_Tenés una formación académica importante: una licenciatura en escultura y otra en joyería, además de una maestría en joyería y orfebrería, y un doctorado. ¿Este estudio sostiene una habilidad natural hacia la joyería? ¿O sin ella no podría manifestarse el artista que sos hoy?

_Los estudios se volvieron un tipo de adicción para mí. Siempre pensé que mientras más aprendemos, más nos damos cuenta de lo poco que sabemos. Considero, basado en la experiencia, que los estudios son algo muy diferente a la habilidad natural, de hecho los estudios no son garantía de un buen resultado ni de un compromiso real con el hacer, mucho menos de una manifestación personal. Conozco gente que cuenta con muchos certificados de estudios y siguen teniendo fuertes carencias en su identidad artística y en la práctica.

La habilidad natural va mucho más allá, trasciende más de lo que la educación puede ofrecer, tiene mucho que ver con el compromiso personal, la honestidad y el trabajo arduo.

Siempre le digo a mis estudiantes que tienen que aprender a contextualizar el momento en el que están viviendo y en su formación. Antes el talento era suficiente pero hoy la creación requiere de mucho más que solo talento, y eso se vuelve el filtro más grande en los años de formación para saber quién tiene el carácter y ese extra del talento para poder expresarse profesionalmente.

La educación que tengo hoy le dio otro carácter a mi trabajo y pude profundizar en el aspecto intelectual de mi práctica artística. Esto generó un impacto diferente en mi crecimiento y desarrollo artístico. La investigación y la manera en cómo se traduce e interpreta en el trabajo es personal depende de cada individuo. Estar en Europa y tener una formación nunca fue fácil, pero yo siempre lo vi como un medio o una herramienta más. La misma energía y la manera de trabajar ha sido una constante en mi vida así que con certeza puedo responder que, el artista que soy hoy, sería el mismo sin esa formación. Tal vez los lugares y las posibilidades serían diferentes pero el artista no. Y con esto no quiero decir que la preparación y educación no son necesarias, al contrario, son muy necesarias. Al ver que no hay formaciones profesionales en este campo la opción sería buscar caminos viables para autoeducarse y creo que es la falta de autocrítica y de búsqueda de identidad artística, lo que esta afectando mucho el campo en el que estamos. Porque si no hay instituciones o no se tiene la posibilidad de acceder a ellas, siempre existirán maneras de prepararse y de poner el trabajo en otro nivel, tanto artístico como intelectual.

“La educación que tengo hoy le dio otro carácter a mi trabajo y pude profundizar en el aspecto intelectual de mi práctica artística”.

_¿Por qué hacés joyería? ¿Es un medio de expresión? ¿Qué querés expresar?

_La joyería es un medio de expresión y es por lo que mucha gente me conoce, pero no es lo único que hago. También me expreso a través de otros medios, como dibujos, objetos, pintura materia, instalaciones y fotografía, por nombrar algunos. En muchas obras solo he mostrado la parte expresada con la joyería, porque es el campo en que más me desenvuelvo. También suelo ser invitado a exposiciones de diferentes medios. Esta parte de la joyería surge de una investigación en la que hago uso de diferentes expresiones para llegar a ella.

Es simple, como artista visual necesito la información que un medio ofrece para después aplicarlo a otro. Por ejemplo, las líneas y la primera intención del dibujo son muy importantes para mí, y cómo después uso esa información con otros valores para darle un volumen y una forma, ya sea tridimensional o en relación con el espacio. Todo depende del concepto, la idea, la forma y la traducción a materiales. En mi proceso creativo, para obtener un resultado -que tampoco es definitivo- es necesario el uso de diferentes medios de expresión. Leo mucho antes de comenzar a trabajar con materiales y después traduzco ese conocimiento en metáforas y representaciones por medio de la forma y el material.

La joyería me gusta por su relación con el cuerpo, por los formatos, por las posibilidades que te ofrece pero, sobre todo, la joyería de arte que, en realidad, es una expresión personal con una carga conceptual muy fuerte.

Mis temas están muy relacionados con la psique humana, sobre todo, la parte antigua del concepto psique, la parte que vincula al ser humano con el cuerpo terrenal y lo que pasa tras su fallecimiento. Tomando la psique como el conjunto de las capacidades humanas de un individuo que abarca los procesos conscientes e inconscientes. La palabra psique es de origen griego ψυχή (psyché) y significa ‘alma humana’. Se puede decir también que la psique es la mente y la psicología.

Hay una leyenda mitológica que plantea, entre líneas, algunas ideas muy bellas: que Psique, el alma o la mente humana era de una belleza sobrenatural. La historia narra como Psique es abandonada y cae en la desesperación y el agotamiento. Entonces llega Cupido (el Amor) y se enamora de Psique. Le da un beso para reanimarla y la lleva a su palacio. El mensaje es muy claro: el amor salva la mente o el alma a los humanos. Es muy sorprendente cómo una narración del siglo II sigue siendo una bella historia para los seres humanos del siglo XXI. Especialmente en estos tiempos tan inciertos. Es maravilloso ver cómo a lo largo de la historia muchos escultores y pintores se inspiraron en este mito para crear obras de arte de gran belleza y simbolismo. Pero me gusta la parte teórica de esto y yo la adapté e interpreté a mi manera con mis materiales y temas, abordados muy específicamente. Me gusta por que en mucho de mi obra están involucradas las emociones, los sentimientos y una cierta metamorfosis física.

Después de mi doctorado, me baso más en el aspecto cuerpo pero sin dejar de usar los elementos que mencioné.

“La joyería de arte es una expresión personal con una carga conceptual muy fuerte”.

_¿Estar en Gante implicó una transculturación que se refleja en tus piezas?

_Sí, obvio. Pertenezco a ese grupo de artistas llamados artistas expandidos, que intentamos encontrar, conservar, recuperar y revelar nuestros espacios comunes o el punto intermedio donde podemos expresar esa transculturación. Esta es una situación que vivo día a día, no solo como mexicano viviendo en Gante, sino como mexicano trabajando en Oslo, Italia, Grecia, Argentina, Chile, Brasil, etc.

La búsqueda de ese espacio se vuelve una práctica diaria en diferentes situaciones y contextos y pueden ir desde el idioma, la comida, la cultura hasta la religión, aspectos que muchas veces no alcanzás ni siquiera a percibir pero que los sincretizás de alguna manera. Buscás aspectos de tu identidad y aspectos de la nueva cultura que te podés apropiar y aplicar en tu vida, pero también en tu práctica artística. Eso le da un valor muy diferente a la obra porque estás creando fuera de los espacios convencionales, ya sea físico o mental. Y eso tiene ciertas ventajas porque nunca podés quedarte en una zona de confort.

También creo que es importante mencionar que el aspecto climático tiene una gran influencia, por ejemplo, el invierno suele ofrecer un estado mental que es ideal para la creación al tener temperaturas demasiado frías y días oscuros y lluviosos en los que tenés la opción de usar tu tiempo en el taller o sumergirte en alguna lectura o escribir. Y eso siempre se ve reflejado en mi obra.

