Entrevista a Elvira Cibotti

Apuntes | Notas

El proceso de trabajo con el papel me enseñó que no todo depende de uno


Entrevista a Elvira Cibotti

Por Delia Alicia Piña

 

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La docencia que ejerció por décadas le permite sostener la rutina, el tiempo y la paciencia que requiere la preparación de su materia prima favorita: el papel, que lleva a la joyería asemejándose con su resultado a la técnica japonesa de mokumé.

Elvira Cibotti tiene una práctica en diversas artes plásticas que agudizaron su mirada y pusieron sus manos a la obra. Por osadía o seguridad, con los conocimientos adquiridos en el taller de Antonio Pujía, Paula Botto Fiora y Gaby Horvat, prontamente se lanzó a exponer su propuesta.

Cuál es su método, las herramientas de joyería que utiliza, las técnicas que aplica y, sobre todo, cómo va descubriendo necesidades y soluciones para resolver piezas con volumen, color y textura en papel reciclado.

Hoy estrena sus últimos cuencos joyeros en Romanian Jewelry Week. También se acaba de presentar en diversas muestras en Contemporania Barcelona y ya proyecta por dónde seguirá con sus joyas contemporáneas.


_¿Comenzaste por alfarería o escultura?

_Estudié profesorado de nivel inicial y trabajé como maestra jardinera por más de 30 años. Dudé con bellas artes y quedó como pendiente. Pero amé la docencia y la ejercí con alegría. En paralelo siempre hacía algo manual o artesanal, como cerámica en el taller Gente de Barro con Marta Kearns, pintura con el artista plástico Adolfo Nigro, trenzado japonés kumilumo con Norma Rinaudo y origami textil con Romina Goranzky, entre otros como porcelana y hasta tornería. Luego, cuando nació mi primera hija, elegí actividades que pudiera hacer en mi casa y sumé bordado, tejido al crochet y a dos agujas, y arreglo de flores secas.

Después de la muerte de mi sobrino, no encontraba qué hacer para sentirme un poco mejor, y mi propia hermana me insistió para que volviera a mis actividades artesanales, y una amiga de escultura y cerámica me avisó que empezaba uno de los últimos seminarios de Antonio Pujía, en 2007. Fuimos a las 6 de la mañana a ver si podíamos ingresar y  conseguimos cupo de hecho. Se trató sobre Modelado en cera y su aplicación a la fundición de metales, escultura especialmente e incluyó pequeño formato para joyería, y eso me voló la cabeza. Por eso, mi trabajo por años fue muy escultórico. Me dije esto es lo mío y me instalé en mi casa para trabajar con cera de abeja para pequeñas piezas escultóricas en plata.

 

Mirada aguda

 

Tenía muy agudizada la mirada para detectar formas, texturas, colores de objetos y elementos de la naturaleza: las líneas de una flor, una huella en el camino, cómo la luna iba cambiando de forma. Así, por años, con la técnica de la cera perdida fui pasando a plata  innumerables elementos naturales. Fueron mis fundidores, Raúl y Olga, quienes me sugirieron que fuera a aprender joyería porque cada vez les llevada piezas más grandes que, por ejemplo, requerían de soldadura.

Justo, en 2013, fui a ver una exposición de Paula Botto Fiora y le insistí en que me diera clases. Con ella adquirí muchas técnicas y aprendí a calar, empernar, soldar y a construir una pieza de principio a fin; ella es muy rigurosa y prolija en las terminaciones de una joya y lo suyo me sirvió mucho. Incursioné un poco en la madera, luego manejé telas en el taller de experimentación textil de Silvina Romero. Y por entonces también comencé a acercarme al papel a partir del workshop sobre Diseño de joyas en papel de Luis Acosta.

Y de a poco empecé a entender más lo que era la verdadera joyería contemporánea artística. Es que todo lo que uno hace y elige hacer tiene que ver con lo que quiere decir, pero no es que buscaba un tema que me interesaba para trabajar con esa técnica. Decidí incluir otro material que sintiera como propio. Probé con el plástico pero no me sentí cómoda. Siempre todo lo que fui haciendo por mí, porque me hacía bien.

 

“Comencé a acercarme al papel a partir del workshop sobre Diseño de joyas en papel de Luis Acosta”.

 

_Pero optaste por el papel.

_Sí. Por una amiga, en 2015 llegué a Gaby Horvat cuando comenzó a dar clases y las tomé con la intención de ensayar con ese otro material. Arranqué a probar y Gaby me dio uno de los mejores consejos: “olvidate del cuerpo y de la pieza, investigá el material” y en eso estuve todo ese año. Ella tiene un taller muy amplio en el que vos te expresás un montón y haces lo que te parece. Miraba mucho, seguía las líneas, en particular los cantos de las piezas en papel.

Observaba para descubrir procedimientos, en tanto que cortaba, pegaba con cola vinílica cientos de láminas de papel. Hacía mucha cosa que luego hasta rompía para advertir volúmenes, para ver cómo se comportaba el material, hasta que me aproximé a lo que hago hoy de manera intuitiva siempre a partir de pegar muchas láminas. Conseguí altura y empecé a trabajar la pieza desde arriba. Al principio eran papeles elegidos al azar, un poco viejos y muy opacos, para ver qué pasaba.

 

“Me aproximé a lo que hago hoy de manera intuitiva siempre a partir de pegar muchas láminas.”

 

_¿Aplicás distintas técnicas?

_Desde entonces sumé muchas otras técnicas a través de diversos workshops de Taller Eloi, como esmaltado sobre metales, electroformado, arcilla polimérica, engarces en cera, sistemas de broches, ensambles en frío, enfilado de perlas y otros seminarios de procesos creativos y más conceptuales con Caroline Broadhead y con Rodrigo Acosta. Además del último con Chris Kiseno sobre ensambles mecánicos, que ofreció Estudio Joya, a partir de lo cual aplico retenedores que resuelven muy bien una pieza.

Gaby Horvat siempre me dice anímate a más pero yo necesito tiempo, voy de menos a más, de algo sutil a algo más grande y explícito. Mi primera pieza desafió ese consejo porque no me aguanté y quise hacer algo: una serie de collares con cuentas redondas de papel, «Reflejos», que terminé por presentar en el Sofia Paper Art Fest, en Bulgaria, en 2017.

Sin embargo ese olvídate de la pieza de joyería y del cuerpo me sirvió. Me di cuenta que hay que mirar la joyería con cierta perspectiva y analizar cómo legar, cómo investigar un material para hacerlo propio, de manera de tener un poco más de identidad artística; de hecho ahora voy a dar un curso en la Escuela de Bellas Artes de Pocosin de Columbia, Carolina del Norte.

