Ausencia, la obra inacabada de Chris Kiseno
Se actualizó Ausencia, la obra ícono de Chris Kiseno
Una vez más el artista colombiano Chris Kiseno presentará la última actualización de su obra más icónica: su collar «Ausencia».
“Hace unos días la terminé y ahora está compuesta por 1299 cuentas o mini cráneos en una resina símil cemento enhebrados con hilo de nylon rojo, que representan la cantidad de líderes sociales asesinados en Colombia después de la firma del Proceso de Paz en el 2016.
«La pieza está acompañada por un registro donde están los nombres de cada uno de esos líderes sociales, fecha y lugar donde fueron asesinados con un número identificatorio, el cual esta tallado en cada uno de los cráneos.
“En 2018 decidí no finalizar la obra hasta que esa matanza termine. Espero poder cerrar esta pieza de una vez, porque hacerla duele… «Ausencia» es un collar presente en mí porque con él sostengo mi denuncia», explica el joyero.
La obra se presentó en diversas oportunidades y este sábado se vuelve a exponer con una charla especial sobre “la problemática de violencia en Colombia: quiénes son líderes sociales y por qué son asesinados”, en Artesi espacio de creación en Poblenou, Barcelona.
Entrevista a Mabel Pena
Apuntes | Notas
“Trato de generar conciencia resignificando el material para transmitir un mensaje”

Es la única latinoamericana elegida por la Loewe Foundation Craft Prize para la muestra que mes próximo expondrá en The Noguchi Museum, en Brooklyn.
Mabel Pena es otra de las maestras referentes de la joyería local. Escenógrafa, vestuarista, fotógrafa y también joyera especializada en la técnica de la cera perdida y, sobre todo, en la recuperación de bolsas arrojadas al Delta para convertirlas en piezas únicas.
Su interés por reciclar la llevó a manipular polietileno, que transforma sometiéndolo a determinados tratamientos con base en el calor. Hoy suma otras materialidades como el cemento y la resina y, a largo plazo, proyecta innovar con residuos tecnológicos, sonidos y hasta luces. “Me gusta cambiar, soy más ecléctica, procuro reunir o conciliar materiales y proyectos diversos”, dice.
Cómo es «Humedales», la colección con que fue distinguida. El remo, las experiencias que la inspiran y su fascinación por el río. Las clases que desde hace 20 años ofrece en su taller Km. 0 y los proyectos en los que trabaja en forma simultánea.
_Trabajaste mucho como vestuarista y escenógrafa.
_Sí muchísimo. Empecé estudiando en la escuela técnica Fernando Fader con orientación en Diseño de Artesanías Aplicadas a la Industria, donde comencé joyería en el Taller de Metales. Por eso, la elección de mi trabajo dentro del rubro artesanías por parte de Fundación Loewe me conmueve porque me remite a mis comienzos en artesanías aplicadas; esa selección es como cerrar o coronar esa vuelta que me permitió la vida.
Luego de la Fader empecé a estudiar escenografía en la Escuela de Gastón Breyer, seguí con Saulo Benavente y continué con Graciela Galán. Trabajé en varias obras, como “Boda Blanca” también haciendo la utilería en todo tipo de objetos. Participé del movimiento de resistencia cultural “Danza Abierta” y en la ópera “Manon”, entre otras. Después me desempeñé sola como escenógrafa en cine, pero el teatro fue lo más, me encanta porque es más abarcativo, todas las artes se unen y complementan.
“La elección de mi trabajo dentro del rubro artesanías por parte de Fundación Loewe me conmueve porque me remite a mis comienzos en artesanías aplicadas.”
_¿Qué habilidades artísticas o mirada te dieron la escenografía y el vestuario que hoy aplicás?
_El manejo del espacio y lo aplico a la joyería. Planteo la joya como un espacio de arte, como un territorio por ocupar y me interesa que pueda verse desde distintos puntos de vista, lo cual puede generar diferentes formas, tal como se da en el teatro que hacés una apuesta de luces, como la vital o la lateral, que dan lugar a diferentes formas. En un ensayo de teatro, por ejemplo, tanto el escenógrafo como el vestuarista están en los detalles y observan la puesta desde distintos lugares. Esto lo aplico también a la fotografía, ya que apunto y me paro con el lente desde distintos punto de vista, y esas imágenes inspiradoras terminan plasmándose de alguna manera en la joyería.
Así, la joya no es un plano en el que trabajo sino que obviamente supone más dimensiones. De esta manera, la joya pasa a ser un ámbito escénico que trabajo desde lo visual. Y como en el teatro, en la joyería ese ámbito escénico es un proyecto conceptual no una simple decoración; en ambas disciplinas se maneja la luz y el color según una idea o concepto.
“Planteo la joya como un espacio de arte, como un territorio por ocupar.”
_¿La joyería fue un desprendimiento de tu trabajo como escenógrafa?
_Después de mucho hacer teatro, mientras en paralelo hacía diversos talleres, como de vidrio, sentí que el teatro ya era muy inestable para mí porque estaba trabajando en tres obras a la vez, por ejemplo, y después tenía un silencio o parate de tres meses…
Entonces como había hecho Grabado quise volver al metal y busqué a Aschian Sarquis, con quien estudié muchos años. Un gran maestro que siempre recibió mis propuestas, mis ideas no tan tradicionales, mis dibujos y me orientó y capacitó muchísimo. Luego estudié con el maestro orfebre Alfredo Garavaglia con quien me especialicé en la técnica de la cera perdida y eso me abrió un universo creativo buenísimo; y ya no solo creo con metal sino también madera, acrílico y plásticos desechados. Con todo este bagaje hoy trabajo los espacios, el volumen y las texturas.
“Ya no solo creo con metal sino también madera, acrílico y plásticos desechados. Con todo este bagaje hoy trabajo los espacios, el volumen y las texturas.”
