Su taller también es su casa, su “refugio”, dice, donde siente que puede ser ella misma, jugar y probar todo lo que se le ocurra. Caro Luzardo Carella tiene este lugar cerca del Parque Centenario, en Almagro. Allí lleva adelante sus proyectos más artísticos y su firma Bruselas.

Se trata de un espacio que cuenta con un sector especial para su banco de trabajo, en el que reconoce pasa la mayor parte del tiempo. En su taller  tiene todo lo necesario para soldar, dispone de un kit de esteca y un torno para fresar o agujerear. También, un sector de pulido, otro para el stock de piezas y un sector de empaquetado y armado de pedidos, con una mesa de corte, el packaging, la computadora e impresora para preparar las etiquetas de envíos y contestar mails a clientas.

Hace joyería desde hace 17 años. Recuerda que empezó cuando todavía estaba en el secundario yendo a un taller semanal, después siendo mayor de edad pudo entrar en La Escuela de la Joya y complementó el oficio con la carrera de Diseño Industrial en la UBA y con clases de joyería contemporánea en Taller Eloi.

Considera a la joyería contemporánea como un medio de expresión a través del cual su valor está puesto en el mensaje, en el concepto que se quiere transmitir con la pieza. “En la joyería contemporánea se da un diálogo reflexivo entre quienes utilizan las piezas y el medio que los rodea”

Las piezas lúdicas de Bruselas

Desarrolla su joyería contemporánea a través de su marca, Bruselas. “Hago piezas atemporales que pertenecen a un mundo de imaginación y juego; son joyas que relatan una historia. Mis colecciones empiezan siempre con una pieza madre que refleja la esencia de lo que busco transmitir y a partir de ésta realizo una bajada con un formato más portable. Entiendo a las joyas como objetos que culminan o cumplen con su función cuando están en uso, cuando interactúan y se comunican con la persona que los lleva puestos. En este sentido, diseño joyas para que los usuarios puedan apropiarse usándolas como más les guste, recreándolas desde su propio universo, contando su propia historia”.

Trabaja principalmente con plata 925, también con maderas recuperadas de muebles y cuerdas náuticas.

En su propuesta más artística actualmente está explorando el uso de espuma de poliuretano, masilla plástica poliéster y madera. Incursiona en técnicas relacionadas con el moldeo y tallado de materiales alternativos, usadas originalmente para la realización de escenografías. Añade que aplica muchos de los recursos aprendidos en la carrera de diseño industrial para generar maquetas.

Para Bruselas trabaja con técnicas tradicionales de joyería, como la de fundición a la cera perdida para generar piezas más orgánicas y producir en serie algunos modelos. Además, utiliza algunas técnicas de carpintería para pequeñas series.

En el último tiempo incorporó una pulidora a tambor de pequeño formato realizada por su padre, pensada y adaptada para la producción diaria de Bruselas. Esto le permite pulir una pequeña cantidad de piezas con mayor frecuencia.

Nuevos proyectos

Actualmente trabaja con perlas de río y cuenta que le interesa la sutileza y elegancia de este elemento natural que le permite conseguir piezas “delicadas y atesorables”. Por otra parte, hoy además trabaja en una serie de piezas inspiradas en la conexión con el hogar sentida durante la cuarentena. Comenta que son un homenaje a esos aspectos y elementos que cobraron mucha relevancia puertas adentro durante la pandemia. Una colección muy incipiente que espera pueda ver la luz antes de fin de año.

Esto no es todo. Junto con sus compañeras de Taller Eloi participó del proyecto «Amuletos», que adelanta podrá verse en una muestra en pocos meses.

Y en paralelo sigue desarrollando piezas bajo la tutoría de Rodrigo Acosta Arias y Jimena Ríos para participar de Melting Point en Valencia bajo la consigna «La belleza de la vida cotidiana».

“Soy una artesana urbana y realizo piezas contemporáneas que actualizan los diseños de la artesanía tradicional andina”, se define Lilia Breyter.

Ejerció como ingeniera electrónica por años, pero su inquietud y pasión por la actividad manual la pudo y en 2005 se dedicó a estudiar técnicas textiles y un año después sumó con joyería en Surja, la escuela del Sindicato Unificado de Relojeros y Joyeros y afines de la República Argentina. Dos especialidades que supo cruzar y aplicar hasta convertirse en una artista en tejidos metálicos.