Me gusta mucho la situación de aprendizaje y si no estoy en un curso o una exposición o una conferencia, como las Jornadas de Reflexión sobre la Joyería Contemporánea que en su momento se dieron en a 1ª Bienal latinoamericana de Joyería Contemporánea con la participación, entre otros joyeros modernos argentinos, del maestro Jorge Castañón, en la que se discutió sobre si la joyería tiene tenía que ser estéticamente linda y él planteó que no, que tiene que transgredir y provocar; un postulado que trato de seguir. Un planteo que me quedó, aprendí y me ayuda a ubicarme, a tomar aquello que me resuene, guste, sirva y me reafirme como joyera; por esto estoy atenta a esos encuentros que se convierten en una oportunidad de aprendizaje.

 

“Hay que mirar la joyería con cierta perspectiva, y analizar cómo legar, cómo investigar un material para hacerlo propio, de manera de tener un poco más de identidad artística.”

 

Trabajo en etapas

 

_¿Cómo preparás y trabajás el papel?

_Trabajo el papel en etapas, y entre capa y capa capaz pasan tres semanas. Es un trabajo con mucha impronta. Además te digo desde que preparo el papel no desde que lo corto, elijo el color, la textura o el gramaje, sino cuando pego incide el clima. Los papeles no responden todos de la misma manera, cada edición es distinta, si la pulpa del papel no está embebida de la misma manera se comporta diferente, por eso siempre aparece blanco porque es el color que tiene la pulpa del papel; los papeles muy encerados enseguida levantan el color y lo pierdo.

Después le doy una lijadita para crear una mordiente porque sino no se une, tocan; y si después le hago un agujero con una mecha capaz que se me levanta por más que prenso; llego a una consistencia de madera con todas esas capas de papel y suelo calar con sierra de madera. No trabajo solo con cola vinílica sino con un poco de agua, y embebo en etapas para lograr que quede un bloque, para que me dé estructura a la pieza con el fin de que no se abra ni explote.

El anillo «Nenúfar», de la Serie Mi propio estanque, es un ejemplo de ese trabajo en bloque para conseguir una sola pieza. Está inspirada en los Nenúfares de Monet y busca crear ese refugio, esa ilusión y lo hice con una técnica que usaba al principio de mi trabajo como joyera, reproduje esa semilla de la amapola que hice en plata, símil madera, y le armé la flor nenúfar. Ahora voy probando el manejo del material y en el medio le meto hojas más gruesas sin importar su color o brillo. A partir de esta pieza hice collares con esta misma flor ninfeácea.

 

“Voy probando el manejo del material y en el medio le meto hojas más gruesas sin importar su color o brillo.”

 

_Tu propuesta se asemeja al resultado de la técnica de mokumé, ¿tu objetivo fue aplicarla al papel?

_No, fue al revés. Hice lo que quería y después en una etapa posterior advertí esa semejanza al mokumé. No lo vi al principio o en las primeras piezas, en la que trabajaba con módulos tipo cubo que parecían pintados, sino después de dos años de trabajar con el papel, cuando comencé a indagar más, al pulir, limar, liar o pretender barrer para buscar distintos patrones de estampado lineales, veteados u ondeados. Pero fue Gaby Horvat quien advirtió ese parecido. Entonces sí lo asocié, aun no habiendo hecho mokumé, porque al meterme con el papel solté el metal y lo dejé de lado mucho tiempo. Por ejemplo, con una de mis primeras piezas reconocidas, el «Ponchito», apliqué otras técnicas de papel y costura; la cosí y emperné con tarugos de madera.

 

“Lo asocié al mokumé cuando comencé a indagar más, al pulir, limar, lijar o pretender  barrer para buscar distintos patrones de estampado lineales, veteados u ondeados.”

 

Mokumé reversionado

 

_¿Con qué tipo de papel trabajás?

_Fui ensayando, las primeras pruebas las hice con el papel de revistas de diarios que no daban mucho color, quedaban bastante grisáceas, muy opacas, y les daba una terminación con una cera especial, similar a la cera incolora de zapatos, la cual les daba cierto satinado, porque lo muy brillante no me gusta. Luego seguí con papel de revistas, que es algo más de ilustración. Los papeles no responden de la misma manera, las distintas ediciones tampoco y porque la pulpa siempre tiene blanco y aparece. Luego empecé a elegir el color del papel. Algunas piezas eran multicolores y otras resultaban engamadas.

Me encantan las rutinas porque me ordenan y puedo llevar adelante este método que implica muchas etapas y en cada una me lleva mucho tiempo. El tiempo de trabajo en el taller tiende a ser un momento placentero.

Hay días en que dejo limas y sierritas de lado y preparo papeles, después de mirar revistas y catalogar por color, en particular, separo verde y negro que ahora estoy usando en un proyecto. También elijo por grosor para ganar altura, las de más gramaje son especiales y sobre todo si tienen colores fuertes porque al trabajarlo y rasquetear queda un color impresionante. Hay piezas que llevan 30, 40 o hasta 50 capas de papel y el color se sostiene. Y luego vas cortando o calando con arco de joyería o sierra de madera como en el caso de «Venus» que calé con a partir de un rectángulo.

A veces para algunos módulos, como los círculos, uso una maquinita de cortar y luego los pulo. Esta es otra etapa, la de preparar formas base o cortar círculos o tiras de distinto ancho y color. Con esto luego trabajo sobre el papel para lograr ese desdibujo o vetas a veces requiere de un rayado previo o mordiente, como mencionaba, mediante el lijado. En un principio el proceso tenía mucho de ensayo o de hacer por las dudas, un paso que ya salteo pero que realizaba para investigar sobre distintos tipos de papel. Al principio usaba una prensa de flores hasta que pasé a una de metal.

Sigo con papel de revista no de libros, como mucho las hojas de atrás previas a la contratapa, tal fue lo usado para el anillo «El Regreso», una pieza realizada con esas páginas del libro El Principito de Antoine de Saint-Exupéry para el proyecto «Sepan cuántos…», que celebró el aniversario de la editorial Porrúa, en la que se propuso utilizar como materia prima el papel de algunas de sus ediciones.

Otra vez usé unas hojas medio destruidas de un ejemplar que hasta tenía olor de humedad para trabajar la resiliencia. Un papel que elegí por viejo y por el tono que tenía, y lo hice inspirada en fotos que tomaba en las salidas que podía hacer durante la pandemia, en las que advertí que siempre terminaba enfocando en paredes rotas o ramitas que aparecen a pesar de todo entre el cemento. A partir de esto surgieron las piezas de la serie «Muro» en papel con plata patinada. A veces elijo papel de catálogos que no sean brillantes ni encerados para que peguen bien. Aunque a veces me sirven para determinados proyectos de acuerdo a lo que quiera expresar

El pegado y secado son parte importante del proceso y junto con el prensado llevan su  tiempo; en esas etapas siempre estoy con muchos proyectos a la vez. Al papel hay que esperarlo.