_También, el sincretismo religioso -tan presente en tu México natal- se evidencia en tu trabajo. Y, en general, la religión, los mitos y la espiritualidad son una constante en tu obra, ¿por qué?

__A esto me refería en la respuesta anterior sobre la identidad y la transculturación. Añado  por qué los aspectos rituales son muy importantes: la religión a la que pertenezco es importante para mí (el culto a la santa muerte). Esto siempre me lleva a una búsqueda  en mis piezas, y ese lado místico o misterioso en el que se puede sentir sin entender es un elemento que suele estar muy presente en mi obra.

“Ese lado místico o misterioso, en el que se puede sentir sin entender, suele estar muy presente en mi obra”.

_¿Hay una identidad latina en tus joyas?

_Hay, y es lógico como latino, sería muy malo que se perdiera o que quisiera negarla. No ha sido fácil definirme cuando vivo desde hace mucho tiempo fuera y comienzo a sentir cierto desarraigo cultural por las rutinas, pero en el corazón no quiero que suceda de ninguna manera; esto me lleva a una confrontación constante que se ve reflejada en las piezas.

Pero también la identidad es muy personal y al final no es más que un crisol de influencias, en el que alguna habrá de predominar; en mi caso, afortunadamente es la latina.

“La identidad es muy personal y no es más que un crisol de influencias, en el que alguna habrá de predominar; en mi caso, afortunadamente es la latina”.

_¿Creés que se da un movimiento de joyería latinoamericana? ¿Se está constituyendo para decir algo? ¿Qué?

_Es una pregunta compleja, yo no diría que hay un movimiento, hay diferentes iniciativas que tienen una gestión llena de intereses personales y considero, por lo que he visto, que pocas veces se piensa en crear un bloque de artistas o un movimiento.

Hasta que no se hagan cuestionamientos más críticos, hasta que no se aprenda a trabajar sistemáticamente y no se invierta realmente tiempo en reflexionar, cuestionar y reinventar sus propias obras, en la búsqueda de una identidad y una propuesta personal, será difícil crear un movimiento. Si cada quien fuera mucho más crítico se abrirían muchos caminos donde las maneras de pensar y expresar se cruzarían y surgirían propuestas bien interesantes. Pero esto implica muchos aspectos, como la falta de una educación profesional en las universidades de arte que ofrezca metodologías de aprendizajes, con todos los aspectos teóricos que esto conlleva.

También creo que hace falta una búsqueda de iniciativas o plataformas alternas para crear esa educación de manera independiente. Pienso que eso es algo que deberían reconsiderar quienes están a cargo de algún tipo de enseñanza, formal o informal. No quiero poner en cuestionamiento a la gente que lo está haciendo, pero sí es importante tener cuidado de querer enseñar lo que se desconoce, porque eso valida que la joyería contemporánea puede ser todo, y eso si es un problema que se vuelve más grande, que genera ansiedad y frustraciones cuando las obras no son aceptadas en proyectos internacionales de joyería contemporánea.

A veces hacen falta preguntas tan simples como: ¿qué es para mi la joyería? ¿qué significa la joyería contemporánea? ¿qué significa para mí la escuela o la enseñanza que estoy ofreciendo? ¿qué es para mi el país? Preguntas de este tipo y una labor constante darían una perspectiva muy diferente en distintos niveles de la joyería latinoamericana.

Esta es mi percepción y sugerencia, pero es claro que a mucha gente no le interesa cuestionarse, solo le interesa enseñar el oficio como tal y está bien también, es muy válido pero entonces no hay que confundir los términos ni la dirección entre quienes están aprendiendo. Aunque del mismo modo es importante decir que sí existen diversas organizaciones e iniciativas trabajando en dirección hacia la joyería de arte con un gran compromiso, personas de muy bajo perfil pero que llevan años trabajando para construir algo más artístico y es a ellos a quienes hay que seguir apoyando. Debemos dejar un poco al lado la complacencias en el momento de la creación, las preocupaciones sobre el concepto joyería tradicional y los aspectos que esto implica, el conformismo y estar satisfechos muy rápido y no poner nada en cuestionamiento. Así como los comentarios amistosos y lindos, ya que bloquean completamente el diálogo e interacción sobre las piezas. Necesitamos muchos comentarios constructivos y sin pretensión, que hagan crecer el campo de joyería de arte.

La propuesta es algo que tiene que someterse una y otra vez a un cuestionamiento crítico, ya que por medio de nuestro trabajo sólo damos sugerencias, no respuestas absolutas, si fuera sobre verdades absolutas el arte no tendría ningún sentido. Otro problema es la urgencia de crear para pertenecer, porque muy a menudo se olvida o se evita el proceso creativo y el tiempo necesario para el resultado.

Yo creo, apoyo y promuevo la joyería en toda la extensión de la palabra. Valoro a quien hace una pieza técnica bien hecha, en la que lo importante solo es lo estético, así como el valor de los materiales preciosos; valoro una pieza artística muy conceptual. Todos tenemos la libertad de escoger lo que queremos hacer. Pero creo que el problema radica cuando se pisa en ambos lados y se intentan tapar carencias escudándose entre uno y otro, por que allí es donde se bloquea el crecimiento personal. Así es que la suma de muchos de estos elementos hace muy difícil decir que haya un movimiento en Latinoamerica.

Hay iniciativas muy interesantes, gente creando grupos que sí tienen fuerza, que están generando piezas con una propuesta, tomando más y más conciencia de esto y comenzaron a andar en el camino de lo artístico por muy incierto que sea, pero aún queda mucho trabajo por hacer. Ojalá en unos años podamos hablar de un cambio y un movimiento latinoamericano. Mientras, soy un ferviente promotor y trato de apoyar, dentro de mis posibilidades, para que este movimiento tome forma y se consolide.

“Hasta que no se aprenda a trabajar sistemáticamente y no se invierta tiempo en reflexionar, cuestionar y reinventar las propias obras, en la búsqueda de una identidad y una propuesta personal, será difícil crear un movimiento.”

_Tratás temas como la fe, las relaciones, las emociones, la pasión, el dolor, la agresión, la violencia, la muerte, la insensibilidad, los temores, los límites, la imaginación, la belleza, la vulnerabilidad del cuerpo… ¿Buscás una respuesta emocional, hacer pensar, cuestionar o cuál es tu pretensión, si es que la hay?

_Nunca busco respuestas. En mi opinión, no es lo que se busca con una propuesta artística. Sí, se busca hacer pensar, reflexionar y también sentir. Ese es el mayor reto de un creador: hacer sentir por medio de diferentes elementos artísticos. Y sentir no siempre se relaciona con lo positivo; podemos hacer sentir incomodidad, desconformidad y tristeza, pero con las mismas piezas puedes hacer sentir protección, belleza, poder, y todo depende del diálogo que se crea entre la pieza y el espectador.

Creo piezas llenas de metáforas e interpretaciones, que son una deconstrucción de lo que comúnmente se entiende por realidad. Deconstrucción para mí es como reordenar o recontextualizar las cosas. No olvido tomar en cuenta que en algún momento Heidegger hablo de destrucción y Freud de disociación; en este caso, haciendo uso de ese conocimiento me gusta deconstruir los conceptos y las ideas así como las formas y materiales. No pretendo nunca dar verdades absolutas pero sí sugerir otra manera de ver el mundo.