Inspirada en las culturas andinas reinterpreta métodos ancestrales en telares manuales adaptados a hilos de plata para distintas texturas, tramas y enlace.

Por este trabajo único recibió, entre otros galardones, el premio adquisición en el rubro metal en la II Bienal de Artesanías de Buenos Aires, el premio al lujo sostenible en América Latina en la categoría Artesanía por la excelencia de su trabajo en hilo en telar.

Y lo desarrolla en tres espacios de trabajo de acuerdo con el carácter de las obras que realiza. Mitad de la semana está en una isla del Tigre, donde tiene un taller en el que teje con hilos de metal en telar.

Cuenta con dos telares, herramientas para realizar el urdido, navetas donde carga el material para trabajar e hilos de cobre, bronce y plata de distintos diámetros.

Suma otro taller en Olivos, donde vive la otra mitad del tiempo, en el que realiza las terminaciones y piezas de joyería. Allí tiene una mesa de trabajo, otra con pulidora, soldador, torno y todas las herramientas necesarias para realizar tareas de joyería.

Y como si esto fuera poco lleva adelante un Ampara Textil, un emprendimiento con la artista Silvia Roldán, con piezas de joyería textil que realiza en su taller de Vicente López.

Para esto dispone de distintas máquinas de costura, mesa de corte, mesa de ensamble, tijeras, agujas, pegamento, pinzas y maniquíes para probar la adaptación al cuerpo de las piezas.

Textiles únicos que la definen

Usa principalmente hilos de plata y cobre tejidos en telar y trabaja las terminaciones, cierres y otras piezas con chapas de plata. Para su línea más textil, a través de Ampara, emplea textiles andinos antiguos y también contemporáneos, a los que le suma telas de algodón agroecológico de la cooperativa chaqueña Inimbó, puro lino y seda natural.

Destaca que está trabajando para “llegar a que nuestros productos sean totalmente sostenibles, con el fin de conseguir una trazabilidad total”.

Su técnica de tejido en telar manual se distancia del método originario de trasmisión directa, ya que realiza una abstracción geométrica al realizar los diseños del tejido.

Para esto, utiliza un telar manual de mesa que adaptó para poder trabajar con hilos de plata. “Quise respetar mi material, el metal, que al tensarlo adquiere plasticidad, es decir se estira, pero no es elástico, es decir que no regresa a su medida original”.

Continúa haciendo sus piezas de hilo de plata, principalmente pulseras. También, suma con el tejido en cobre, por ejemplo, con el collar «¿Cómo cambiamos?» a partir del concepto del impacto de la minería en el medio ambiente, un trabajo que realizó para la muestra virtual «Desde el taller…», organizada por Joyeros Argentinos.

“Partí de la técnica tradicional de tejido utilizando hilo de metal. Trabajé en las dos dimensiones del telar e incorporé una tercera para el modelado en porcelana de los colgantes del collar”, explica.

Anuncio de reedición de una puesta súper original

Adelanta que reeditará «Megajoyas para Megamujeres», la muestra que realizó junto con Silvia Roldán, en 2018, para la III Bienal Latinoamericana de Joyería Contemporánea, con piezas escultóricas y otras a escala portables en el cuerpo. Y cuenta que está pendiente de exhibir su participación piezas en una muestra de «Neo-artesanías» en el Museo José Hernández, con eje conceptual en el cambio climático y consecuente devastación del medio ambiente.

Desde Ampara está trabajando en un proyecto de convergencia artesanal con tejedoras del norte argentino y de la Patagonia. Ya presentamos la colección «Proyecto Huacalera», con collares de faja de telar de cintura con terminaciones en tejido de cobre, recientemente exhibidos en Argentina Fashion Week 2021.

“Para las dos últimas ediciones de ese ciclo de desfiles también trabajamos una serie de túnicas con telas naturales, como pura seda, pura lana virgen y lino natural, tan confortables como una segunda piel, sobre las que estampamos con un proceso de impresión vegetal natural (ecoprint) y teñimos con tintes naturales”.

Y no para. “También, desarrollamos cinco collares que integran un itinerario llamado Ecos, pensados en un proceso de pérdida de materialidad manteniendo la forma, en una secuencia de disminución de la densidad de la trama, para lo cual utilizamos distintas técnicas: telas de seda, bronce fosforoso, una urdimbre de seda, seda rayón con una trama cobre, otra urdimbre en rafia, más una trama seda y cobre, además de un tejido en dos agujas con hilo de coser y cobre”.