El proceso de trabajo con el papel me enseñó que no todo depende de uno, no todo queda exactamente como uno quiere, hay que tener paciencia y esperar al material porque éste también ofrece lo que puede o quiere de acuerdo a sus propiedades y “me pelea”. Esta enseñanza está buenísima porque se aplica a la vida también.

Como destaqué, soy una persona de rutinas y puedo seguir con esta técnica por años pero siempre estoy aprendiendo algo nuevo. Eso incluye la mirada del otro, como la devolución de jurados ante la presentación de proyectos. Y en ese aprendizaje fue importante el paso de trabajar en plano a la necesidad de volumen para lo cual recurrí a elementos curiosos como bombitas de agua.

Ahora voy a empezar a llevar un registro del tipo de papel que uso para tener en claro su aplicación o cómo se comporta y para qué sirve más y en qué tipo de pieza lo aplico.

 

“Me encantan las rutinas porque me ordenan y puedo llevar adelante este método que implica muchas etapas y en cada una me lleva mucho tiempo. El tiempo de trabajo en el taller tiende a ser un momento placentero.”

“El proceso de trabajo con el papel me enseñó que no todo depende de uno, no todo queda exactamente como uno quiere, tengo que tener paciencia y esperar al material porque éste  también ofrece lo que puede o quiere de acuerdo a sus propiedades”.

_¿De alguna manera aplicás la técnica de cartapesta?

_El armado en capas, pegadas unas sobre otras, es una técnica de cartapesta. En un momento hice cartapesta. La inclusión de elementos ajenos me sirvió para armar estructuras y conseguir volumen. Con lo cual, siempre se puede probar y sumar algo nuevo en el proceso de trabajo del papel. En el caso de «Muro» incluí un tejido, por ejemplo.

Un método similar aplico en los cuencos. Siempre los hice en cerámica y escultura. Las vasijas o contenedores de este tipo son un objeto que me gusta mucho, es un utilitario que acompaña la historia de la humanidad, desde que el hombre empezó a recolectar, las ánforas egipcias me fascinan; no menos interesante es lo que se genera entre el espacio interior y el exterior; lo más preciado está dentro, pero se adquiere por la forma y el color; y se plantea una analogía con el cuerpo o el ser humano interesante. A partir de esto, además de cuencos y vasijas empecé a trabajar con bowls grandes y luego chicos. Y esto es lo que presento en la Semana de la Joyería de Rumania.

 

“Siempre se puede probar y sumar algo nuevo en el proceso de trabajo del papel”.

 

_¿En la inclusión de elementos y técnicas también están los pernos?

_Sí, a partir del curso con Chris Kiseno, un excelente maestro que explica muy bien. Hasta entonces podía pegar y armar piezas pero había cierto tipo de trabajos que no hacía.

Cuando no tenés una formación académica aprendés a ingeniártelas para resolver. Como docente, acostumbrada a la planificación de contenidos, soy muy metódica, siempre tengo un plan con etapas que a esta altura ya las tengo más dominadas. Y eso me pasa con piezas con cierta estructura que tuve que aprender a cómo sostenerlas, y aquí usé el conocimiento sobre ensambles en frío con retenedores que me permitió resolver muy bien el trabajo. Así, soldé pernos que se impregnan al metal, necesario porque con el papel se iba a mover, abrir o soltar. Aunque en su momento no pude estar a full en el curso, luego sí pude aprovecharlo muy bien usando retenedores o argollas que se encastran y quedan perfecto.

 

Un antes y un después

 

En mi trabajo el retenedor marcó un antes y un después. Aprendimos a hacer una herramienta especial para usar pernos que también aplico, aún no tanto tornillos sobre los que pretendo trabajar en su diseño.

 

“Cuando no tenés una formación académica aprendés a ingeniártelas para resolver. Como docente, acostumbrada a la planificación de contenidos, soy muy metódica, siempre tengo un plan con etapas que a esta altura ya las tengo más dominadas”.

 

_¿Creaste herramientas especiales para tu trabajo con el papel?

_No. Trabajo con herramientas de joyería como limas, sierras de calar y arcos, durante la preparación del papel antes de que se convierta en joya; el pegamento, como mencioné, cumple un papel importante.

Ahora estoy aprendiendo carpintería en un taller en el que se enseña a trabajar de manera artesanal y eso está buenísimo porque me da independencia, usamos madera de descarte limpiándola con espátula, cutter y otro tipo de lima; de un lado le haces rebarba con una lija y vas comiendo y sale el rollito de viruta, un proceso que intento probar en papel para ver qué pasa. De eso se trata el aprendizaje, de probar e incursionar, de cruzar métodos y saberes.

 

“Trabajo con herramientas de joyería como limas, sierras de calar y arcos.”

 

_Ahora estás volviendo o sumando más metal.

_Sí estoy usando metal en remaches y estructuras que están al servicio de la pieza, no como protagonista sino como soporte, en diálogo con el papel. Sin embargo, el metal en mi obra -cobre, bronce y plata-  participa o importa en la pieza siendo parte del diseño, como en el anillo y el colgante «Cuenco». En «Reflejos», pieza vista en la muestra de Gabinete de Curiosidades durante la 3ª Bienal latina, el metal es fundamental. Hoy me ayuda a montar, para armar al cuerpo, siempre en función de lo que quiero comunicar.

 

“Estoy usando metal en remaches y estructuras que están al servicio de la pieza, no como protagonista sino como soporte, en diálogo con el papel.”

 

_Qué técnicas de joyería aplicás hoy.

_Lo que más aplico es la técnica de ensambles en frío, porque eso me permite montar el papel al sistema de cierre o a la cadena o a lo que sea. Se trata de retenedores o pernos; los tornillos no los uso todavía, como dije. Esto me resuelve mucho una joya, que al principio era toda cocida.

Con lo que sea, busco hacer como un dibujo que voy descubriendo, no puedo definirlo previamente de manera exacta, sí tengo en claro la intención pero puede que quede una pieza más barrida, más acuarelada o pictórica u otra de aspecto más mokumé. Si ahora busco que  me queden espacios sin pulir. Aprendí que el papel hace un poco lo que quiere, me sorprende y ayuda a descubrir. Depende mucho del tipo y color de papel para que esa intención sea un hecho o tenga su correlato con el supuesto resultado pretendido. La joyería no es un arte exacto.

A veces los colores del papel quedan re vivos pero a veces quedan lavados porque la pulpa es sobre todo blanca; puede que con menos presión de la lima  resulte como quiero, pero no es preciso. Y no tengo la última palabra y eso es una enseñanza; puede que parezca librado al azar y sí algo de eso hay.

 

“Busco hacer como un dibujo que voy descubriendo, no puedo definirlo previamente de manera exacta, sí tengo en claro la intención pero puede que quede una pieza más barrida, más acuarelada o pictórica u otra de aspecto más mokumé.”

 

_Trabajás el volumen.