_¿Cuál es el rol del cuerpo en la joyería?

_Por un lado, el cuerpo es fundamental ya que por razones obvias podríamos deducir que joyería sin cuerpo no es joyería, y que la joyería tiene que ser hecha y usada en relación al cuerpo, lo cual es correcto cuando hablamos de joyería étnica, histórica y clásica. Por otro lado, cuando hablamos de joyería de arte, hablamos con otra connotación, hablamos de conceptos, ideas, sugerencias, interpretaciones, referencias. Estos son algunos de los aspectos que se vuelven más relevantes y allí el cuerpo se vuelve simbólico y la presencia no es siempre necesaria. Esta sería una de las principales diferencias en la concepción y entendimiento de la relación entre joya-cuerpo-joyería contemporánea.

“En joyería de arte, el cuerpo se vuelve simbólico y la presencia no es siempre necesaria”

_¿Por qué preferís el color negro o los tonos oscuros? ¿Con qué se relaciona?

_El uso del negro tiene un significado mucho mas allá de una moda, nunca lo hice por ser parte de ésta; hoy es como una tarjeta de código o estatus la gente usa inclusive la palabra black como símbolo de exclusividad. No sabés la infinidad de new blacks que me encontré en los últimos años…  Para responder quiero compartir un pequeño fragmento de un texto que escribí para un artículo y creo que es bastante claro:

El negro es visto como misterioso y reservado.

Un color oculto que absorbe la luz.

Usualmente se muestra en muchas connotaciones negativas.

Para mí, el negro abre los paralelos profundos del inconsciente y me lleva a un sentimiento de vacío reparador.

Llevo el negro como expresión personal.

Es una dedicación a mis difuntos (creo que esta es mi mayor motivación)

Es una manifestación

… por las emociones  que nunca se han expresado

… por la palabra de amor que nunca dije

… por los sentimientos reprimidos

… para el dolor oculto

… para aquellos que me olvidaron y que yo también olvidé

… para los no perdonados y lo que nunca me perdonaron

… por la luz en la oscuridad

… para la oscuridad en la luz

… por el amor dado

… y por el amor que ha sido negado

Uso el negro como un toque personal, un día esta oscuridad me llevará al lugar donde comienza la luz.

Déjenme descubrir allí … si esa luz también es negra.

“Para mí, el negro abre los paralelos profundos del inconsciente y me lleva a un sentimiento de vacío reparador.”

_¿La experimentación con madera, huesos, textiles, cuero y plata, por ejemplo, de manera que resultan casi imperceptibles ¿se logran mediante procesos y técnicas propias?

_Sí, la mayor parte de mi proceso creativo consiste en elegir los materiales cuidadosamente y hacerlos hablar y expresar en relación con un concepto y un tema, su transformación es el resultado de una investigación muy larga que muchas veces requiere de involucrar a expertos de otras áreas. Me gusta investigar y aprender de especialistas, como escultores, restauradores, taxidermistas, etc., y después con el conocimiento aprendido me gusta aplicarlo de manera a veces inusual pero, a la vez, funcional para lo que quiero expresar. Muchas veces eso crea lo que podemos llamar técnicas propias, que en realidad es una manera de usar técnicas ya existentes pero dándoles una vuelta con un estilo personal. Esto requiere de mucho tiempo y por eso mis proyectos me llevan hasta dos años antes de poder mostrar el primer resultado.

“Me gusta aplicar el conocimiento aprendido de manera inusual pero, a la vez, funcional a lo que quiero expresar.”

_¿Qué métodos tuyos destacarías?

_Ninguno, porque no suelo usar métodos innecesarios. Con los años vas aprendiendo a ser más selectivo y acertivo en las metodologías y, aunque siempre hay apertura para dejar aparecer elementos sorpresa, aprendés a utilizar métodos más eficientes para aprovechar mejor el tiempo de experimenta.

“Siempre hay apertura para dejar aparecer elementos sorpresa, pero aprendés a utilizar métodos más eficientes para aprovechar mejor el tiempo de experimentación.”

_¿Es más importante el proceso que la obra resultante o la joya es lo principal porque es la que representa la idea?

_En mi caso, el proceso es fundamental y eso tiene un resultado que muchas veces deriva en una obra, la cual es también importante para entrar a la siguiente fase que es el diálogo entre la obra y el público; entonces se encuentra ese lado mágico-racional en el cual hacés sentir a la gente algo con tu trabajo por medio de tus formas, texturas, colores, o la expresión que decidiste usar para tus piezas.

No sabés la cantidad de comentarios que he tenido durante años sobre lo que la gente ha llegado a sentir… Un día, una persona me contactó para que le hablara un poco de mi obra porque decía que hacía tres días que no podía dormir por lo que movió en ella; que cuando cerraba los ojos le venía la imagen de mi pieza y eso la llevaba a pensar miles de cosas. Al final no quise explicarle la obra pero sí hablar de lo que ella sentía, y fue una conversación tan interesante que terminó comprando la pieza y me aclaró que no la iba a usar como pieza de joyería sino como un amuleto en su casa. Esos son los momentos que la pieza toma vida propia, y el elemento principal depende de la interpretación del espectador; tenemos que saber que cada uno lo interpreta de manera diferente. La gente lee o debería leer la pieza artísticamente y, al tratar de entenderla, surgirían preguntas, pero eso es un momento íntimo entre el espectador y la pieza, y el artista aquí ya no tiene protagonismo. El resultado es importante porque es el vehículo de comunicación. Esto puede ser una joya, pero también una alusión a una joya, o un objeto que parezca una joya, o la idea de lo que creemos que es una joya, y así es como la importancia de los factores va cambiando en el proceso creativo.

_¿Cómo es posible que convivan y sobrevivan en una pieza de joyería elementos tan distintos en textura, cuerpo y durabilidad como la cartulina, la plata, el oro, la porcelana y el hilo de algodón, o el cartón, la plata y la porcelana, entre otros? El secreto es que pierdan su esencia y pasen inadvertidos?

_Si te referís a la joyería en general diría que los primeros indicios provienen de África. En donde se encontraron cuentas perforadas de concha de caracol marino que datan de 75.000 años, las cuales fueron encontradas en las cuevas de Blombos. También en Kenia, en Enkapune Ya Muto, fueron halladas cuentas hechas de cáscara de huevo de avestruz con una antigüedad de más de 40.000 años. Mencionado esto respondo a tu pregunta: es posible que convivan y sobrevivan estas piezas porque fueron hechas con toda la intuición posible por el uso de los materiales. Después, las primeras piezas hechas con cobre datan de aproximadamente hace 7000 años. Y así poco a poco se fue dando valor a los materiales y a las piezas, algunas eran relacionadas con rituales, con la religión, el estatus, el poder, por mencionar algunos elementos.