Decisión por reciclar
_¿Cómo se dió ese pase del metal a los plásticos y por qué?
_Primero empecé a trabajar con la plata, luego en cobre porque me interesaba incorporar color a través de sus oxidaciones, seguí con acrílicos y maderas, como mencionaba; siempre fue metal y algo más.
A los plásticos llegué por la decisión de reciclar materiales y tienen la interesante característica que se transforman y no lo podés manejar hasta que te das cuenta cómo da o cuáles son las posibilidades que ofrece sometiéndolo a determinados tratamientos, como el calor. Estos procesos son muy cautivantes porque generan un movimiento interesantísimo y, según su densidad o elementos que lo componen, resultan de diferentes maneras; una cosa es el PET, otra el polietileno y distinto es también el polipropileno.
Trabajé mucho con las tapitas de gaseosas y bebidas que la Fundación Garraham procesa en pellets o confites de 5mm e hice una colección trabajada con calor.
En general, uso bolsas de polietileno y ahora con filamentos termoplásticos 3D, algunos están hechos con elementos naturales como almidón de maíz o raíces, entre otras. Pero comúnmente utilizo bolsas de polietileno que lamentablemente se siguen haciendo y que terminan, entre otros lugares, el lecho del río, se observan cuando baja el agua y las saco cuando voy remando por el Delta; es impresionante la cantidad que se tira. También busco bolsas de colores que entregan al comprar comida. Voy juntando para recuperar y transformar.
Con esto se puede hacer un montón, es sabido que rellenado botellas con bolsas y plástico se pueden hacer ladrillos que sirven para la construcción. Y la joyería es otra una gran alternativa.
Me manejo con el color de las bolsas recuperadas aunque no dejo de indagar cómo darles un tono como lo hago con los filamentos 3D, que según necesito tiño con tinturas al alcohol en un proceso pictórico que lleva bastante tiempo.
“A los plásticos llegué por la decisión de reciclar materiales y tienen la interesante característica que se transforman.”
_Así generás tramas, nuevos textiles.
_Sí, en este caso para representar los arrecifes de los humedales. Ahora estoy haciendo foco en las ramas a partir de bolsas tratadas, que desmecho, genero hilos y también diversas formas con apariencia de papel.
Son tramas que voy dibujando con calor y lo paso a tres dimensiones. Hago un bastante trabajo de campo a partir de la fotografía y la contemplación, para ir al detalle de lo mucho que encuentro y observo en el Tigre cuando por ejemplo brota la humedad y salen unos hongos tremendos. Mi entorno o ámbito escenográfico es el Delta, a partir del cual construyo.
Me gusta profundizar en el detalle y llevarlo a otra escala, a una escala mayor y de paso me doy el gusto que en teatro me complicaba por la logística. No obstante, también pasé a la joyería, como muchos, por una cuestión de escala. En joyería, con poco puedes hacer mucho. Con tres herramientas hacés una pieza, aunque reconozco mi debilidad por estar bien equipada.
Y en ese hacer, sigo con metales, más bien retomé bastante en este tiempo, en mix con filamentos plásticos, también con resina, rafia natural y cemento que simula las piedras de las estacadas que se instalan a la vera del río en Tigre para contenerlo. Con el cemento, creo piedras para una composición de esas orillas ribereñas en las que estoy indagando a partir de fotografías, para reflejar ese urbano que entra en el río con sus connotaciones positivas y negativas. Hay piezas que muestran el humedal virgen, frondoso y con color, y otros descoloridos, pálido, de aspecto seco por el paso destructor del hombre.
En este proyecto sumo piedras, resina, filamentos plásticos y metal. Lo que más me gusta de la joyería contemporánea es la variedad de materiales con que puedo trabajar.
_¿Qué te llevó a este tema?
_Estar en el río me fue llevando a un trabajo que busca llamar la atención sobre la necesidad de cuidar el medioambiente en el que vivimos. Me encanta estar en el Delta y remar en el río; el cambio de paisaje que se da cuando estoy navegando por allí es espectacular, aunque lamentablemente la sequía está causando estragos en la zona.
Me encanta también la ciudad en la que vivo, pero también me gusta el contraste de los fines de semana en la naturaleza casi salvaje. Y quise llevar ese paisaje a mi obra de manera más conceptual. Mi trabajo siempre fue bastante orgánico, ahora quizás me llegó el momento de que sea más reflexivo.
Del encantamiento inicial con el metal y las posibilidades visuales que ofrece, después de muchos años de trabajo y de probar diversas materialidades con distintos propósitos, hoy me interesa que mis piezas tengan un mensaje claro. Por eso, decidí comenzar a indagar en el Delta que tanto me atrae y surgió la colección que llevaba su nombre. Ahora profundizo en los humedales en una investigación que también derivó una colección del mismo nombre. Es un ecosistema muy castigado por la mano del hombre, que interviene destruyéndolo con incendios, por ejemplo; esto también trato de reflejarlo con la incorporación de otros colores más encendidos, valga la alusión. De esta manera, convierto mi preocupación en ocuparme de transmitir mi mensaje de alerta, si se quiere, un llamado de atención a través de la joyería. Si bien hay otra consciencia y muchos grupos y organizaciones luchan por preservar y cuidar, también hay muchas manos interesadas dañinas que no frenan ni se las frena. El desmonte y la intervención de los humedales es un tema de actualidad que debiera estar más en agenda y resolverse. Es precisa la tan vapuleada Ley de humedales que preserve el Delta, entre otras medidas.
Basta con ver lo que pasa con el río Corriente, en la provincia de Corrientes, que está casi seco, en el que los animales corren desesperados en la poca agua que hay, también huyendo de los incendios, y donde también mueren miles y miles de peces, o el cauce del río Miriñay atravesado por terraplenes arroceros que lo terminan por secar. Un deterioro que se acelera, si bien con las redes sociales estamos más informados y es tan evidente que estamos más atentos, hay que dar un paso más porque es un espanto.