_Sí. En ese sentido, dentro de mi último trabajo, creé piezas o módulos tipo cajita con las que hice una serie de collar, broche y anillo. A eso se suma lo de las vasijas que me apasionan; sumé modelos variando el formato.

El interior de estas piezas es muy importante por lo que representa. Son espacios de memoria; un tema muy sensible para mí ya que tengo bloqueados muchos recuerdos de niña ya que perdí a mi madre de pequeña; tengo baches impresionantes. Venía trabajando estos segmentos o módulos y al ver cómo armarlos me ayudó a rearmarme, también de alguna manera a sumar memoria; me he reconciliado mucho con esas ausencias y con eso no dicho o con esos recuerdos velados. Desde la joyería lo trabajé mucho en «Recuerdos velados», la obra que hice con el colectivo Sincronía y fue muy sanador. Fue  para la exposición «Evocaciones» que se realizó como parte de la 3ª Bienal. La joyería te lleva a una constante exploración, evolución y aprendizaje.

 

Proceso creativo

 

El puntapié inicial de mi proceso creativo siempre es la idea, la pretensión o intención y la defino: de qué color la hago, qué textura puede tener, opaco más brillante, más o menos colorido o prevalecerá el no color o convivirán los opuestos como el negro-blanco. Dibujo muy mal, así que escribo mucho y hago un boceto que aunque es horrible me sirve. A partir de esto elijo el papel. Y mientras preparo el papel estoy pensando cómo  montarlo o armarlo. Muchas veces hasta armo una maqueta en cartón para ver si va a funcionar la forma; es que estoy haciendo convivir un metal con un no metal.

Me gusta que haya movimiento de los módulos, algunos collares circulares giran. El movimiento en las piezas aporta y da idea que estamos en constante movimiento y evolución y que vamos hacia algún lugar. Pesar en cómo construyó se da 24/7. Si no quiero que se mueva tengo que ser muy rigurosa porque es técnicamente más complejo y ver, por ejemplo, que la argolla esté en el lugar donde tiene que estar, justo en el canal donde tenía que estar para que ajuste; si quiero que se mueva tengo que dar un espacio, pero no tanto, etc. Bueno por todo eso estoy todo el tiempo pensando en joyería. Entonces primero viene la idea el diseño, después qué tipo de papel y el color y mientras estoy esperando que seque voy pensando, cómo lo armo con metal y pernos es una opción. Sigue la pátina de fuego y después se ensambla con el papel. Aprendí que es mejor trabajar  el papel en placa si elijo piezas pequeñas, luego las calo y doy la forma.

 

“La joyería te lleva a una constante exploración, evolución y aprendizaje.”

“El puntapié inicial de mi proceso creativo siempre es la idea, la pretensión o intención y la defino: de qué color la hago, qué textura puede tener, opaco más brillante, más o menos colorido o prevalecerá el no color o convivirán los opuestos.”

_Conseguiste ir avanzando en un recorrido internacional para exhibir tus joyas contemporáneas, ¿qué destacarías y por qué elegís este camino?

_No necesito ser vista sino que me gusta trabajar más para adentro, necesito estar bien y la joyería me hace bien. Si esto es así puedo mostrar lo que hago como parte de mi expresión y lo hago si el tema me resuena, si es algo que he trabajado, y esto me divierte. Tengo una formación docente en la que las historias o armar cuentos para enseñar era una constante y es un ejercicio que aplico naturalmente, la narrativa es muy importante, tener algo para contar o decir.

En la primera exposición internacional que apliqué fue Sofia Paper and Fest de Bulgaria con «Reflejos», una pieza con módulos planos cocidos que buscaba reflejar el agua, con un montaje sencillo y menos conceptual.

Es que 35 años de docencia me formatearon. Por eso tuve que aprender a no ser tan literal, a dejar que complemente el espectador o usuario, a ser menos simbólica y más abstracta, lo cual me cuesta por eso voy jugando, porque soy de planificar y de procesos lentos.

La joyería me fue corriendo de mis lugares de confort y me ayuda a estimular mi creatividad, a evolucionar y no hacer siempre lo mismo.

Con el papel logré una identidad artística y pude avanzar, explorar, lograr volumen, el metal a veces es protagonista o complementa, y juego con los colores y las texturas.

 

Identidad artística

 

Ahora proyecto participar de KORU8 2024, una trienal internacional de joyería contemporánea que organiza la Asociación Finlandesa de Arte de Joyería con una propuesta que en la que trabajo con araucarias. Y posiblemente en la Semana de la Joyería de Bélgica, entre otras.

Entre medio de este camino de proyectos destaco la participación de Alliages Legacy Award & collection 2019, vista en el Espace Solidor Cagnes sur Mer, con la curaduría de Sébastien Carré, Isabelle Busnel y Claude Pelletier, en la que presenté el collar «¿Hacia el Sur?», una reflexión sobre el cambio climático.

La Tercera Mención en el concurso de la II Bienal Latinoamericana de Joyería Contemporánea de «Ponchito», una pieza hecha con papel reciclado de un atlas del continente americano, suplemento de un diario de 2003 e hilo, fue muy importante para mí. También por ser parte de un encuentro que cada vez más se amplía a Latinoamérica.

Me encantó formar parte de «Purificando el Alma» de Felicia Li, en China, una expo que me sorprendió por lo original, que incluyó una ceremonia de purificación en Qinghai. Presenté «Nunca solos I» en una performance espectacular transmitida en vivo, un video llamativo y un catálogo interactivo.

Creo que la joyería contemporánea y artística tiene que dialogar con otras disciplinas más arraigadas en el colectivo popular, la enriquece. Y en ese broche que mostré, por primera vez corté el papel con láser, y de esto derivó una colección muy interesante, incluso con desprendimientos de papel o sobrantes de dicho corte.

 

“La joyería me fue corriendo de mis lugares de confort y me ayuda a estimular mi creatividad, a evolucionar y no hacer siempre lo mismo”

 

_¿Qué presentás en Rumania?

_La última serie de «Cuencos» con piezas mucho más chicas inspirados en vasijas  antiquísimas con protagonismo del interior, con tapas de plata de pulseras que reciclé. Tiene un tratamiento de realce del papel que técnicamente no resulta tan perfecto como el metal, en cuanto a volumen y curvas. Estoy trabajando con plata recuperada. Para este proyecto maqueté mucho, tuve especial cuidado en esconder hilos, es decir, en que quede muy prolijo.

Previamente, en Contemporania participo de la expo «Missing Memories» de Alliages, en el Centro Artístico Sant Lluc, en Barcelona, con el broche de la «Serie En Construcción». También se vuelve a ver mi trabajo «Asteroide B612» inspirado en el Principito, especial para «Joyería y literatura» del último Tincal Challenge.

Y estoy a la expectativa de Aros o Pendientes, la última edición de libros de joyería contemporánea que presenta Nicolás Estrada, en la que se publicará una obra mía.