Pero si te referís a la joyería contemporánea, en lo personal uso materiales naturales por su origen, por su temperatura, por su simbolismo. Es parte de mi diálogo y de mi proceso. Me gusta hacer uso de estos materiales y de técnicas simples que se vuelven complejas, pero nunca uso materiales artificiales o nuevas tecnologías.

Nunca la intención es que los materiales pierdan su esencia pero su transformación sí es esencial, y ésta le da valor intrínseco a las piezas. En la actualidad, cada quien está a la búsqueda de un material, de una expresión en la revalorización de éstos, y esto va mucho más allá del valor del material como tal, le da el valor artístico a las piezas; allí entra la autocrítica y el compromiso con la propuesta artística de cada uno, es decir, si la expresión conseguida es suficiente o si e puede expresar más y cómo.

“Nunca la intención es que los materiales pierdan su esencia pero su transformación sí es esencial, y esta le da un valor intrínseco a las piezas.”

_¿Algunas de tus piezas parecen no estar terminadas, es para mostrar tu proceso de trabajo?

_Bajo los parámetros de joyería clásica, una pieza terminada tiene que estar pulida y brillante, pero yo me manejo con conceptos diferentes. No hablo de diseño y estética sino de expresión y arte. Mis piezas están terminadas y no tiene que ver con dejar ver el proceso; muchas veces se pueden ver trazos de algún proceso que en realidad nunca existió y así es como expreso mis temas; sobre todo en cuanto a las texturas que juegan un papel muy relevante en mi trabajo; como ya mencioné las formas y el uso de materiales relacionados con mi concepto también lo hacen.

El reto es el uso de diferentes materiales y generar texturas o expresiones de un material que ya es fuerte y bello por sí mismo, sobre todo, en cuanto a materiales naturales. El resultado de mis piezas y cómo se ven está siempre basado en decisiones que tomo después de repasar todo mi proceso de desarrollo.

“La manera en cómo se ven mis piezas está siempre basado en decisiones que tomo después de repasar todo mi proceso de desarrollo.”

_¿Dibujás antes de crear una joya? ¿Cómo son tus dibujos?

_Dibujo de manera regular, nunca dibujo representaciones de joyas o planeo las piezas porque nuevamente hablaríamos de diseñar, y al diseñar no hay espacio para el efecto sorpresa del proceso creativo. Mis dibujos son muy intuitivos, emocionales y son representaciones de un estado mental y emocional que tiene que manifestarse. Son principalmente abstractos pero cargados de muchos aspectos. Han sido y serán una constante en mi obra, y podría que decir que mis dibujos son el área gris donde se encuentran aspectos racionales, conceptuales, emocionales y mucho más. El dibujar me libera muchas barreras que se van formando mentalmente y me dejan ver las mismas ideas de una forma mas sublime. La percepción cambia.

En la exposición final de mi doctorado mostré una selección de aproximadamente 400 dibujos que realizaba a manera de ejercicio casi diario para bajar la información. Y así podría mostrar casi de cada serie, pero no es que dibuje las piezas sino que expreso la información teórica y mis sentimientos de una manera más espontánea e intuitiva.

“Mis dibujos son el área gris donde se encuentran aspectos racionales, conceptuales, emocionales y mucho más.»

 

_¿Estás investigando otros formatos, cuáles? ¿La escultura?

_Sí, pero no es algo nuevo, trabajo formatos más grandes desde hace muchos años, porque, como mencioné, la joyería es una de las muchas expresiones que uso; escultura, objetos e instalaciones siempre tienen una relación con mi trabajo; a veces investigo una forma y una idea comenzando con una pieza grande y de allí voy abstrayendo elementos hasta quedarme con los que considero importantes para reducir el formato y hacer piezas de joyería.

Nunca diría que hago escultura portable porque, como escultor, se que hay muchos elementos que no están presentes en la joyería y viceversa. Aunque mucha gente ve mi trabajo como escultura, a través de los años he ido posicionando mi trabajo y hoy con certeza digo que no son esculturas.

“No hago escultura portable.”

_¿Tenés proyectos en Argentina o con argentinos, cuáles son?

_Hace dos años tuve la fortuna de haber sido invitado por Joyeros Argentinos como jurado internacional de premiación de la Bienal Latinoamericana de Joyería Contemporánea, que por diferentes razones me pareció una idea increíble, además de que me daba la posibilidad de compartir toda la información posible con la gente de Argentina. En el 2012 fui invitado por Francisca Kweitel a participar como tallerista, expositor y conferencista en la primera edición del Simposio en Construcción, una experiencia que me gustó mucho. Siempre quise regresar y   fue en 2018 cuando pude volver a Buenos Aires.

Decidí entonces ofrecer un taller para interesados y terminé involucrado con un grupo que hoy se llama colectivo Caracú, y surge de los talleres a largo plazo en los que guío y tutoreo a los participantes de forma grupal e individual durante casi dos años; tiene encuentros presenciales y a distancia (digitales), ya menejaba este formato antes de la pandemia. Este taller ha sido una experiencia increíble, llena de tranformaciones y resultados, de los cuales estoy muy orgulloso, por que cada artista involucrado -16 en total- mostraron una y otra vez su compromiso con este proyecto. Muchos de los trabajos realizados en este taller fueron seleccionados y exhibidos en exposiciones internacionales en diferentes países, como Hungría, España, China y otros. El paso siguiente previsto era exponer en la semana de la joyería en Atenas, también en Schmuck en Munich y en Buenos Aires, todo fue cancelado por el COVID 19. Sin embargo seguimos trabajando y tenemos encuentros en los que estamos resolviendo cómo darle nueva vida y visibilidad a los resultados.

Por otro lado, estoy por dar dos talleres en línea también gestionados por Joyeros Argentinos y, en cuanto pase esta situación tan incierta, tenemos planes para realizar algunos talleres presenciales y otras ideas que están en conversación. También, tengo la intención de moverme a otras provincias en Argentina, había comenzado a conversar antes de la pandemia pero quedó en espera. Argentina es un país que me ha sorprendido y fascinado, así que comenzó a volverse un tipo de hogar para mí. Fui recibido muy cálidamente, además de haber recibido innumerables muestras de respeto por mi trabajo y compromiso con mis proyectos; estoy más que agradecido y siempre será un placer poder seguir haciendo proyectos allá.

“Argentina es un país que me ha sorprendido y fascinado, así que comenzó a volverse un tipo de hogar para mí”.

Foto de Jorge Manilla: Gentileza Arturo Haro

_Como docente compartía con sus alumnos sus procesos creativos, hoy ¿a quién hace partícipe? y ¿cómo es su proceso creativo?

_Cuando me propusieron para enseñar en la Escola Massana, en 1978, lo primero que me pregunté fue ¿qué sabía yo? La técnica, el oficio, no era una de mis fortalezas, había gente mucho más preparada y más competente en este campo. Pero en lo que sí me sentí capaz, era justamente en que podía compartir con los estudiantes, mis experiencias y procesos de creación. Experiencias que venían claramente definidas y dirigidas por la filosofía de entender que la joyería, al menos para algunos, debía ser considerada como un medio artístico porque compartía los mismos valores universales del arte y de la creación.