Toma de consciencia
Desde mi lugar trato de generar conciencia resignificando material de desecho para transmitir un mensaje a través de una pieza de joyería, en un proceso que se completa con el sujeto portante que adhiere al mensaje.
Estoy muy interesada en seguir transitando este camino y continuar con ente trabajo sumando puntos de vista, como con las estacadas que de alguna manera muestran como el cemento de la ciudad se instala en la naturaleza del río o del Delta y viceversa cómo plantas autóctonas de los humedales ya son moneda corriente en locales de venta en la ciudad, y este es un ida y vuelta interesante que invita a seguir reflexionando e indagando.
Y me gusta mucho expresarme a través de piezas, como los collares que me encantan porque tengo más espacio así como los broches que se consideran los objetos más neutros, susceptibles de ser usados en cualquier parte no solo en las convencionales.
Como verás mi obra no es minimalista sino todo lo contrario, para mí más es más y la exuberancia de la naturaleza suma aún más a este concepto; tal vez soy minimalista al vestir, porque tal vez es una opción inconsciente que me permite lucir más las piezas de joyería contemporánea.
De alguna manera, la joyería es un paliativo que contribuye a una toma de conciencia para cuidar el medio ambiente. Y esta premisa se establece de manera directa: quien lleva puesta una pieza del tipo que describía o con un mensaje como el que planteaba lo apoya claramente sea donde fuere o donde esté, la bajada es muy directa y la llegada es total, es una vidriera móvil muy interesante, que me interesa aprovechar, sobre todo, con este mensaje.
No es que la joyería contemporánea debe dar un mensaje, es como la indumentaria o cualquier otro lenguaje no es obligatorio, pero para mí está bueno que se plantee, y busco dar ese mensaje a través de mis piezas.
“Quise llevar ese paisaje a mi obra de manera más conceptual. Mi trabajo siempre fue bastante orgánico, ahora quizás me llegó el momento de que sea más reflexivo.”
_Te gusta navegar.
_Me encanta navegar en bote de madera remo por el Delta. Si bien no soy deportista, me fascinan las experiencias por eso además de esta práctica también hice buceo. Mi bautismo fue en Playa Girón y resultó alucinante, entré caminando y comencé a sumergirme en un mundo fantástico, que revelé a través de la fotografía que también me gusta mucho como ya dije. Los colores que descubrí, las texturas a que me llevaron, el movimiento sugerente, las características del fondo marino y el atractivo de los peces hicieron que se convirtiera en una experiencia extraordinaria. Y a esto se sumó, para no variar, la mano del hombre con un barco hundido oxidado invadido por la fauna y flora marina impresionantes. Si esto fuera todo sería pasable, pero como sabemos hay más que contamina, como una red de cables submarinos que alimentan internet, además de las tremendas islas de plásticos movibles, a los que se suma la goma de miles de ojotas, mucho telgopor y otros desechos turísticos. Un mundo increíble. Y aunque tenemos más información de lo que pasa, reitero, de lo que hacemos y de las consecuencias de nuestros actos, no paramos.
“Intento no dar ninguna relevancia al material o a una técnica determinada, solo trato de adaptar cada material a la narrativa y al discurso del momento.”
Experiencias creativas
_¿Esa conexión, no obstante, tiene un lado positivo por la mayor interrelación de los actores o protagonistas de la joyería contemporánea?
_Sin duda y eso está bueno. Por eso, ir a Nueva York a la presentación de la muestra de los artistas artesanos seleccionados por la Fundación Loewe, del 17 de mayo al 18 de junio, es una oportunidad de ver, conocer y relacionarme con propuestas que se generan en distintos lugares del mundo: Japón, Francia, Estados Unidos, Nigeria, China, Corea, Australia, España, Dinamarca, Reino Unido, India, Bélgica y honrada de ser la única de Latinoamérica. Hay varios proyectos asiáticos y me entusiasma ver su trabajo porque tienen un manejo del tiempo de la técnica impresionante; imagino que no tienen esa ansiedad de terminar sus piezas por eso resultan con una perfección sorprendente, por eso querría verlo y corroborarlo.
Y estoy armando una agenda con otras propuestas que espero sea una apertura de nuevos caminos interesantes.
“Resulté una de las 30 artistas finalistas seccionadas por la Fundación Loewe. Fue una sorpresa, ya me siento premiada al ser finalista.”
_¿Qué presentaste en Loewe Foundation Craft Prize?
_Resulté una de las 30 artistas finalistas seccionadas por la Fundación Loewe para la muestra se inaugura el 16 de mayo en The Noguchi Museum, en Brooklyn. Fue una sorpresa, ya me siento premiada al ser finalista; lo tomo como un premio también a la trayectoria, al uso de técnicas que resultan de un proceso en el que pretendo innovar.
Es una pieza de la colección «Humedales» que explora la relación del ser humano con la naturaleza y me interesó destacar la importancia vital de preservar ecosistemas especializados. La cree a partir de bolsas de polietileno recicladas, manipuladas de diferentes maneras para crear diversas texturas.
Se trata de una representación escenográfica de los humedales no solo del Delta argentino sino de América Latina en general, que juegan un papel importante en el mantenimiento de la biodiversidad y la gestión de inundaciones y se están interviniendo de manera dañina. Este collar documenta la lucha por sobrevivir al impacto humano.
“La colección «Humedales» es una representación escenográfica que explora la relación del ser humano con la naturaleza.”
_¿Proyectos?
_Ya en lo local, tengo prevista mi participación en la muestra por los 40 años de Democracia, y también proyecto presentarme en «ADN», la convocatoria de Alliages.