Dice que su taller es mínimo en tamaño y recursos, pero esa dimensión no se condice con su enorme capacidad. Tanta, que después de trabajar durante años con metales, Irina Fiszelew dio un giro y fue capaz de desarrollar un proyecto diferente: joyería en gres.

Esta nueva manera de producir la resume en el uso de dos o tres herramientas básicas y un pequeño horno, que es el corazón de su taller. Ahí es donde se genera la gran magia de esta materialidad.

Con el horno puede experimentar y generar nuevos colores de pastas. “Es muy emocionante sacar las piezas horneadas y ver que se convirtieron en piedra”, comenta, y relata que siempre trabajó con los mínimos recursos. “Es lo que me interesa: resolver mi lenguaje con un proceso productivo accesible para mí, desde el equipamiento del taller, hasta los proveedores y las técnicas implicadas.

Su taller showroom está en su casa, en Villa Urquiza, y se nota que disfruta mucho trabajando y viviendo en el mismo lugar. “Me permite por ejemplo ir y venir del taller al jardín para despejarme o abrir el horno un domingo a la noche porque no puedo esperar para ver cómo quedaron las piezas. Estoy acostumbrada a que mi trabajo se vincule naturalmente todo el tiempo con el resto de mis ocupaciones y con mi familia”.

Comenta que le interesa que su proyecto tenga coherencia y organicidad entre todos los aspectos que lo conforman: el concepto, el lenguaje visual, el proceso productivo, los recursos, los costos, la comunicación y la venta. “Trabajo para que mis piezas se puedan comprar, usar, regalar y que circulen. Para que mis clientes se identifiquen con mi propuesta de diseño. Y para que puedan acceder a lo que hago”.

Entre lo proyectual y manual

La abstracción y la geometría definen su lenguaje visual. Y sus referencias siempre fueron la música y la arquitectura. Son dos mundos en los que se mueve desde muy chica.
Le gusta mucho buscar analogías de modelos creativos en otras áreas disciplinas, para pensar desde ahí el diseño.

Su formación como diseñadora en la UBA le sirvió para acceder a metodologías creativas. Y a partir de una observación analítica de sus diseños, va profundizando en la construcción de una identidad, que siempre está en evolución. Es un camino donde intervienen aspectos inconscientes y al mismo tiempo otros de mucha reflexión.

Se dedica a la joyería desde 2001, cuando egresó de la Escuela Municipal de la Joya. Desde entonces, tuvo distintos proyectos e interrupciones y me dedicó también a la capacitación en procesos creativos.

La joyería es su trabajo, que le permite desarrollarse en aspectos personales, sociales, expresivos, intelectuales y económicos. “Lo que me interesa específicamente de la joyería es que cruza dos áreas que me son afines: la proyectual y el trabajo manual”.

Reconoce también que es “un espacio de libertad controlada, en el que investigo y experimento esa abstracción y la geometría, que pongo en valor en objetos de uso de la vida cotidiana. Esto impone límites y requerimientos que me interesan. Es decir, diseñar objetos funcionales y comerciales, desarrollando mi identidad visual”.

Además, cuenta que “al ser (la joyería contemporánea) un trabajo solitario y en pequeña escala, genera una intimidad en la rutina diaria que me resulta fundamental”.

Trabaja con gres, que es un material cerámico de alta temperatura y tiene una enorme dureza e impermeabilidad, dos cualidades fundamentales en piezas de joyería. Detalla que “es noble, sustentable, de bajo costo y por su plasticidad para modelarlo invita a infinitas exploraciones visuales”.

Gres como vehículo para acceder a las ideas

Le gusta porque le permite un acceso rápido a las ideas y, a la vez, resuelve la pieza final. Con el gres puede hacer maquetas de experimentación y después las piezas. Todo el proceso se plantea desde la misma lógica del material. También le interesa porque “es un material que al desnudo tiene una potencia visual increíble”. No necesita esmaltes, ni combinarse con otros materiales para generar atracción. “Es como el hormigón a la vista en la arquitectura. Un recurso mínimo que genera máxima expresión”, precisa.