Una joyería que no era ni comercio, ni diseño, en el sentido de crear formas con bajo valor simbólico. Quería compartir la idea de entender la práctica de la joyería como una forma de hacer arte, que tiene su origen en la experiencia interna de cada uno y de vivir la extraordinaria aventura de materializarlo en el contacto con la materia.

Cada nueva obra surge de la anterior, como un reto a ser superada, mejorada. El compromiso de intentar, como mínimo, volver a conseguir lo alcanzado en el anterior trabajo, con la esperanza de que quizás será posible llevarlo un poco más allá del horizonte entrevisto. Es un proceso guiado por la intuición, en el que primero viene el sentir. Un sentir inseguro e indefinible, como escuchar una voz casi inaudible que nos habla desde las profundidades de nuestro ser. Esto pone en movimiento mis manos, mi mirada, mi cuerpo. Cualquier medio es bueno para empezar a hacer visible lo invisible: el dibujo, el collage, el ensamblaje, los materiales, las pinturas, las técnicas, todo se incorpora en un proceso que une irremediablemente el hacer con el pensar. Es, como he dicho muchas veces, pensar con las manos. Un proceso de creación que nos posibilita la experiencia de reconocernos a nosotros mismos a través de la obra creada, y de instaurar un poco de poesía en un mundo que a veces es demasiado materialista.

Y al final, con la obra ya acabada, nunca antes, viene la reflexión, la teoría. Viene el proceso de evaluación, de si el trabajo realizado se ajusta o no a lo que esperábamos, aunque lo que esperábamos no lo hubiéramos sabido definir con precisión. Si sentimos que el trabajo nos sorprende mostrándonos una parte desconocida de nosotros mismos, o no. Y es el momento de recomenzar, nunca se acaba, es como una obsesión ineludible.

Para mi proyectar y construir significa vivir la emoción de unos instantes de plenitud. Con las obras intento compartir con el espectador este proceso vital. No tanto la obra acabada, que no lo está nunca, sino esa experiencia vivida, de intima libertad que es el proceso creativo.

“El proceso de creación nos posibilita la experiencia de reconocernos a través de la obra creada y de instaurar un poco de poesía en un mundo que a veces es demasiado materialista”.

_Cuando crea una pieza, piensa ¿cómo se sentirá la persona que la use?, si es que la hace para que alguien la lleve.

_Uno de mis poetas preferidos, Paul Valery, decía en sus Cuadernos, que es necesario trabajar para alguien y no para todos. Es necesario apuntar hacia alguien y, cuanto más claramente, mejor será el trabajo y el rendimiento de ese trabajo. La obra del espíritu solo está completamente determinada si hay alguien ante ella. El que se dirige a alguien se dirige a todos. Pero el que se dirige a todos no se dirige a nadie.

Cuando estoy trabajando, mi compromiso como joyero hace que siempre tenga presente a un posible destinatario de la obra, no sé quién es, no puedo visualizar su rostro, pero sé que está ahí, viviendo en algún lugar del mundo, quizás muy lejos geográficamente y lejos de mi entorno cultural, quizás incluso deberá pasar mucho tiempo, pero allí está el destinatario esperando el encuentro predestinado con la pieza. Me gusta pensar que a través de ella se establecerá una complicidad fraternal y, que de alguna manera, será coparticipe de la creación de la pieza a través de la interpretación y la lectura que haga. En última instancia mi deseo es que instaure un poco de felicidad y plenitud en su vida en la forma de un objeto “extraordinario”, es decir, fuera de lo ordinario.

“Me gusta pensar que a través de mi obra se establecerá una complicidad fraternal con un destinatario y, que de alguna manera, será coparticipe de la creación de la pieza a través de la interpretación y la lectura que haga.”

_¿Qué le interesa transmitir con sus obras?

_Posiblemente muchas más cosas de las que estoy consciente o soy capaz de explicitar. En términos generales, transmitir la idea de una joyería más democrática, que no haga distinción de género entre hombre y mujer. Hacer crecer en las personas el deseo de hacer algo creativo con las manos. Trabajar creativamente con las manos nos humaniza y es una gran señal de civilización, que nos une a todos los hombres y mujeres.

Pablo Neruda decía de forma poética que las manos construyen cada día el mundo. También frente a un mundo de lo efímero y de obsolescencia programada pretendo transmitir el valor de lo perdurable. Un objeto sin valor se puede tirar, pero un objeto cargado de valores es más probable que perdure en el tiempo. Recordar que necesitamos el arte para poder seguir hablando de aquellas cosas que las palabras no son capaces de expresar, y que el mundo de lo simbólico nos puede ayudar a reestablecer la armonía con el universo que nos rodea.

_Se advierte que sus obras son pequeños cuadros, por cierta dimensión tridimensional, ¿es correcto? ¿Cómo es esa tridimensionalidad y por qué?

_Sí, es cierto. De hecho cuando ingresé en la escuela de arte mi idea era hacer pintura o ilustración. Tengo más facilidad para la línea y por muchos años he seguido la tendencia natural de construir el objeto como una superposición de planos, pero sin un concepto realmente tridimensional. Se puede decir que las obras tenían solo una visión frontal. Pero un día decidí afrontar el reto de incorporar los valores del volumen al lenguaje expresivo, y acercarlas más a lo que podríamos definir como esculturas portables, que aunque como broches siguen teniendo un delante y un detrás, en el fondo se pueden percibir como un volumen completo.

Recientemente, el uso de la técnica del esmalte, que es una técnica fundamentalmente pictórica, me ha devuelto un poco a una cierta bidimensionalidad. Pero lo importante es que una joya siempre es un objeto en sí mismo, nunca una representación de otra cosa.

“Un día decidí afrontar el reto de incorporar los valores del volumen al lenguaje expresivo, y acercarlas más a lo que podríamos definir como esculturas portables”.

_¿Qué importancia tienen los materiales en la joyería? y ¿cuáles prefiere o usa para crear?

_Hablar de joyería es hablar de materiales. Hoy está muy generalizada la permeabilidad y la fusión entre diferentes disciplinas, pero ninguna como en la joyería. A diferencia de otras disciplinas, la joyería entendida como un fenómeno amplio, viene definida por su función, no por su material de base, como ocurre en el caso de la cerámica o el vidrio.

Las primeras y más ancestrales manifestaciones de cultura humana están relacionadas con el uso de huesos, plumas, conchas y todo tipo de materiales, a menudo también las pinturas y tatuajes sobre el cuerpo, que tenían una función vinculada con el pensamiento simbólico-mágico, nunca con lo puramente decorativo o funcionalista. Tenían la función simbólica de conectarnos con el mundo trascendental. Estos materiales de origen biológico o mineral provenían de la caza y la recolección, pero por su función de conectar con el mundo sobrenatural, también era importante que tuvieran un carácter extraordinario, fuera de lo ordinario y corriente.

En mi trabajo el material es muy importante puesto que condiciona las formas y las técnicas del proceso creativo y es la base física donde se sustenta el proceso reflexivo. Pero intento no dar ninguna relevancia al material o a una técnica determinada, solo trato de adaptar cada material a la narrativa y al discurso del momento.