A partir de la propuesta de «Sepan Cuantos», el proyecto de los artistas mexicanos Ofelia Murrieta y Andrés Fonseca por el aniversario de esa colección de la Editorial Porrúa, surgió otra línea de trabajo en papel a partir de páginas de un libro de Gabriela Mistral intervenido.
He trabajado mucho en papel, me gusta mucho la cartapesta. Esta convocatoria me entusiasma, porque me gusta cambiar, soy más ecléctica, procuro reunir o conciliar materiales y proyectos diversos. Me siento cómoda llevando adelante distintas líneas de trabajo.
A mis clásicos de metal y plástico, sumo el cemento, como mencioné, cemento con resina, y estoy volviendo al metal. Y tengo en carpeta muchos otros materiales para investigar, como los residuos tecnológicos, y también me interesa trabajar en la incorporación de sonido o de luz en las piezas, pero para esto tendré que sumar ayuda. Me dedico a full, no paro de indagar y comparto mis investigaciones a través de las clases que doy en mi taller Km 0 desde hace 20 años, en una fundación de salud mental y online en el Museo Hernández.
“Me gusta cambiar, soy más ecléctica, procuro reunir o conciliar materiales y proyectos diversos. Me siento cómoda llevando adelante distintas líneas de trabajo.”
_¿Esa ayuda implica un trabajo interdisciplinario?
_Sí, y me permitiría fusionar el arte y la tecnología, en una suma de conocimientos que me parece súper interesante. Es un proyecto a largo plazo. Me interesan los proyectos de este tipo y también los temáticos o trabajar a partir de una consigna, porque me recuerda al teatro, a trabajar como en una obra en particular y cambiar o variar a otra, según un guión, si se quiere, o un concepto; así una obra no es igual a otra y puedo sumar en favor de la joyería y la creatividad, es un estímulo constante.
Taller Abierto de Ruth Schaffer

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Taller Abierto de Ruth Schaffer
La curva y el movimiento que genera es el eje de la propuesta de esta creativa y lo cuenta desde su taller en Palermo.
La mirada proyectual de Ruth Schaffer se la dio su profesión original de arquitecta que la conectó con las curvas y el movimiento que generan. Y esto dio origen al nombre de su firma, que deriva de la palabra finlandesa kayra. Con esos elementos eje se planteó la necesidad de transformarlos o, más bien, de materializarlas en piezas de diseño portables. Desde su taller en Palermo cuenta cómo se reconvirtió en joyera al incursionar en el aprendizaje de técnicas, estrategias y, sobre todo, a probar e indagar en materiales.
Su taller showroom está es una planta baja que da a un patio, en un clásico edificio palermitano a metros del Parque La Heras. Está sectorizado en diferentes áreas, con puestos de trabajo que comparte con su equipo para la producción de su marca Kaira joyas.
Como a muchos, la naturaleza también es su fuente de inspiración, además de lo femenino y lo simbólico, dice. Lo suyo comenzó en 2004 moldeando en cera piezas que enviaba a fundir en metal y luego usaba, despertando curiosidad y consecuentes pedidos que la llevaron a crear su firma.
Actitud resiliente
Resiliente como pocas, se reconvirtió porque debió dejar de lado el metal por una alergia y comenzó a trabajar en cuero recuperado. “Una alergia por la manipulación del metal me dio la oportunidad mirar a otros materiales, como el cuero rescatado del descarte, con el que en 2012 realicé una de mis primeras colecciones con ese material, «Transformación lúdica», que partía de un espiral que se desplegaba pudiendo combinar módulos; una propuesta que mostré en Tienda Malba. Siento que la joyería contemporánea me permitió encontrar el lenguaje para expresarme, más allá de la materialidad. Es una búsqueda y un descubrir constante”, cuenta.
Mucho antes ya había decidido profesionalizarse en la joyería. “De 2005 a 2011 asistí al taller de Fabiana Gadano, en el que fui incorporando nuevas técnicas y adquiriendo otra mirada que me llevaron a descubrir y profundizar en la joyería contemporánea. También, realicé otros talleres y workshops, como con Irina Fiszelew, en el que pude sumar una nueva manera de gestionar mi trabajo”.
Cuenta con un banco donde volvió a trabajar directamente sobre el metal para soldar, calar y limar con las herramientas de joyería necesarias, tales como soplete, torno, limas, sierras, etc. Por otro lado, dispone de sublimadoras, con la que maneja materiales alternativos, como el mencionado cuero. Pero también trabaja con caucho, silicona y telas engomadas. “Es en este espacio donde pongo en juego la imaginación e inquietud por experimentar constantemente e investigar. Trato de probar y dejarme llevar para salir de lo estructurado o previsto”.
Más allá, tiene una mesa multifunción, que de igual manera va cambiando de destino según la necesidad. Se usa para preparar pedidos, confeccionar croquis o dibujos que luego pasarán a ser nuevos diseños y también se utiliza para realizar el moldeado en cera de las piezas que lleva a fundir. Dispone también de un escritorio, el espacio más despejado del taller, donde ubica su computadora para el trabajo más duro que admite es el que menos disfruta hacer.
Sin limitaciones
En este espacio creativo divide su tiempo entre su joyería más comercial y otra más personal o artística, en la que se permite crear sin limitaciones de procesos productivos, costos, tiempos de ejecución. “A veces se unen, ya que en varias ocasiones pude lograr una bajada de piezas de exposición para luego reproducirlas con los cambios requeridos. Al metal llego por el diseño que parte de un dibujo.
“Y con el cuero recuperado, entre otros materiales, me dejo llevar y juego. Un proceso que se dio como consecuencia de una transformación personal en la que fui incorporando herramientas en favor del bienestar, como la meditación, para aflojar posturas estructuradas. Y este concepto también lo trasladé a mi joyería. Trabajo mucho sobre la experimentación y resignificación de materiales alternativos porque me encanta encontrarles otra vuelta.
