cual es un desafío determinar los posibles mecanismos para sujetar el vidrio con el metal.

Intentamos encontrar un equilibrio entre el vidrio y el metal para superar la vulnerabilidad y convertirla en fortaleza. Se trata de cómo sujetar una pieza de manera firme y segura, pero a la vez que refleje liviandad y ligereza”, explican.

Puntualizan que “desde el punto de vista creativo, increíblemente las piezas se fusionan casi solas. Es como que se enamoran entre sí. Trabajamos con mucho amor y humor. Nos damos el lujo de que nada sale por obligación sino por placer. La identidad de Fauna es muy fuerte, tiene vida propia. Es como si las piezas nos obligaran a reunirnos”.

“Estamos ampliando nuestro universo de criaturas fantásticas únicas, irrepetibles, que aluden siempre a la naturaleza. Están apareciendo piezas con una paleta de color más amplia”. Por ahora, siguen con la flora pero tienen en la mira a los insectos.