Maneja un método de diseño basado en la Teoría de Sistemas, que investigó y desarrolló para realizar su producción y para capacitar a otros diseñadores. Se trata de generar un universo visual a partir de una idea, que le permite diseñar múltiples piezas diferentes que se potencian y se vinculan entre sí. De esta forma trabaja en series o colecciones de muchas piezas, todas diferentes y a la vez familiares.

Desde el punto de vista técnico, es autodidacta. Adquirió los conocimientos que necesitaba sobre el gres para resolver sus ideas. “Creo que las habilidades técnicas están para encaminar proyectos. No son un fin en sí mismo”.

Hace simultáneamente varias series, cada una está en una instancia de resolución distinta. La última se llama «Cúpulas», formada por colgantes y aros. Propone una novedad en mi trabajo: “Generar piezas contemporáneas, desde un lenguaje que remite a épocas pasadas”.
Se la ve muy entusiasmada con un proyecto de capacitación en joyería que está armando con dos colegas. “Son joyeros a los que admiro y respeto y además los tres tenemos miradas laterales sobre la profesión”, comenta.

Y sigue dando seminarios online de su metodología de diseño, llamada «De la pieza a la colección», dirigida a personas que tengan o no experiencia en diseño. “Para mí, es fundamental generar un espacio de aprendizaje sobre los métodos y herramientas proyectuales que nos permiten hacer crecer las ideas”.

Es una dupla creativa que se mantiene hace casi dos décadas. Paula Levy y Viviana Carriquiry son las que sostienen La Joyería de Palermo, un local comercial donde también tienen instalado el taller que comparten y definen como su “espacio de inspiración”, donde aseguran que es posible abstraerse para crear­, pensar, experimentar y jugar. Está a la vista del público, es pequeño, con las herramientas básicas que intercambian para hacer cada una sus piezas de joyería. Un atelier con una estética setentista, en tonos cálidos y depurados en Costa Rica 4693 casi esquina Armenia. Un espacio en común de joyería contemporánea que arrancó en la antigua galería de la calle Florida donde  funcionaba Diseñadores del Bajo y luego se trasladaron a Palermo Viejo Nicaragua entre Armenia y Malabia.

No es su único lugar de creación. A su vez cada una, en su casa, tiene armado taller en los que completan su proceso creativo con terminaciones de algunas piezas.

Su  taller público tiene su “amado” banco de joyero, con martillos, muchas pinzas, limas, mandriles de anillos, pulseras, elementos para trabajar cera. Cuentan también con varias cajoneras donde guardan muy bien clasificados los elementos que usan. “Como el espacio es chico nos obliga a ser más ordenadas”, ríen. Cuentan con tornos, sopletes, y en uno de sus  talleres particulares hay un horno para esmaltar metal, entre innumerables herramientas de las que disponen.

“Pusimos en marcha este proyecto hace ya 18 años. En este tiempo en que trabajamos juntas, siempre hicimos las piezas de joyería a la vista de todos y atendimos el local al mismo tiempo. Lo cual genera un feedback muy interesante con nuestros clientes, que les gusta ver cómo hacemos las piezas, chusmear las herramientas y se sorprenden de ver que somos nosotras mismas quienes hacemos todo y cada una de las colecciones que ofrecemos”.

Procesos creativos independientes

“Nos damos mucha libertad para crear”. Cada una lleva adelante su propio proceso creativo. En general, cada una desarrolla sus colecciones y luego intercambian ideas que mejoran los resultados. “Se trata de joyería que tiene que ver con ideas, sentimientos, emociones que cada una experimenta y plasma en pequeñas colecciones y piezas únicas en diferentes materiales y técnicas”.

Con musas varias reconocen que muchas veces se inspiran en elementos de la naturaleza, pero también las puede las formas muy puras. Y admiten que les gusta que las piezas tengan movimiento. “Pensamos nuestra joyería como pequeñas obras de arte para llevar puestas y usarlas.  Las piezas tienen valor por lo que son y transmiten, no por el costo de los materiales con los que están realizadas. Por eso, lo que hacemos se llama joyería contemporánea. Cada uno de estos objetos de uso pertenece a un conjunto más grande al que llamamos líneas o colecciones. Si una idea nos gusta y nos parece fuerte la desarrollamos de la manera más completa posible, que suele incluir aros, collar, anillo, pulseras y más”.