Para el año que viene tengo muchos proyectos, muchos ojalá como Schmuck. También trabajo en la pieza para Joyería y Viajes del próximo desafío de Tincal Lab con una propuesta que bucea en un viaje interior con un barquito de papel. Siempre estoy pensando o proyectando.


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Un camino infinito

Apuntes | Notas

Desde la joyería contemporánea queremos ser parte de la época que estamos viviendo


Laura-Giusti-Fabiana-Gadano-Paula-Isola-Joyeros-Argentinos-curadoras-exposicion-Un-camino infinito-La-Joyeria-de-Autor

Hoy se estrena «Un camino infinito», la exposición de joyería contemporánea que organiza Joyeros Argentinos en conmemoración de 40 años de Democracia en el Museo Histórico Sarmiento, en el barrio de Belgrano, hasta fines de octubre.

Continuará en Ituzaingó en noviembre y promete cerrar en Santiago de Chile durante la próxima edición de la Bienal.

Participan 36 artistas mujeres argentinas que exponen su joya de arte junto a una foto inspiradora, entre imágenes periodísticas y testimoniales. Durante la muestra se ofrecerán charlas y talleres asociadas a la propuesta.

Laura Giusti, Paula Isola y Fabiana Gadano, curadoras de la muestra, destacan que “la joyería de arte es un reflejo del momento en que vivimos, un testimonio que consigue expresar la actualidad con su lenguaje; una joya contemporánea sin duda habla del instante en que fue hecha”.


«Un camino infinito» es la muestra de joyería contemporánea que organiza Joyeros Argentinos en conmemoración de 40 años de Democracia ininterrumpida.

Se trata de una expo itinerante que comenzará a exhibirse en el Museo Histórico Sarmiento, en Cuba 2079, desde hoy sábado hasta el domingo 29 de octubre.

Seguirá en noviembre en el Museo Histórico de Ituzaingó y, el año próximo, durante la nueva edición de la Bienal Latinoamericana de Joyería Contemporánea, esperan poder llevarla a Santiago de Chile.

Ser parte del relato de nuestra Democracia y de la propuesta de caminos posibles fue la iniciativa a la que se sumaron decenas de artistas.

A partir de una fotografía significativa abordaron estas décadas vividas a través de una pieza de joyería. Fueron seleccionadas 36 obras realizadas por 36 joyeras argentinas de distintas zonas del país.

Laura Giusti, una de las curadoras, junto con Paula Isola, también de Joyeros Argentinos, y Fabiana Gadano, integrante del mismo colectivo, señalaron cómo fue el proceso de curaduría, qué tuvieron en cuenta y cuál es la resultante joyera que se verá a partir de hoy.

Democracia, tema insoslayable

_No es la primera convocatoria por la democracia o con temas relacionados con la vida política del país, ¿Por qué deciden tratar estos temas desde la joyería?

_La primera convocatoria fue «40 años: arte, memoria y futuro» para conmemorar los 40 años del golpe de estado cívico militar. Le siguió la exposición «8M» sobre la mujer trabajadora que se fue actualizando con el aporte de nuevas piezas de joyería de artistas interesados en mantener el tema vigente, y esta es la tercera que tiene que ver con temas sociopolíticos.

Sin duda, este es uno de los temas insoslayables, sobre el que venimos convocando desde el año pasado  y, aunque el panorama político cambió mucho y tal vez las percepciones de hoy son otras, busca reflejar la mirada joyera a 40 años de la recuperación de la democracia.

Como cualquier otro ciudadano que puede o no participar de la vida política del país al joyero le interesa mostrar su punto de vista mediante la joyería contemporánea.

Como artistas estamos inmersos en la sociedad en que vivimos y participamos. En particular, lo nuestro es un aporte para seguir consolidando esta democracia que supimos conseguir, destacando la importancia de vivir en ella: por la recuperación de derechos adquiridos y la necesidad de seguir luchando por muchos más que aún nos faltan, sin dejar de estar atentos a que hoy esto no retroceda ni se pierda para no tener que volver a pensar a la democracia como tal; el riesgo es grande y hoy se resignifica más que nunca la propuesta.

Además, la joyería de arte siempre es reflejo o muestra del momento en que vivimos, es un testimonio porque consigue con su lenguaje expresar esa actualidad, una joya contemporánea sin duda habla del instante en que fue hecha. Desde la joyería contemporánea queremos ser parte de la época que estamos viviendo.

_¿Esta inquietud y reflejos se plasmaron en las piezas de joyería presentadas?

_Sí, claro, aunque quedará más evidente en la edición y armado de la muestra en general. Pero sí ya lo vimos particularmente en los textos que acompañan cada pieza que resultaron un manifiesto de cada artista con su mirada sobre el tema, y de alguna manera fueron respondiendo a los cuestionamientos planteados en la convocatoria: ¿Cuáles fueron estas conquistas? ¿Cuánto ganamos y conservamos? ¿Cuánto ganamos y volvimos a perder? ¿Cuánto nos queda por recorrer? ¿Qué luchas continúan, cuáles todavía nos falta comenzar?, aunque todo esto hoy día se resignificó.

No obstante, pudimos encontrar lazos o hilos conductores relacionados que van de lo personal o más íntimo a cuestiones más sociales: el sentido de la democracia, la celebración y su significado, procesos vividos acentuando los vínculos o afectos que los sostuvieron, la lucha o búsqueda de más derechos, tributos como a las Madres o a la baja de cuadros de los genocidas, y los ignorados de la democracia que se mantuvieron fuera de agenda como los pueblos originarios. Y sobre eso que aún nos falta es que hoy nos preguntamos y nos preocupamos porque vemos el riesgo de cuánto tiempo más nos puede seguir faltando.

_¿Qué destacan de este proceso de curaduría: la participación, el interés por el tema, su interpretación?

_Fue lo esperado. Más allá de la cantidad de propuestas presentadas pusimos el acento en la calidad de las propuestas joyeras a partir de su factura, la profundidad de la mirada sobre el tema y, sobre todo, la coherencia, es decir, en el uso de materiales y técnicas aplicadas para que no fuera arbitrario sino que cumplieran una función de acuerdo al discurso, que contribuyera a la comunicación de la idea por transmitir, que la relación con el tema fuera evidente y claramente que tuviera estrecha relación con la foto elegida.

Los participantes son todas argentinas y destaco el género porque esta vez resultaron todas artistas mujeres.

_¿Por qué la sugerencia de que el disparador fuera una foto? Se expone foto y pieza? 

_Se propuso trabajar a partir de una foto, de una impresión gráfica de algún momento de estos 40 años de democracia.