“Con todo, la joyería me abrió la cabeza y pude empezar a indagar en el concepto más allá de la estética”, indica.
Procesos de experimentación
En ese proceso, señala que probó con una gran diversidad materiales según lo que quería contar en cada momento. A la cera para el metal y al cuero, le sumó experimentaciones con resina, caucho, silicona, poliuretano expandido, cintas de video, telas, sachet de leche y ahora guata, entre otros reciclados.
Para esto aplicó técnicas tradicionales de la joyería y también la termofusión. “Este método se popularizó bastante, pero cuando comencé a investigar con la pistola de calor y luego con la plancha manual hasta llegar a la sublimadora, era una técnica inusual; con el tiempo, fui explorando y descubriendo una alternativa expresiva interesante”.
Entre sus últimos trabajos, está una colección de piezas en guata trabajadas con calor, con la que logra volumen y consigue sumar color con tintes naturales. Hoy, además indaga con biomateriales y también con algunas piezas textiles. “Todo está en etapa de investigación, en un proceso de prueba en el que busco posibles prototipos”. En tanto, analiza una propuesta para preparar exhibir sus trabajos en escultura y joyería en una galería de Uruguay.
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Hoy se estrena «En movimiento» una muestra curada por Luis Acosta que se ve en la galería madrileña Lalabeyou hasta el 28 de marzo.
Una muestra itinerante que continuará por Salamanca, Barcelona, Oporto, Atenas y llegará a Suiza.
Participan las argentinas Carolina Moya, Iona Nieva, María Rosa Mognelli y Patricia Mogni.
También, Adriana Gomez, Aişegül Telli, Alexandra Prelipcean, Amàlgama, Ana Nadjar, Angela Gentile, Arijana Gadžijev, Bego Fuentes, Claudia Schlabitz, Charlotte Parent, Festivo Design, Francesca Locati, Iro Kaskani, Julie Bégin, Laura Volpi, Lily Kanellopoulou, Marta Fernandez Caballero, Miriam Arentz, Miyuki Shiotsu, Salvador Vico, Saskia Bostelmann, Suzanne Esser y Viktoria Muenzker.
Laura Egea, primer premio de Brazil Jewelry Week
Laura Egea, primer premio de Brazil Jewelry Week
La joyera cordobesa María Laura Egea ganó el Premio Brazil Jewelry Week 4ª. edición.
También, fue destacada la obra la artista y joyera contemporánea Vicky Biagiola con la posibilidad de participar del Grupo de estudios de la Escola Núcleo que lidera el maestro Jorge Manilla.
Por este premio, Egea será la artista invitada para la edición 2023 y la imagen de la 5ª edición.
Se le otorgó esta distinción para resaltar su obra «Territorios», un proyecto que derivó de «Joya topográfica», la pieza con la que en febrero último resultó la única argentina seleccionada para participar de la V Muestra de Orfebrería Contemporánea de Madrid.
Se trata de una obra que incluye una serie de piezas únicas, entre collares, pulseras, anillos y broches, hechos en porcelana fría con incrustaciones de alfileres acero.
Experiencia estimulante
“Fue una experiencia espectacular participar las jornadas intensivas con reflexiones, debates, análisis, cuestionamientos y hasta críticas sobre la actualidad de la joyería contemporánea, sus problemáticas, necesidades y, sobre todo, la importancia de articular acciones para construir, proyectar y poner en valor la potencia de esta expresión creciente en Latinoamérica.
“Quedó en evidencia el imperativo de multiplicar espacios de interacción y comunicación. Se dio un intercambio enriquecedor no solo entre artistas joyeros sino sobre todo con el público que se acercó a esta monumental biblioteca paulista.
«Impecable la acción de las embajadoras referentes por países que motorizaron la participación; en nuestro caso, buenísimo el compromiso de Roxana Casale; y súper interesante y potente la propuesta de los organizadores, Chrisssie Barban y el maestro Jorge Manilla”, destaca.
La artista joyera, también arquitecta, no es el primer premio que recibe. En 2017, consiguió el Premio Moda, Arte y Diseño (MAD), que otorgaba el Museo de Arte Decorativo, por su joya multiuso PoliPéras.
Hoy comienza la 4ª edición de Brazil Jewelry Week
Apuntes | Notas
Hoy comienza la 4ª edición de Brazil Jewelry Week

Esta tarde se inaugura Brazil Jewelry Week, la semana de la joyería que no solo es brasilera sino latinoamericana, ya que cuenta también con la participación de artistas de Argentina, Chile, Colombia y México, entre otros.
Un simposio con diversas charlas, cursos, talleres, muestras individuales y una central son algunas de las actividades que se ofrecerán hasta el domingo 4 en el Auditorio de la Biblioteca Mário de Andrade de San Pablo.
En detalle, fundamentos del simposio con las disertaciones más destacadas y los principales eventos que forman parte de este ciclo joyero, creado y organizado por Chrissie Barban junto con Jorge Manilla, además de un comité promotor integrado por joyeras latinas, entre las que se destaca Roxana Casale.
Hoy comienza la 4ª edición de Brazil Jewelry Week. Un ciclo consolidado que ya se consagró como referente de la joyería contemporánea de Latinoamérica, esta vez con epicentro en San Pablo, involucrando no solo a Brasil sino también a la Argentina, Chile, Colombia y México.
En este nuevo encuentro joyero las propuestas de diversos artistas de la región tratarán sobre «Historias que me habitan. Cuerpo Libre/Libro Cuerpo».
“Este tema es una invitación a revelar historias desde diferentes perspectivas que habitan en cada uno de nosotros. Motivamos a abordar temas que van desde lo personal a lo social, lo cultural hasta lo metafórico o lo poético. ¿Cómo interactuamos social y artísticamente dentro de una misma comunidad, cómo nos comprometemos individualmente con esta transformación?”, se cuestiona el artista visual y joyero mexicano Jorge Manilla, uno de los impulsores de esta semana.