A parte que no necesito ni quiero trabajar con los típicos materiales de la joyería convencional, no tengo predilección por ninguno, depende de cada momento. A veces el impulso creador se dispara por el encuentro casual con un determinado material, y a veces es el ojo selectivo que busca y elige. El simple acto de escoger, seleccionar ya es una forma de creación. Pero intento que este acto de elegir esté vinculado a la misma actitud de nuestros ancestros. Cuando corto una piedra, no solo corto piedra, estoy cortando una parte de la memoria geológica de la Tierra. Cuando recojo y selecciono plásticos de marea en la playa, no solo recojo bonitos y coloridos fragmentos o basura contaminante, recojo el lamento de los océanos.

“Intento no dar ninguna relevancia al material o a una técnica determinada, solo trato de adaptar cada material a la narrativa y al discurso del momento”.

_¿Qué opina de la aplicación de los avances tecnológicos, como la impresión 3D o la fusión por láser, en la joyería contemporánea?

_Para indagar sobre el mundo, sobre el universo entero, no hay diferencias entre los métodos o las técnicas que se use. Todo depende de la inteligencia y de la cantidad de neuronas implicadas en el trabajo.

Una vez Silvia Walz y yo hicimos el ejercicio de pasearnos por los museos con la mirada puesta en aquellos objetos creados en la era pre-3D, pero que asombraban por la complejidad formal y técnica, y descubrimos que en ocasiones el dominio del oficio y la mano humana eran capaces de igualar o superar a la máquina. Me parece una tecnología muy interesante para facilitar ciertos procesos, sobre todo de producción industrial y de diseño, pero si entendemos la práctica del arte como un modo de adquirir sabiduría, prefiero la simplicidad, la lentitud y el pausado gesto físico de tocar la materia con las manos y a ser posible con el mínimo de intermediarios posibles.

“Prefiero la simplicidad, la lentitud y el pausado gesto físico de tocar la materia con las manos.”

_¿Reconoce alguna influencia artística en su trabajo?

_A lo largo de mi carrera esporádicamente he realizado algunas piezas en homenaje y reconocimiento hacia algunos colegas joyeros como Mario Pinton, Manfred Bischoff, o escritores como Italo Calvino, Maria Antònia Oliver, pero desde hace unos meses he decidido ampliar estos reconocimientos en una serie titulada “Homenajes”. Es a la vez como un trabajo de introspección y desvelamiento, de confesión y de agradecimiento.

Descubrí y entendí lo que podía llegar a ser la joyería gracias al conocimiento de joyeros de principio del siglo XX, como René Lalique, o las joyas del Wiener Werkstätte, especialmente los diseños de Josef Hoffmann, pero también más directamente, de joyeros catalanes como Manuel Capdevila o Ramon Sunyer. Ellos y algunos más fueron los precursores de anteponer los valores del arte al de los materiales lujosos. Por supuesto la emoción de descubrir el trabajo de pioneros en la segunda mitad del siglo XX, como Hermann Jünger, Friederich Becker o Anton Cepka, marcaron el sentido de este camino iniciado.

_¿En qué está trabajando ahora?

_En la serie de Homenages, que dedico cada una de las piezas a algunos creadores y científicos que me han inspirado artística e intelectualmente. Personas con las que comparto algunas de sus ideas o que siento por ellos un profundo respeto. El matemático Marcus du Sautoy y el bioquímico Jaques Monod, me han estimulado a preguntarme por el misterio del acto de creación artística, sobre la belleza, la simetría y la importancia del azar, tanto en los procesos creativos como también en los procesos de contemplación de la obra artística. Me han ayudado a tomar conciencia de que los números, las matemáticas, la música, la palabra y la imagen están profundamente conectados con el arte.

Alexander von Humboldt, geógrafo, explorador, naturalista y humanista, es un ejemplo de cómo debe emprenderse el acto de creación, como una aventura impulsada por una inmensa curiosidad por comprender los fenómenos del universo físico que nos rodea, al igual que el arte trata de comprender los fenómenos de la esfera trascendental.

Músicos como J.S. Bach que me ha acompañado como un estímulo permanente en la búsqueda de la perfección, la complejidad compositiva, y la trascendencia espiritual, más allá de la religión. O por el contrario, la música precursora del minimalismo musical, el compositor Erik Satie. También argentino José Luis Borges con su capacidad de fabulación para desdibujar los límites de la realidad y la ficción. Y muchos más, como Henri Bergson, John Berger, Fernando Pessoa, Mircea Eliade, Constantin Brancusi, poetas como Paul Valéry, Joan Salvat Papasseit, Konstantino Kavafis… en fin también hay muchos padres intelectuales anónimos, como los artesanos que creaban con sus manos los fantásticos y emocionantes objetos que suelo descubrir en los museos arqueológicos y de antropología de todo el mundo. El conocimiento y la comprensión de la herencia cultural del pasado es lo que me ayuda a comprender el presente, da sentido a lo que hago ahora, y a entrever hacia que horizontes dirigirse.

“El conocimiento y la comprensión de la herencia cultural del pasado es lo que me ayuda a comprender el presente y entrever el horizonte”

_¿Qué hay que saber para conocer a Ramón Puig Cuyàs?

_No lo sé, si lo supiera me podría conocer a mí mismo. Creo que no es tan importante conocerme a mí, como que el espectador o posible portador de la joya se descubra y se conozca un poco más a él mismo, no completamente, por supuesto, pero sí en algún aspecto que compartimos y que quizás nos solidariza y nos hace un poco cómplices ante la contemplación del mundo y la experiencia de sentirse vivos.

“Es más importante conocer al posible portador de mi joya, la cual puede hacernos un poco cómplices.”

_¿Cree que ud. contribuyó al cambio de paradigma de la joyería? ¿Por qué?

_Honestamente creo que sí, aunque no sé exactamente en qué medida. Seguramente ha influido mucho la autoridad que confiere haber estado dando clases de proyectos y creación a muchas generaciones de estudiantes, algunos de los cuales a su vez han pasado a ser profesores en otras escuelas de Cataluña y en otros países, diseminando las ideas y las filosofías recibidas en La Massana. También a través de innumerables seminarios impartidos desde los años 80 en muchos países y universidades pueden haber contribuido a la diseminación de las ideas que desde un principio impulsaron conscientemente mi proyecto vital y mi actividad como artista.

Y por supuesto con la difusión de las casi 2000 obras realizadas con persistencia y perseverancia a lo largo de 50 años puedo pensar que en algo han contribuido al cambio de paradigma. Pero también he de confesar que me siento un poco desalentado, porque no se ha sabido transmitir este cambio a capas más extensas del tejido social y cultural. Al final todo parece reducido a un pequeño mundo muy endogámico y familiar.

“Por mis casi 2000 obras realizadas con persistencia y perseverancia a lo largo de 50 años puedo pensar que en algo he contribuido al cambio de paradigma.”

_¿Qué le permitió la joyería como artista?