Las fotos, sobre todo las periodísticas, son el testimonio más elocuente de estos años de democracia. La posibilidad de elegir libremente una foto tenía que ver con qué los interpelaba más. También hubo fotos personales significativas que en todo caso apelaron a la memoria emotiva de cada artista que permitió expresarse y desarrollarse con libertad y naturalidad, de manera sensibilizada, muy movilizados. Así, hay mucha foto periodística y otras testimoniales, también fotos de obra. Exponemos fotos y obras.

_¿Hubo alguna constante en materiales o técnicas, o coincidencias respecto de miradas e interpretaciones?

_Hay gran variedad de materiales como en todas las muestras de joyería contemporánea. Hay cerámica, metal, textiles tejidos, telas, plásticos, arena, saquitos de té y mucho más, que invitamos a descubrir y ver desde este sábado.

_¿Qué charlas y talleres ofrecerán?

Aún no está definido el calendario de charlas y talleres de estos meses. Habrá un taller infantil abierto al público, seguro. Sí está confirmada una conferencia de la Unidad Nacional de Artistas Visuales, que incluye a la joyería de arte, claro, sobre el proyecto de creación de un instituto y su importancia para las artes visuales.

Joyeras participantes

Participan Fabiana Gadano con «Respiración», Adriana Gómez con «Verdades dobladas», Alejandra González con «Qué es el amor», Ana Lavarello con «Brotes verdes», Andrea Serini «DEMOCRACIA en-CADENA(da)», Carmen Romero con «Línea Roja», Cecilia Borghi con «Ronda», Cecilia Mortola con «La Ronda», Gabriela Nirino con «Sumá tu voto», Gabriela Varela con «Gesto», Graciela Lescano con «En el país de Nomeacuerdo», Graciela Manzione con «Pasos», Graciela Riva con «Sana, palabra», Hebe Argentieri con «Infinitas Mareas», Iona Nieva con «Trama colectiva», Jessica Morillo con «Vermut, papas fritas y good show», Laura Escliar con «Recital de Serrat», Laura Leyt con «Proceda y Laura Nucenovich con «Habrá que gritar más fuerte».

Asimismo son parte de la expo, Lula Cuestas con «¿Y “ellas” dónde están? », Luna Ventura con «El quinto poder», Luz Arias con «Equilibrio entre las partes», Mabel Pena con «Democracia, presente», María Eugenia Ramos con «Entre sueños y anhelos. Una trama posible», Marita Sario con «Historia de amor», Marta Sánchez con «Voto», Patricia Mogni con «De tierra de sal», Patricia Trigub con «Corazón», Paula Botto Fiora con «1983», Paula Isola con «Haciendo», Poly Iglesias con «Bombas en mi cole… Nunca más», Roxana Casale con «Aunque duela», Silvia Abad con «2 x 1», Susana Nazer con «Atravesades», Susana Ortiz con «Corroída Democracia» y Vicky Biagiola con «Un mar».

36 artistas participan de una muestra de joyería contemporánea que conmemora los 40 años de democracia ininterrumpida en la Argentina, con obras de arte creadas a partir de una fotografía periodística o testimonial inspiradora


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El ADN de la joyería

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EL ADN de la joyería

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El ADN de nuestra organización está formado por la suma de todos los artistas que participaron en nuestras exposiciones y eventos en todo el mundo. Está hecho de diversidad. Ellos utilizan todos los materiales posibles y se inspiran en todos los ámbitos de la cultura, la ciencia, la política, la historia o la actualidad. Dialogan con el público, el espectador o el participante, interrogándolo, interrogándolo o inquietándolo.

«El ADN de los artistas de la joyería de arte contemporáneo es también la singularidad, la autenticidad y la creatividad. Cada artista tiene su propio enfoque, su propio estilo y su propio mensaje. No hay reglas ni estándares a seguir, sino una investigación personal y constante. El artista de la joyería de arte contemporáneo es un explorador, un inventor y un revelador. Expresa su ADN a través de su arte”.

Así es la muestra «ADN» que comisariada por Juan Riusech y propuesta por Alliages que se estrenará el sábado 10 en el Espace Solidor Museum, en Cagnes-sur-Mer y podrá verse hasta el 5 de noviembre.

Los que exhiben su adn

Entre más de 50 joyeros participan Fabiana Gadano, Mabel Pena, Monique Lecouna, Patricia Iglesias, Raquel Bessudo, Taibe Palacios, Juan Riusech, Isabelle Azais, Sofía Björkman, Elvire Blanc Briand, Rosa Borreda, Isabelle Busnel, Sébastien Carré, Saydee Chandler, Nico Delaide, Nanna Doll, Danica Drago, Åsa Elmstam, Esteban Erosky, Teresa Faris, Paolo Gambarelli, Spam Glam, Juan Harnie, Yu Hiraishi, Peter Hoogeboom, Arisa Inoue y Malene Kastalje.

También presentan su obra Michelle Kraemer, Namkung Lee, Rikke Lunnemann, Carmen López Sánchez, Marta Mattsson, Viktoria Münzker, Eiko Nakahara, Karin Roy Andersson, Linda Savineau, Sara Shahak, Kamile Staneliene, Jason Stein, Claudia Steiner, Anna Talbot, Rho Tang, Maud Traon, Austin Turley, Youjin Um, Charlotte Vanhoubroeck, Tanel Veenre, Nassrin Vessalian, Pilar Viedma Gil de Vergara, Yiota Vogli, Deimezi Xenia, Clara del Papa, Ute van der Plaats y Kristýna Španihelová.

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Monique Lecouna

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Fabiana Gadano

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Taibe Palacios

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Maud Traon

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Raquel Bessudo

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Namkyung Lee

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Patricia Iglesias

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Sara Shahak

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Austin Turley

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Linda Savineau

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Malene Kastalje

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Peter Hoogeboom


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En movimiento

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En movimiento

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Hoy se estrena «En movimiento» una muestra curada por Luis Acosta que se ve en la galería madrileña Lalabeyou hasta el 28 de marzo.

Una muestra itinerante que continuará por Salamanca, Barcelona, Oporto, Atenas y llegará a Suiza.

Participan las argentinas Carolina Moya, Iona Nieva, María Rosa Mognelli y Patricia Mogni.

También, Adriana Gomez, Aişegül Telli, Alexandra Prelipcean, Amàlgama, Ana Nadjar, Angela Gentile, Arijana Gadžijev, Bego Fuentes, Claudia Schlabitz, Charlotte Parent, Festivo Design, Francesca Locati, Iro Kaskani, Julie Bégin, Laura Volpi, Lily Kanellopoulou, Marta Fernandez Caballero, Miriam Arentz, Miyuki Shiotsu, Salvador Vico, Saskia Bostelmann, Suzanne Esser y Viktoria Muenzker.