Explica que “«Historias que me habitan…» es una posibilidad de trabajar y expresar una identidad en permanente construcción y reconstrucción, y los resultados de un constante diálogo a lo largo de la experiencia. La identidad cultural de la joyería contemporánea latina contiene una variedad de expresiones humanas que han sobrevivido durante siglos, que conservan memorias y rasgos milenarios y que en su evolución adoptan nuevas expresiones surgidas en los diferentes períodos históricos por los que transcurrieron, logrando así la contemporaneidad y evolución. La diversidad cultural ha sido un factor común en los eventos de joyería e arte, una interacción constante que nos ha dado la posibilidad de compartir, comparar y representar puntos de vistas multiculturales”.
Esto es lo que pretenden para la joyería que se celebra en Brasil. Y Chrissie Barban, mentora y otra de las organizadoras, señala que a través de esta semana joyera buscan presentar “un abordaje más analítico de la percepción visual del cuerpo adornado. También, cultivar la formación del pensamiento, mostrar lenguajes creados a partir de experiencias propias y colectivas, expandir el campo de la joyería y promover el intercambio cultural. Además, que la joyería sea un vehículo entre lo local y lo global, y que logre romper las fronteras y los estándares estéticos preestablecidos”.
Dicen que la intención es debatir y reflexionar sobre la identidad social o la cultura a través y en la joyería contemporánea. Y prometen llevarlo adelante a través de diversos eventos.
Simposio
La semana incluye un Simposio liderado por Jorge Manilla. Este artista visual cuenta que ofrecerán una plataforma de pensamiento y reflexión, sobre cómo se comprende el término joyería en diferentes categorías y aspectos posibles.
“La joyería hoy se entiende como una práctica con un enfoque interdisciplinario, que demanda una comprensión y ejecución mucho más profunda para confrontar y cuestionar el pensamiento tradicional.
“Como académico y artista estoy interesado en discutir con diferentes grupos de personas, sobre diferentes temas relacionados a la joyería, que de alguna manera se vuelven influencias relevantes para este campo. Artesanías, arte aplicado, artes visuales, materialidad y educación son algunas de las principales discusiones y temáticas que nos ocupan. Sin embargo, hoy es necesario ir mucho más allá de lo estético y reflexionar sobre definiciones e interpretaciones de joyería, no solo de la parte estética o material”, plantea.
Una de esas apunta a “los adornos corporales u objetos relacionados al cuerpo que son de gran importancia para nuestras culturas y su historia; también podría decir que la joyería ha acompañado a la humanidad como un elemento base que demarca y muestra una sociedad en su totalidad”.
Manilla sostiene que la joyería y sus definiciones se reinventan constantemente en cada época, y es interesante pensar en sus formas y materiales, además de hacer un análisis de cómo refleja aspectos culturales, sociales, religiosos y festivos. “Por todo esto, en este simposio nos interesa generar pensamientos que son relevantes para la práctica artística y lo que comunicamos”.
Señala que “el lenguaje formal de la joyería de hoy puede ser bastante artístico, se ha ido convirtiendo cada día más en piezas autobiográficas que representan cosas personales, pero también son una contextualización en la sociedad”. Insiste en que por esto es importante discutir, reinventar y definir el término joyería.
La edición de este año reúne gente especializada en etnología, filosofía, historia, así como artistas y profesores de arte, y los congregan para compartir una mirada específica sobre los temas propuestos mencionados.
Expositores
En la Exposición Central se verán piezas de Alexandre Martins, Amanda Daher, Amhe Joyeria, Ana Villalba, Antonio de Moura Castro, Camila Ligabue, Carmen Romero, Carolina Moya, Carol Gomes, Carol Roz, Cecilia Kesman, Cecilia Mattera, Constanza Cortés, Cristiane Arena, Daniela Foresti, Diana Martire, Diego Saraiva, Eva Fortuno, Evelina Egedy, Flavia Vidal, Gabriela, Gis Ribeiro, Grupo Múltiple, Janice Perez, Patricia de Paula, Laura Escliar, Lena Echelle, Patricia Mogni, Lenka Guisande, Paula Schnapp, Liza Tule, Pohl, Lorena Cecilia, Regina Giovanolli, Lucia Higuchi, Rosario Grez, María Laura Egea, Shiro, Marilyn Polanco, Guatemala Simone Poianas, Soils Rabelo, Marisa Kesman, Nadia Schurkim, Thais Squillaro, Tais Pozzato, Nazareth Pinheiro, Paola Francia y Vicky Biagiola.
De la Exposición Circundante formarán parte Ana Calbucci, Alejandra Campos, Camilla Luihn, Carmen Tapia, Chrissie Barban, Jorge Manilla, Josette Barban, Patricia Iglesias, Rita Soto Ventura, Roxana Casale, Titi Berrio y Virgilio Bahde.
Además, habrá una muestra especial del colectivo chileno Joya Brava de la que participarán Loreto Fernández, Mónica Diaz Pint, Moónica Pérez, Noelle Labarthe, Ana Nadjar, Carola Donoso, Clarisa Menteguiaga, Constanza Bielsa, Daniela Rivera, Joyce Marín, Liliana Ojeda, Soledad Ávila, Stefania Piccoli, Taibe Palacios, Taller Memorias, Vania Ruiz, Verónica Nuñez, Yael Olave, Pascale Durandin, Patricia Iglesias, Paulina Latorre y Rita Soto Ventura.