Fans del metal, trabajan con plata, oro, cobre, alpaca y bronce. Muchas veces parten de la chapa o de hilos de metal y otras optan por trabajar en cera y luego la trasformar en metal con un proceso de a la cera perdida.

Estética que comunica

Viviana aporta a muchas de las piezas engarce de piedras o cristales, remachas de piedras y algunas de ellas con movimiento. Da forma a los metales en líneas martilladas y combina plata, cobre y alpaca con, por ejemplo, siliconas o perlas, piedras ámbares o cuarzos en líneas más orgánicas u otras geométricas, más simples y definidas, depuradas.

Paula agrega piezas con telas estampadas y metal, chapa calada y esmalte sobre metales, también reciclando bellos objetos de plástico. Trabaja con el volumen, la partición y articulación de piezas, mostrando su exterior e interior. “Lo que la joyería contemporánea ofrece va más allá del material sino que su valor está en la estética que comunica una idea”, señala.

Les interesa ofrecer variedad de piezas y precios, mucha joya única y otras series con una bajada del concepto más accesible comercialmente. Hoy, en pleno desarrollo de varias colecciones nuevas, cuentan que están reciclando piezas plásticas de gran valor visual, otras inspiradas en animales y plantas. Y también una línea súper pura. De líneas y más líneas. “Este en un hermoso momento donde todo es posible y lo mejor está por venir…”

Siete de Autor es colectivo joyero con una tienda-taller, un punto de encuentro en el que prima el espíritu de equipo. Decidieron unir fuerzas para facilitar el desarrollo de sus ideas y proyectos y conformaron un coworking único. Comparten un mismo espacio de trabajo, tanto físico como virtual, trabajan juntos pero desarrollan sus propuestas de manera independiente. Los Siete son seis: Fátima Agostinucci, Bibiana Doldán, Santiago Repetto, Miriam Giménez, Carina Altman y Marina Narbaitz, quienes se conocieron en la escuela de joyería contemporánea de María Medici. Su impronta metalera los une: el uso del metal fundido a la cera perdida o el metal directo, aunque se diferencian con los resultados: joyas personales que revelan la historia de cada uno.

En la primavera de 2018 se instalaron en uno de los locales que da al patio interno del ex convento de la Congregación de Religiosas de San José -contiguo al colegio San José de la Palabra de Dios-, que fuera donado por la familia Malcom, fundadora de Villa Crespo. Es un edificio neoclásico de 1945 que mantiene su fachada, techos de bovedilla de ladrillo con vigas y aberturas de madera original, solo con un recambio de las instalaciones para un mejor confort y seguridad, pero que conserva la arquitectura antigua de doble altura en la que funciona la tienda, en planta baja, y el taller, en el entrepiso, a los se accede por la recepción del hotel boutique que funciona en el primer piso. Casa San José es un espacio con historia que los Siete conocen, ponen en valor y transmiten.

Hacen suyo el lema mosquetero de uno para todos y todos para uno porque siguen modelo de trabajo colaborativo. “Varias de las maquinarias y herramientas de mi papá que era relojero las traje a Siete para usarlas entre todos: una pulidora, laminadoras, y también un arco para sierra y pinzas bruselas que utilizo y comparto”, cuenta Bibiana Doldán, abogada de profesión que reconoce su relación con el oficio desde chica, más aún cuando decidió incursionar en la historia del arte y pintura, y posteriormente estudiar joyería contemporánea. “El trabajo en el banco de joyero es solitario pero para nosotros no porque nos sentimos muy acompañados y nos complementamos muy bien. Nos organizamos para estar siempre presentes en el taller, tenemos turnos para atender al público, al que le contamos y mostramos nuestro proceso creativo”, añade. Siete de Autor hoy está abierto jueves y viernes, de 16 a 19, y sábados, de 11 a 19, en Gurruchaga 1060. La propuesta de Doldán ahora es más geométrica, en alpaca, hilo de acero y piedras de acrílico y, además, trabaja en un proyecto de piezas únicas como petos en un mix de materiales inusuales, cartón y metal.