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«Corales que aman a los corales» de Patricia Mogni hecho con pasta de cartón, hilo de algodón teñido y pintura acrílica

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«Cosmos» de María Rosa Mognelli hecho con gasa y alpaca

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«Rocas danzantes» de Iona Nieva hecho con alambre de cobre, papel, cartón y pintura acrílica

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Broche de Saskia Bostelmann hecho con oro 18k, plata construida y soldada, pigmento azul y cemento epóxico

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Colgante de Salvador Vico realizado con cobre, latón, plata, aluminio, acero, plástico y papel

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«Una grieta por donde entra la luz» de Iro Kaskani hecho en plata, con un panal de cerámica, jesmonite y polvo de porcelana

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«Quimera» de Giorgia Tasca, Amàlgama, realizado en bronce con baño de oro amarillo, fundido a la cera perdida

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«Cavidad» de Angela Gentile en bronce bruñido, con fragmentos de roca de lava, resina epoxi y perla de agua dulce

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Anillo de Charlotte Parent hecho con plata 800, plata 925, patina y pigmentos naturales

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«Rocas negras» de Lily Kanellopoulou realizado con resina, plata, bronce, pigmentos y acero inoxidable

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Anillos «Dulce venganza» de Julie Bégin hechos en papel, pintura y latón oxidado

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«Dama con cuernos» de Suzanne Esser realizado con ébano, madera de zapatero y pintura


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Mujeres por supuesto, hombres también

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Mujeres por supuesto, hombres también!

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“Las joyas deben ser para todos independiente de su género”, dice Sophie Cazin, directora de la galería parisina Galerie Sophie etc.

«Mujeres por supuesto, hombres también», el título de la muestra que desde el sábado último y hasta el 3 de abril se ve en ese espacio con piezas únicas genderless.

Participan Axolotl-Paris, Gaston-Bijoux, Marie-Pierre Ginestet, Patricia Lemaire, Anne Milbeau, Joyería inusual, Annie Sibert, Amira Sliman y Claire Wolfstirn.

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Annie Sibert

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Gaston Bijoux

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Amira Sliman

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Marie Pierre Ginestet

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Gaston Bijoux

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Marie Pierre Ginestet


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Convocatoria 40 años de democracia

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De Fabiana Gadano «Manual de Historia Argentina», en PET reciclado, realizada para la muestra virtual «40 años-arte, memoria y futuro» vista en la web de Joyeros Argentinos


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Fin de semana joyero

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Colgantes en papel reciclado de Elvira Cibotti hoy en la Feria de Navidad del Taller de Gabi Horvat en LasLomas de San Isidro


Mabel Pena e Inés Bonadeo son otras de las que abren su taller para ofrecer piezas únicas, hoy y mañana


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Battle of the Pins

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Battle of the Pins

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“En el mismo planeta, con las mismas necesidades. Todos diferentes, todos iguales. Nunca olvides que estamos todos juntos, en el mismo barco”, sostiene Elvira Cibotti al referirse a su serie de broches «En el mismo barco» que desde hoy presenta en «Battle of the Pin».

Una muestra que celebra los cinco años de Precious Collective y, en particular, festeja que “un pin o un broche tiene su propia esencia; un objeto que puede reflejar personalidad, política, pensamientos, sentimientos, mensajes… o cualquier cosa que el creador o el portador quiera que sea”, dicen desde este colectivo.

Colectivo de Precious

También participan Agnes Wo, Ani Flys, Anna Zeibig, Anne Luz Castellanos, Carol Bergocce,  Clodagh Molloy, Federica Pallaver, Valerie Ho Oi Ying, Iro Kaskani, Jeanine vander Linde, Jil Koehn, Jillian Moore, Juan Harnie y Juan Riusech.

Además de Lorena Jarpa, Lucy Spink, Lynne Speake, Mark Mcleish, Michelle Kraemer, Mohsen Amini, Namkyung Lee, Patricia Iglesias, Rachel Butlin, Raquel Bessudo, Roxy Lenz, Viktoria Muenzker, Wiebke Pandikow y Yiota Vogli.

Ani Flys

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Iro Kaskani

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Rachel Butlin

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Flore Soria

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Jil Koehn

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Roxy Lentz

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Michelle Kraemer

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Mark Mcleish

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Juan Riusech


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Las sutilezas del recuerdo

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Las sutilezas del recuerdo

Me interesa darle una nueva vida a los objetos en desuso y convertirlos en joya”, señala la joyera franco-mexicana, residente en la Argentina, Anne Luz Castellanos que decidió resignificar viejos instrumentos musicales para convertirlos en originales piezas contemporáneas.

Reconectando con su infancia, con los recuerdos de las clases de piano que compartía con sus hermanas en su México natal, fue manipulando teclas y mecanismos de un viejo piano y hasta sus piezas blancas hechas en marfil por lo que tuvo que superar el dilema de trabajar con restos de animales.

El resultado, objetos artísticos construidos a modo de rompecabezas que se transforman en piezas que se valen del cuerpo como soporte.

Una propuesta que estrenará el próximo jueves 15 en «Las sutilezas del recuerdo», con la  curaduría de Estefanía Radnic, Pía Dalesson y Rita Maschwitz.

Se trata de una muestra de joyas contemporáneas, “algunas abstractas en diálogo con otras figurativas que aluden a personajes lúdicos surgidos durante el agobiante período de pandemia”, precisa.

Inspiración infantil

Esto no es todo. Conectada al mundo literario infantil, en una búsqueda por imaginar historias, también surgieron ilustraciones. A modo de apéndice de las piezas de joyería, en significativos collages las teclas de piano toman vida y habitan el espacio.

Una serie de este trabajo también podrá ser vista en la exposición que se realizará en el espacio de arte Gontran Cherrier artisan boulanger, en Palermo Soho.

La exhibición incluye a «Leonor», un trabajo concebido para homenajear a la colección Sepan cuántos de la editorial mexicana Porrúa. Es una pieza que amalgama muy bien con el resto, ya que conjuga la música y la literatura, el desarraigo y la nostalgia, constantes en su obra.

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Lets go

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Penta

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Pájaros

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All together

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Step by step

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Y mis dientes


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Balbuceo de un preludio

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Balbuceo de un preludio

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“No hay una sola verdad, por lo tanto todo puede ser de otra manera”, decía el filósofo argelino Jacques Derrida, y a partir de su premisa La Brújula Arte en tránsito, una red colaborativa de creadores que promueve la joyería como arte contemporáneo desde Chile, invitó a crear piezas en torno a conceptos como la levedad.

Una propuesta que se ve desde hoy y hasta el próximo jueves 15 en «Balbuceo de un preludio», la 3ª edición de Joya en tránsito 2022/2023, que muestra eso que “el artista se pregunta, mueve, se adelanta y tiene la virtud de plasmar esa mirada en sus creaciones”, dicen los organizadores.

Participan Annaid Hernández, Mónica Pérez, Ana Nadjar, Blanca Globbo, Paola Iglesias, Caco Honorato y Mariela Vicencio, Patricia Iglesias, Paula Botto Fiora, Camila Picon, Paula Isola, Clara Cisterna, Renata Meirelles, Fabiana Gadano, Rita Soto, Gabi Nirino, Roxana Casale, Gabriela Varela, Salvador Vico y Giuliana Mantovi.