Programa
Tras la inauguración de la semana en el Auditorio de la Biblioteca Mário de Andrade de San Pablo por parte de Jorge Manilla, Chrissie Barban y el comité promotor, integrado por la argentina Roxana Casale, la chilena Patricia Iglesias, la brasilera Ana Calbucci, la colombiana Titi Berrio y la mexicana Carmen Tapia, se abrirá el simposio con una disertación también a cargo de Manilla con Leslye Arredondo sobre “De los materiales al comportamiento social, una perspectiva émica y ética”.
Seguirá con “Joyería liberada”, una conversación entre las artistas joyeras Ana Calbucci y Carmen Tapia. “Joya Brava y sus narrativas circundantes” estará a cargo de las joyeras chilenas Patricia Iglesias y Rita Soto.
Las “Notas de joyero. Prácticas de anotación y su relación con el hacer”, serán las del maestro Jorge Manilla. Entre otras conferencias, también se destaca la de Gabriela Luz que tratará sobre “Reaprovechamiento material e inmaterial del mundo. Una articulación del pensamiento sobre la cultura del consumo y descarte”.
Vuelve a escena Jorge Manilla y Carmen Tapia con “Compartir y crear un conocimiento global. Búsqueda y exploración del potencial transformador de las artes y de la práctica artística usando a la joyería como medio de expresión”.
También, habrá un conversatorio entre cuatro talleres escuela latinoamericanos: Batek, de México, de Ana Villalba; Estudio Joya, de Argentina, de Tali Wasserman; Núcleo Escola laboratório, de Brasil, de Chrissie Barban, y de Chile, Pamela de La Fuente con su taller escuela que lleva su nombre.
Propuesta que incentiva e inspira
Concebido por el Núcleo de Joalheria Latina, una organización brasileña liderada por Chrissie Barban desde 2016 y por Jorge Manilla, quien se sumó tres años después como embajador y asesor artístico, ya se sabe que BJW busca promover la joyería contemporánea a partir de diferentes acciones para potenciarla y difundirla en el territorio latinoamericano.
Cada edición reúne y exhibe artistas joyeros brasileños, latinoamericanos y, en los últimos años, contó con algunas participaciones de europeos, de España y Noruega, en esta edición.
“Al promocionar a los artistas e intensificar su relación con el público consumidor, potenciamos el mercado de la joyería contemporánea”, añade Chrissie Barban.
El evento
- Feria de los 48 artistas joyeros seleccionados, que exhibirán sus últimas obras de joyería contemporánea, “trabajos vestibles”.
- Simposio BJW con el objetivo de generar un diálogo cultural nacional e internacional para debatir temas sobre la joyería contemporánea latina.
- Exposición circundante: 12 joyeros brasileros y de otros países fueron invitados a crear una exposición individual, especial para este evento.
- Premios. Se otorgarán diferentes premios a los joyeros seleccionados participantes de la feria, que les permitirá, entre otras, intervenir en el evento de joyería de Barcelona y en la próxima Semana de la Joyería de Brasil.
- Cursos y talleres que se realizarán en el Núcleo Escola Laboratório y en instituciones socias.
- Y una vez más habrá una edición especial BJW MAGAZINE con info de los joyeros seleccionados, reflexiones, análisis y diversas miradas sobre la joyería contemporánea.
Los elegidos para Schmuck 2023


Fatiga del promesante y Juntos, dos de los broches con que Cecilia Richard vuelve a Schmuck
Los elegidos para Schmuck 2023
Felicitaciones Cecilia Richard, Jimena Ríos, Monique Lecouna, Gabriela Marcos y Alejandra Agusti, las argentinas elegidas para participar de la 64ª edición de la feria internacional de joyería contemporánea Schmuck que se realizará en Munich del 8 al 12 de marzo del año próximo organizada por la Handwerkskunst und Design auf der
Internationalen Handwerksmesse.
Dos maestras destacadas y otras tres artistas joyeras que presentaron su obra analizada por el ojo experto de la artista visual inglesa Caroline Broadhead.
La cordobesa Cecilia Richard, la primera joyera argentina en ser elegida para este evento joyero internacional en 2008, vuelve a ser seleccionada por su trabajo «Estados de Fe» realizado en 2020 durante el primer año de la pandemia.
Incluye «Fatiga del promesante» y «Juntos», broches realizados con plástico reciclado de botellas de detergente, hilo de algodón, hierro y alpaca.
Los elegidos
Además fueron elegidos para presentarse a Schmuck23 Andrea Auer, Sofia Björkman, Bas Bouman, Sigurd Bronger, Beatrice Brovia, Kim Buck, Bifei Cao, Sebastien Carré, Lin Cheung, Paloma Cobos, Sam Tho Duong, Kanako Ebisawa, Susanne Elstner, Veronika Fabian, Geraldine Fenn, Eva Fernández, Melanie Georgacopoulos, Lucie Gledhill, Gésine Hackenberg, Masako Hamaguchi, Jo Harrison-Hall, Kirsten Haydon, Timothy Information Limited, Cara Johnson, Jutta Kallfelz, Lauren Kalman, Jiro Kamata, Esther Knobel, Jil Köhn, Takashi Kojima, Manon van Kouswijk, Luisa Kuschel y Matt Lambert.
Entre los 67 favoritos también están Kristiina Laurits, Felieke van der Leest, Eric Loubser, Tamara Marbl Joka, Peleg Mercedes Matityahu, Nanna Melland, Maria Militsi, Neke Moa, Felicia Mülbaier, Hannah Norris, Shelley Norton, Liana Pattihis, Ruudt Peters, Lina Peterson, Annelies Planteijdt, Sarah Powell, Gerd Rothmann, Mette Saabye, Jolynn Santiago, Pedro Sequeira, Sara Shahak, Catarina Silva, Dannielle Surgeon-Eustace, Lisa Walker, Norman Weber, Zixin Wei, Jiye Yun, Christoph Zellweger y Christoph Ziegler.