_A principios de los 70 la joyería todavía daba la sensación de ser un campo inmenso en el que había mucho por explorar y redefinir, esto me permitió trabajar con un gran sentimiento de libertad. También al ser un medio artístico que quedaba un poco fuera de los grandes intereses del mundo del arte, me permitió afrontar el trabajo creativo con una total independencia que quizás con otro medio de expresión no habría sentido. Para mí la joyería es un medio ideal para acercar los valores del arte contemporáneo y de la función simbólica a la vida cotidiana de las personas, sacando el arte de los grandes templos que son los museos para incorporarlo a la vida íntima y personal.

También valoro mucho que al ser un trabajo de construcción de pequeño formato, y una técnica relativamente simple, me permite controlar todo el proceso de trabajo desde la idea inicial hasta la conclusión, sin necesidad de colaboraciones o de grandes talleres. Me gusta trabajar solo, en un espacio que es taller y al mismo tiempo lugar de vivir. También, aunque esto no es patrimonio exclusivo de la joyería, me ha permitido sentirme conectado a través de una especie de hilo rojo, con todos los hombres y mujeres que antes que yo han encontrado placer y se han sentido realizados con el trabajo de sus manos con actitud creativa, desde la prehistoria y proyectándose hacia el futuro. El trabajo creativo con las manos humaniza. Me gusta el proceso artesanal, la palabra artesanía, originalmente significaba “fuerza activa y poder”. Una fuerza y un poder que se obtiene en este caso, del domino absoluto sobre los conocimientos, las ciencias y las técnicas inherentes al oficio de joyero.

“La joyería es un trabajo de construcción de pequeño formato, y una técnica relativamente simple, que me permite controlar todo el proceso de trabajo desde la idea inicial hasta la conclusión, sin necesidad de colaboraciones o de grandes talleres.”

_¿Qué piezas definen su trayectoria?

_Es difícil de responder, quizás las más emblemáticas son la serie figurativa de Senyors i Senyores de segunda mitad de los 80, o la serie radicalmente escultórica y abstracta de Net-work, no lo sé. Pero sí que a veces una pieza desvela de golpe toda una serie de nuevas posibilidades que me permiten salir de un trabajo que quizás está ya muy controlado y necesita afrontar nuevas complicaciones y dificultades, que me devuelva a la aventura de lo inesperado y lo no previsto. Este sería el caso de las primeras experiencias con el esmalte de la serie Suite de Dresden o una pequeña serie y poco conocida, empezada en Portugal utilizando como material base el corcho, Corpus Architectae, que fue el inicio para trabajar con los valores y las dimensiones del volumen.

_¿Cómo se consigue que una obra sea o represente el sentimiento de su autor? ¿Este podría ser el objetivo?

_Por supuesto el objetivo de toda obra de arte es que sea un reflejo, que encarne los sentimientos, emociones y deseos del artista. También a través de él, las ideas y las concepciones de la sociedad donde trabaja y los de su tiempo histórico. Cuando hablo de obra, generalmente me refiero al conjunto de obras, al corpus realizado durante un largo período, quizás de toda su vida como artista. En una pieza sola, quizás es difícil de percibir ese substrato profundo. Una pieza nos debe tocar, emocionar, seducir, de una sola mirada o lentamente en el tiempo, pero es en el conjunto de la obra que muestra una imagen fiel de la vida y las experiencias del artista. Para conseguir esto solo hay una fórmula: la verdad y la honestidad, no sirve la impostura. Trabajar creando un silencio interior que permita escucharnos a nosotros mismos, y que nos permita acceder a la fuerza impulsora necesaria para la creación, y con voluntad artística.

“El objetivo de toda obra de arte es que sea un reflejo, que encarne los sentimientos, emociones y deseos del artista, las ideas y las concepciones de la sociedad donde trabaja y los de su tiempo histórico.”

_¿Qué se debe esperar de una obra de joyería contemporánea?

_Bueno, en principio debemos esperar lo mismo que de una buena y gran obra de arte contemporáneo, o de música, o de literatura, ni más ni menos. La única diferencia es que el objeto sea potencialmente llevable, es decir, portátil a escala del cuerpo. Si no es portátil puede que sea un objeto interesante, un objeto de vitrina, una escultura que habla sobre el fenómeno de la joyería, o incluso puede ser una idea sobre la joyería y el ornamento humano, un trabajo de arte conceptual, pero esto ya será otra cosa.

“Que sea potencialmente llevable, es decir, portátil a escala del cuerpo.”

_¿Una pieza de joyería contemporánea es artística? ¿Qué la distingue? ¿Qué diferencia tiene con la joyería de diseño?

_No necesariamente, se puede ser contemporáneo sin ser artista, y ni siquiera un creador. Contemporáneo es todo aquello que se adecua a los valores sociales y culturales de su momento histórico. Muchas veces vemos creaciones que responden a sensibilidades del pasado, son anacronismos, como lo es la mayoría de la joyería convencional que vemos en las grandes firmas de joyería.

También hay creaciones de joyería y otras artesanías que reflejan la pertenencia a una tradición cultural étnica, más o menos vigente y que creo que hay que preservar, aunque su voluntad sea más la de conservar la memoria y la identidad cultural que la de innovar, y muchas veces cuando intentan adecuarse a la “modernidad” hacen un estropicio.

A menudo la palabra “contemporáneo/a” me suena a vacío de contenido, una vacuidad que define y que compromete muy poco. Lo mismo me ocurre con “diseño” que se usa como palabra comodín para todo.

Yo prefiero utilizar la denominación de joyería de arte, porque determina claramente que hay una voluntad artística en el trabajo. Parafraseando a Alberto Giacometti, una joya “no es un objeto, es una interrogación, una pregunta, una respuesta”.

La joya de arte no tiene nada que ver con ganarse la vida o con las luces del aplauso público. Más bien tiene que ver con la voluntad de rebeldía, de transgresión, de inconformismo, de intentar instaurar un orden donde hay confusión. La joya de arte es un auténtico fragmento de la experiencia interna y profunda de su autor y en la que se siente reconocido. Nace de una íntima y obscura necesidad de conectar con lo trascendental. En definitiva, se ocupa de los mismos problemas universales del arte y busca la complicidad emocional con el espectador-portador de la joya. Una complicidad que ha de provocar el placer de sentirse coparticipe de la creación de la joya.

La joyería de diseño, para mí es aquella que utiliza el método racional, que rechaza el azar y lo imprevisto, sigue pautas y leyes, las exploraciones se hacen siguiendo las directrices marcadas por un briefing previo. El método y la razón son las herramientas principales de trabajo. Aspira a la regla y al sistema. El concepto dirige el proceso. La joya de diseño es más un producto del pensamiento que de los sentimientos. La joya de Arte es un producto de la intuición y de las mociones subjetivas. Generalmente las joyas que aspiran a ser un discreto ornamento, un complemento amable y trivial de la indumentaria se adaptan bien para ser diseñadas y producidas en serie.

“La joya de arte es un auténtico fragmento de la experiencia interna y profunda de su autor y en la que se siente reconocido.”

_¿La joyería contemporánea es una manifestación cultural de nuestro tiempo?