También, Silvia Campanella, Holland Houdek, Soledad Ávila, Lorena Jarpa, Stella Maris Tessitore, Mabel Pena, Susana Ortiz, María Rosa Mongelli, Taibe Palacios, María Inés Nouzeilles, Vivian Urmeneta, Marilona Marek, Wiebke Pandikow, Marita Sario, Winnie Cheung Chu, Martha García, Yael Olave, Mónica Díaz-Pinto y Youjin Um.

Destacadas

Entre las argentinas participantes, se destacan seis. Con una serie que evoca su infancia, Paula Botto Fiora alude a “Padres que abrazan, sostienen y acompañan y brindan la seguridad de sentirse cuidado y a resguardo”, y cuenta que con hilo de papel fue tejiendo las sensaciones que rememoró, con sonidos y aromas. Presenta los broches «Somos 5» y «Al amparo» y el collar «Manos que cobijan»,  hechos en alpaca, pintura en spray e hilo de papel.

Fabiana Gadano, por su parte, se apropió de las palabras de Italo Calvino en «Los Cristales» y se pregunta si ¿El mundo desmenuzado que nos circunda sigue siendo el de entonces? Dice que piensa “en un mar que abraza lo que recibe, que aun aniquilándose incorpora a su paisaje de vida restos plásticos”. Así advierte que los océanos se fragmentan, tragan y devuelven minúsculas partículas. Y describe que “entretanto, en las playas, a la manera de un memento mori, esos cristales descoloridos y quebradizos se acumulan silenciosamente. El mundo que nos circunda no es el de entonces”. Su verdad, «Memento Mori», un anillo en plástico PET reciclado y alpaca.

Lo de Gaby Nirino es siempre una poética joyera. Y también se inspira en la obra literaria del escritor nacionalizado italiano en sus «Seis propuestas para el próximo milenio» y hace da detalles de su listado: “Pequeño, cada vez más pequeño. Que quepa en la mano. Que no dañe ni acongoje. Refugiarlo en un silencio. Llegar sin nada. Buscar con paciencia, buscar con cuidado. Aceptar las amorosas ofrendas del mundo. Acunar, solo un gesto. Sentarse bajo el árbol. Esperar. Que asome despacio, apenas un temblor de oro”. Muestra dos broches «Objeto para abandonar», construido en madera recuperada y latón enchapado, dorado a la hoja con una lámina de oro y pintado con tinta, y «Objeto para que pase el viento», tallado sobre ramas de árbol ahuecadas, con las que, además de con bronce, se construyó y también doró con una lámina de oro que se pintó con tinta.

Marita Sario cuenta que las piezas que presenta fueron realizadas ante las situaciones difíciles de 2020 y 2021, en las debió recurrir a lo que encontró en su taller y alrededores y, aunque le inquietaban los posibles límites expresivos de los lenguajes, le preocupaba un marcado, peligroso y alienante individualismo, insistió en sentir que el arte puede aportar su parte para hacer posibles otras miradas. En esas condiciones plantea sus balbuceos de lo que pasa a partir de circunstancias poco comprendidas, situaciones convulsas, no claras, fragmentadas. Así, advierte que los lenguajes no alcanzan a decir, expresar, comprender, que la mirada es esquiva y choca con frecuencia contra el desconcierto y, sin embargo, presenta su balbuceo entre los materiales y sus  mano: collares «Las palabras no alcanzan» e «Interferencias» en pergamino de cabrito, hilo de algodón y tintas.

La naturaleza del mundo

Mabel Pena declara que es en la naturaleza donde anidan todas las formas y sentidos, por eso es el gran escenario de su obra, así como la transformación de las materialidades es parte fundamental en la realización de sus piezas. Explica que su trabajo remite a su experiencia de buceo que refleja cierto temor y ansiedad e intriga por explorar e imaginar nuevos mundos. Y encuentra también una correlación entre la exploración marina y ese buceo interno hacia sus profundidades en la pandemia. Las formas y texturas que propone surgen del desarrollo de dibujo 3d, con vacíos, huellas, heridas, marcas, cicatrices que deja la evolución de la vida, bajo la superficie del mar y también en el alma. “En estas piezas no se trata simplemente de reutilizar materiales de desecho, sino también de la visión poética que les da una segunda oportunidad, la de volver a formar parte de un nuevo discurso que provoque la conmoción del espectador reflexionando acerca de los desastres naturales y apreciando a través del arte otras acciones posible”. Collares «Transmutación, arrecifes I» y «Transmutación, arrecifes II» en bolsas de polietileno recicladas y filamentos 3D.

El Dálai Lama inspiró a Roxana Casale quien sostiene que el mundo se vuelve cada vez más pequeño e interdependiente… “Hoy más que nunca la vida debe caracterizarse por un sentido de responsabilidad universal no solo de nación a nación y de humano a humano, sino también entre los humanos y otras formas de vida” Dice que la crisis del coronavirus aceleró esos tiempos que se veían venir confirmando lo frágiles que somos. Y sostiene que queda cada vez más claro que vivimos en un mundo que no registramos, que se agrieta y fractura, y que cuando irrumpimos en la naturaleza de forma tóxica generamos alteraciones difíciles de revertir. Collar «Tiempos que se aceleran» en papel japonés, papel de bolsas de infusiones tratadas, cuerina e imán y brazalete «Un Mundo que no registramos» en tela, papel japonés, papel de bolsas de infusiones tratadas, cuerina e imán.

Otra de las que participa de Balbuceo es Paula Isola, quien en estos tiempos en que todo se descarta elije trabajar con objetos guardados que considera reusables y con materiales de su propia cosecha como la kombucha. “Son partes de objetos queridos que conjugados abren la puerta a otros mundos, materias vivas que sorprenden, otras difusas. Unas pipas en las que fumó mi padre, bacterias y hongos que produje y cuidé según antiguas recetas, que en algún lugar de mi corazón se reunieron. Lo viejo y lo nuevo juntos, unidos a través de los sentidos”, cuenta. «Te llevo en el corazón», hecho con una pipa antigua, hongos y bacterias de cultivo, acero quirúrgico, alpaca y plata 925.

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Interferencias, de Marita Sario

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Objeto para abandonar y Objeto para que pase el viento,  de Gaby Nirino

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Transmutación arrecifes I, de Mabel Pena

Tiempos que se aceleran, de Roxana Casale

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Somos 5, de Paula Botto Fiora

Te-llevo-en-el-corazón-Paula-Isola-Balbuceo-de-un-preludio-exposicion-La-Brujula-Arte-en-Transito-La-Joyeria-de-Autor

Te llevo en el corazón, de Paula Isola