“Estar en el taller tiene la ventaja de tener el proceso de creación de principio a fin en las manos, empezás y terminás; hacés, consultás y corregís. Es un espacio que aprovecho mucho y me encanta crear a la par de mis compañeras. Trabajamos de alguna manera en grupo sin querer o queriendo, al mostrarnos o poner nuestro trabajo uno al lado del otro; eso también nos permite distinguir nuestro propio lenguaje y profundizar en nuestra búsqueda sin pisarnos. Nos completamos. Siete de Autor es un espacio para el desarrollo individual pero que funciona en grupo”, dice Santiago Repetto.

“Todo lo decidimos de a siete aunque trabajamos de manera personal. Cada uno tiene su puesto de trabajo sin límites rígidos pero respetados, tenemos nuestras normas de uso de la maquinaria compartida, contamos con una mesa grande libre para el armado, otra para el soldado y una para el martillado, y cada uno tiene su estantería con sus materiales y herramientas que intercambiamos si es necesario. Abajo, contamos con un lugar de exposición grupal y personal”, comenta Fátima Agostinucci. Y en este espacio artístico, sostiene que lo mejor que le da la joyería es que se fue conociendo a partir de la experimentación. En ese sentido, suma con piezas creadas a partir de un collage de materiales orgánicos y textiles que moldea a la cera y funde en bronce y plata o crea en chapas o alambre de bronce o plata directamente, en tanto incursiona en el engarce.

Lo de Carina Altman también pasa por la experimentación con el metal, en particular, el bronce y la plata, esta última, su favorita, una cuestión derivada de la escuela que las moldeó, dice, en la que también aprendió a empezar a soltar la obsesión por los acabados perfectos. En ese proceso, sus compañeros de Siete la “acompañan e impulsan y se da una sinergia muy fuerte. Es un placer trabajar en compañía. Nos conocemos, sabemos cuál es el fuerte de cada uno y la expresión de cada uno de los puntos de vista suma, facilita la fluidez del trabajo”, destaca, al tiempo que menciona que está metiéndose con otros metales, como la alpaca y cobre, y hoy ya juega con su combinación.

Miriam Giménez también da su opinión sobre este emprendimiento grupal. “El espacio de taller es enriquecedor y nos impulsa a avanzar. En lo personal, lo grupal fue definitorio. Y en la tienda nuestro trabajo se potencia. Montamos una presentación algo escenográfica, una puesta en común de lo más representativo de cada uno en una gran mesa central y además cada uno tiene una mesa o caja individual con lo último de su trabajo”, comenta quien aporta con sus piezas en bronce, alpaca y algo de plata de líneas orgánicas algunas y más estructuradas otras.

Coincide Marina Narbaitz al indicar que crecer con la mirada del otro ya es una costumbre para ellos y es fundamental. También hace lo suya la técnica de la cera perdida a partir de textiles con fundición en bronce o metal directo, suma con su incursión en pátinas y ácidos, muchos coincidentes con los que maneja como patóloga, profesión que la define junto con la joyería. “Desde que hago joyería miro todo con otros ojos, de algo que está tirado en un cajón a gestos o elementos con que me encuentro a diario en el hospital”.

Además de las piezas de autor, se advierte cierta bajada comercial en las series de joyas de cada uno de los autores, con la idea de animar a usar piezas no convencionales. Y Santiago Repetto lo cuenta: “Usar joyería es cuestión de actitud y nosotros promovemos que se porte la joyería contemporánea, que se lleven piezas de autor que siempre tienen un significado especial. No hacemos joyería que se mira y no se toca ni inaccesible sino que pretendemos que sean piezas de uso cotidiano. Queremos que quien se las lleve sepa que hay un autor atrás, que puso su tiempo para hacerla especialmente con sus manos. Que sepa que Siete de Autor es un trabajo colaborativo enriquecedor porque nos consultamos e intercambiamos opiniones en el hacer. Por eso estamos presentes para ofrecerlas, mostrarlas, contar de su proceso creativo y asesorar en su uso. Es que somos muy militantes del métier joyero”. Y él ofrece piezas hechas con una mirada proyectual, algo brutalista, busca volver a piezas más escultóricas y lo tienta el no metal, por eso trabaja en filamentos derivados del maíz y algo de PET para joyas simbióticas en alpaca, bronce y bioplásticos.

Piezas hechas entre todos, esa que puede pasar de mano en mano de los seis; participar de la Bienal; continuar con las experiencias de maridaje (vinos y joyería, perfumes y joyería, entre otras), y seguir recibiendo tours son algunos de las inquietudes que los unen y proyectan.