Hecatomb
Hecatomb
“La palabra hekatombe está formada por hekatom, que significa cien y ser que significa buey, utilizada en la antigua Grecia para designar el sacrificio de entidades. Contemporáneamente es usada para referirse a grandes catástrofes o desastres con numerosas víctimas y grandes pérdidas.
Poética de lo trágico
“Es inevitable pensar que hoy vivimos y habitamos un escenario de sucesos muy trágicos, ejemplificados por las guerras, la violencia, el calentamiento global y, la hecatombe más reciente, la pandemia provocada por el nuevo coronavirus. Estos eventos me motivaron a realizar esta serie.
“Tomando el análisis de lo trágico como línea poética de estas obras, hago uso de cartón como material principal, un material de bajo perfil transformado y tratado como lienzo que representa al humano escarificado, lastimado, intervenido, en combinación con una estructura de shibuichi formo escenarios (anillos) que sugieren la memoria enmarcada de un desastre. El cartón sugiere capas de significados que giran en torno a temas que nos ocupan hoy en día como el tiempo, el espacio y la ruina, su relación con el cuerpo.
La belleza de la tragedia
“El cuerpo trágico representado en pequeños fragmentos, presentándose al espectador como símbolo de aniquilamiento en un orden gigantesco, tal como el que se vive actualmente en la época post pandemia. La mayor intención es ofrecer la belleza de la tragedia, en un momento donde tenemos que empezar a apreciar la belleza dentro de los desastres.
Piezas únicas del maestro y artista visual Jorge Manilla de su serie la serie «Hecatomb» hecho con shibuichi y cardboard se exponen en la Galleri Skranken un espacio de exhibición en el área de recepción de la Academia Nacional de las Artes de Oslo por iniciativa de los estudiantes y Darius Wojdyga.
Los elegidos para BJW

La argentina Florencia Barbaresi vuelve a ser seleccionada. En la edición anterior presentó «Silencio. Todo se puede escuchar», hecho con láminas de espuma de polietileno.
Los elegidos para BJW
Se conocieron los seleccionados para la 4ta. edición de Brazil Jewelry Week, que se realizará en forma presencial en diciembre próximo en San Pablo.
Bajo la consigna «Historias que me habitan. Cuerpo libre. Cuerpo libro» participaron joyeros de Latinoamérica, en especial de Brasil, Chile, Argentina, Guatemala y México, y también de España.
Fueron elegidas las argentinas Lena Echelle, Vicky Biagiola, Carmen Romero, Cecilia Mattera, Patricia Mogni, Florencia Barbaresi, Gabriela Varela, Cecilia Kesman, María Laura Egea, Carolina Moya, Marisa Kesman y la firma Amhe joyería.
Gran participación latinoamericana
Además participarán Alexandre Martins, Javiera Cerda, Amanda Daher, Lenka Guisande, Ana Villalba, Liza Tule, Antonio de Moura Castro, Lorena Cecilia, Camila Ligabue, Lucia Higuchi, Marilyn Polanco, Carol Gomes, Carol Roz, Nadia Schurkim, Nazareth Pinheiro, Paola Francia, Cristiane Arenas, Patricia de Paula, Daniela Foresti, Debetta Rost, Paula Schnapp, Diana Martire, Pohl, Diego Saraiva, Eva Fortuno, Regina Giovanolli, Evelina Egedy, Rosario Grez, Flavia Vidal, Shiro, Simone Poianas, Gabriela Varela, Soiis Rabelo, Gis Ribeiro, Tais Pozzato y el Grupo Múltiple de México.
La diseñadora industrial y joyera argentina Florencia Barbaresi es una de las que vuelve a ser seleccionada. En la edición anterior presentó, entre otras piezas, este broche «Silencio. Todo se puede escuchar», hecho en láminas de espuma de polietileno de baja densidad, hilo de nylon y remaches.
Sostener la incertidumbre
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Sostener la incertidumbre


“Entregarse a lo inesperado fue la invitación que nos hizo Francisca Kweitel en su taller Un acercamiento confuso. Y nos entregamos al trabajo intenso, al proyecto y a unas a otras”, recuerdan las integrantes del colectivo joyero chileno Joya Brava, que este fin de semana exhibe de manera presencial «Sostener la incertidumbre».
La muestra se realiza en la feria de arte ArtStgo en el GAM, Centro Cultural Gabriel Mistral de Santiago de Chile.
Señalan que “más allá del contexto y las dificultades que enfrentamos, se generó un ambiente de experimentación y sorpresa continuas: aprendimos a ir más allá, a mirar dos veces, a no estar preparadas, a dudar y ver sin juicios ni prejuicios. Cada pieza de esta exposición da cuenta de la evolución artística de las integrantes de Joya Brava«.
“La reflexión en torno a aconteceres tan diversos pero a la vez tan comunes, como la vejez, el desencanto político, el ciclo de la vida, la injusticia social, la destrucción del medio ambiente y la diversidad de materiales para explotar al máximo las posibilidades técnicas según los requerimientos artísticos y expresivos de cada una, demuestran un trabajo minucioso, lento y reflexivo en la totalidad de este proyecto”, destacan las creativas.
Las joyeras Bravas
Participaron Ana Nadjar, Carola Donoso, Cecilia Roccatagliata, Clarisa Menteguiaga, Constanza Bielsa, Daniela Rivera, Joyce Marín Seguel, Constanza Bielsa Liliana Ojeda, Loreto Fernández Ormazabal y Mónica Díaz Pinto,
También, Mónica Pérez Gutiérrez, Noelle Labarthe Herranz, Patricia Iglesias, Stefania Piccoli, Soledad Ávila Inostroza, Vania Ruiz y Yael Olave Munizaga.
Se destaca Humo, anillo de Mónica Pérez Gutiérrez hecho en plata 950, malla metálica, malla de embalaje plástica, bolsa plástica y pintura acrílica para grafiti.