_Si es auténtica joyería contemporánea por supuesto que debería reflejar como es la sociedad de su tiempo, de nuestro tiempo. Una sociedad sumida en una compleja y profunda crisis, de desigualdades sociales, de pérdida de derechos humanos y democráticos, y al borde de una catástrofe medioambiental. Si no es capaz de ser un reflejo de esta situación, entonces es que trabaja justamente al lado de las fuerzas destructoras y narcotizantes. Pero yo creo que la joyería, la de arte, no tiene que conformarse con ser un mero reflejo de la contemporaneidad, como si fuera un cronista desapasionado, esto es fácil de hacer y está al alcance de cualquiera. La joyería artística tiene la obligación de denunciar, de criticar y sobre todo de adelantarse a lo contemporáneo, avanzarse a su tiempo. Igual que como artistas individuales, nos proyectamos y autoconstruimos nuestro futuro a través de nuestras creaciones, también el artista como ser social debe proyectarse hacia nuevos horizontes y alumbrar posibles construcciones y utopías de futuro, contribuyendo como siempre lo ha hecho el Arte, a la cohesión de la humanidad.

“La joyería de arte, no tiene que conformarse con ser un mero reflejo de la contemporaneidad, como si fuera un cronista desapasionado, esto es fácil de hacer y está al alcance de cualquiera. Tiene la obligación de denunciar, de criticar y sobre todo de adelantarse a lo contemporáneo, avanzar a su tiempo”

_¿Hay diferencias entre una joya de arte para museo y la joya como accesorio para llevar en el cuerpo?

_Es como si nos preguntáramos si hay diferencias entre una pintura de Mark Rotko, por poner un ejemplo, en un museo o en casa de un particular. Por suerte, yo no conozco ningún caso de un museo que haya encargado una joya para sus colecciones. La obra no cambia, pero sí que el contexto puede hacer variar la función, la percepción y las interpretaciones. Como ya escribí en un texto para el Museo del Diseño de Barcelona, el destino y la finalidad última de una joya es la de ser llevada sobre un cuerpo. Una joya encerrada en la vitrina de un museo se transforma en otra cosa.

Pero a pesar de todo una joya dentro de una colección bien estructurada y a partir de unos criterios bien definidos puede adquirir una nueva función, como favorecer la articulación de discursos transversales entre diversas manifestaciones de la joyería y también con otras disciplinas. Impulsar el estudio y la investigación académica sobre las claves que marcan las diferentes tendencias de la joyería, y sobre todo divulgar des de una institución como es un museo, una importante realidad cultural, y estimular la creatividad y la innovación. Añadiría también la importante misión que tiene el museo como depositario y conservador de unas obras que a pesar de todo podrían correr el riesgo de desaparecer o permanecer olvidadas en el ámbito exclusivamente privado.

“El destino y la finalidad última de una joya es la de ser llevada sobre un cuerpo.”

_Las exposiciones de joyería crecieron exponencialmente en los últimos años y, en particular, en Argentina, los talleres-escuelas de joyería contemporánea tienen cada vez más estudiantes ¿está de moda la joyería contemporánea? ¿O por qué cree que se ve o aprende más?

_El fenómeno del aumento de escuelas privadas de joyería es inversamente proporcional a la existencia de escuelas superiores y facultades de arte que ofrezcan cursos oficiales de joyería en sus programas. En general en Europa y también en ciertos países de Asia, donde las universidades ofrecen cursos de grado, master y doctorado, no se da este fenómeno de manera tan acusada como en Latinoamérica, donde la única oferta, como mucho, es la de una materia optativa dentro de otros estudios. Estas escuelas privadas hacen una labor cultural y social muy importante, pero no pueden substituir la formación especializada y las competencias teóricas que se ofrecen en una facultad de arte, y estas deficiencias solo pueden ser compensadas, en algunos casos, por el talento personal, el esfuerzo y la perseverancia de algunos creadores.

Pero hay otra causa que es justamente la inversa. Ya hace años el crítico de arte Robert Hughes señalaba que en Estados Unidos la anexión de las enseñanzas artísticas a la universidad significo que la teoría se puso por encima de la práctica y la realización. Que tener grandes pensamientos acerca de las historias y las estrategias era más noble que el trabajo manual y el resultado fue un vuelco exagerado hacia lo conceptual. Esto es lo que justamente ha ocurrido en los últimos años en Europa. Algunos estudiantes, unos pocos, buscan talleres fuera de la universidad para poder continuar, complementar y ampliar su experiencia constructiva física y real.

Yo no creo que la joyería contemporánea este de moda y la artística menos todavía. Ni lo han estado antes, ni creo que por desgracia lo vayan a estar en un futuro. El problema es que somos una comunidad muy endogámica y nos da esta sensación.

Sí, mucha semana de la joyería por aquí y por allá, cientos de eventos a visitar, pero al final, ¿quién visita todas estas exposiciones? ¿Vemos público corriente en Munich? Yo no, solo amigos y conocidos, y por lo que sé, los habitantes de la ciudad ni se han enterado de que existe Schmuck después de tantos años. En Barcelona sucede lo mismo. Solo somos los mismos en todas partes, joyeros, muchos estudiantes, curadores incidentales y cuatro o quizás cinco coleccionistas que están al tanto de lo que se hace, pero siempre somos los mismos que nos vamos encontrando en las inauguraciones y en los distintos lugares donde va el circo. Relativamente, hay las mismas galerías que antes, es decir pocas. Algunas hacen un trabajo importante y llegan a tener una prolongada vida, con un programa expositivo coherente y a lo largo de todo el año, pero las más, aparecen y desaparecen sin mucha trascendencia. Creo que la situación no ha mejorado sustancialmente.

Yo pienso que no es que haya más estudiantes o más interés que antes, sino que hoy se viaja más, la globalización y las redes facilitan la visibilidad y la transmisión de la información, pero por desgracia siempre dentro de un mismo grupo, todo queda en familia. No niego que esto pueda despertar el interés en algunas personas por sumarse al mundo de la joyería contemporánea pero no de una forma relevante.

Otras disciplinas de las artes aplicadas como la cerámica, el arte textil, o el vidrio están más o menos en la misma situación, o quizás un poco mejor. Pero es que el ámbito de las artes aplicadas no es más que un pequeño y solitario satélite en la periferia del mundo de las artes plásticas que a su vez también tiene dificultades para sobresalir en un mundo dominado por los intereses mercantilistas del arte.

Pero no importa, creo que el arte no entiende de modas ni de reconocimientos multitudinarios, todo al contrario. Las personas con talento siempre encontrarán en el silencio y la soledad de su estudio la fuerza impulsora para seguir creando. Creando una obra absolutamente personal, única e inimitable, que a la larga con obstinación y perseverancia, provoque nuevas formas de acción y de pensamiento. Esto es lo único que importa.

“Crear una obra absolutamente personal, única e inimitable, que a la larga con obstinación y perseverancia, provoque nuevas formas de acción y de pensamiento es lo único que importa”.

“Todas aquellas materias primas de las cuales no tengamos claro de donde proceden, ya nos dejan una duda; y si existe la duda, la probabilidad de contaminación es del 99%”

“Contar con una cadena de suministros transparente es la clave para saber la huella que deja nuestra actividad”.