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Devociones domésticas

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Devociones domésticas

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“Vivir y sobrevivir 15 años entre la joyería de arte y la joyería de autor es un ejercicio constante de equilibrio y negociación. Son dos cabezas compitiendo por habitar un mismo cuerpo y tiempo, entrelazando mundos que intentaba sin éxito mantener separados hasta hoy que los reúno.

Mi joyería de arte nace de un universo interior y una necesidad por comprender las manifestaciones del amor: intrincada, familiar y doméstica. En ella, afectos, recuerdos y revelaciones se tejen en homenajes íntimos, resonando con la ternura y la protección del adorno popular de las casas de mis abuelas: honesto, devoto, laborioso y latinoamericano.

«Esta obra es una exploración constante de materiales y técnicas, dando vida a objetos que se inspiran en flores artificiales, vestimentas para artefactos, animitas, paños bordados y virgencitas.

«Joyas con más vida social que la mía, viajando por museos, galerías y publicaciones del mundo, regresando siempre al cajón de mis tesoros.

“En contraste, Casa Kiro Joyas surge del universo exterior, donde imaginarios del mar, el aire y la tierra construyen paisajes oníricos. Este mundo es ligero, colorido, alegre e intuitivo, con la resina como protagonista en múltiples formas y técnicas propias. Es una creación pensada para ser llevada por otras, donde el acto de soltar y dejar es parte del proceso creativo”, relata Vania Ruiz de la muestra «Devociones domésticas: una retrospectiva de dos cabezas» en la que expone “la historia ruidosa de mi joyería de arte, la historia silenciosa de Casa Kiro y las 3 piezas premiadas en la I, II y III Bienal Latinoamericana de Joyería Contemporánea de 2016, 2018 y 2021”.

Hasta el 4 de noviembre en la sala Bob Borowicz del Centro Cultural Montecarmelo, en el barrio de Providencia, Santiago de Chile.

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Vecinas

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Morpho

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Amalgama

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Picoroco Emperifollado

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Alboroto

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Amor doméstico

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Siempre viva


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Remiendos del alma histórica

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Remiendos del alma histórica

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“¿Cuántos caminos debemos recorrer antes de comenzar a encontrar respuestas a la interrogante universal del cómo nos habitamos?, ¿cómo funciona aquello que portamos dentro, eso que contenemos, eso que no tiene nombre, pero que en esencia nos constituye?, ¿cuánto mide y pesa?, ¿qué edad tiene?… ¿y cómo podemos llegar a proporcionarle los remiendos que necesita, para poder al fin existir?”, se preguntan desde el Estudio Honorato+Vicencio al presentar «Remiendos del alma histórica», la propuesta que también se estrena hoy en la IV Bienal Latinoamericana de Joyería Contemporánea.

Mariela Vicencio y Caco Honorato, curadores de la muestra, señalan que “la joyería contemporánea da cabida a una amplia formulación de nuevos cuestionamientos y replanteos sobre las distintas posibles relaciones existentes entre los objetos y los cuerpos.

“Desde la tradicional portabilidad material hasta la búsqueda incansable de diferentes posibilidades, la exploración libre nos lleva a encontrar un punto en común en relación a las potencialidades del desplazamiento del lenguaje. Una diversidad de medios acaba por concentrarse en trabajar con la subjetividad y el inconsciente de cada creador”.

Y destacan que esta muestra, “fruto del trabajo desarrollado por las creadoras del Taller de Creación Objetual del estudio de procesos creativos Honorato+Vicencio, es una búsqueda, un afán de conectar al cuerpo con la totalidad de sus sentidos.

Es un viaje metafórico a las raíces, un encuentro con los antepasados, con símbolos y tradiciones olvidadaslos cuerpos que construyen nuestras historias aparecen aquí como portadores de memorias

“Las obras están abiertas, el espectador es quien completa el proceso desde su propia lectura y experiencia, el espectador es quien da la última puntada y acompaña el último remiendo…”

La expo también se realiza en Veta Espacio Creativo y como todas las de Ruta Brava puede verse hasta el próximo jueves 10.

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Arrurrú de Annabella Rehbein

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Kala, el aroma del tiempo de Lorena Melo

El-cotidiano-infinito-Paloma-Espinoza-Remiendos-del-alma-histórica-Ruta-Brava-IVBienal-La-Joyeria-de-Autor

El cotidiano infinito de Paloma Espinoza

Tejiendo-hilos-para-exstencias-posibles-Brenda-Reggo-Remiendos-del-alma-histórica-Ruta-Brava-IVBienal-La-Joyeria-de-Autor

Tejiendo hilos para existencias posibles de Brenda Reggo

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La palabra perdida de Estudio Honorato Vicencio

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Durmiente de Alejandra Moreno

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Presente perfecto de Beatriz Calderón

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Hilando tiempos de Millale Cordero


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Aseo profundo

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Aseo profundo

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«Aseo profundo» remite a un ejercicio, a veces compulsivo, de limpiar hasta lo más recóndito de nuestro espacio o de nuestro ser para crear una nueva dimensión desde donde volver a empezar”.

“Se trata de una exposición que presenta las reflexiones de Paula Zuker, Pamela Cavieres y Carolina Hornauer, quienes indagan en el concepto de limpieza para llevarnos a explorar temas tan trascendentes como el genocidio, el paso del tiempo en el ser humano y el poder del tiempo en la transformación de la materia”, dice la historiadora del arte y museóloga Macarena Murúa R.

A partir de técnicas artesanales que expanden los límites de la joyería, como el arte textil, la porcelana y la talla en madera, cada pieza disloca las posibles lecturas preconcebidas desde una estética que nos atrapa en la confusión, ¿qué estoy observando?

“La limpieza es en sí un maquillaje, un autoengaño, que cobra cuerpo y sentido en esta exposición. Las formas creadas son solo espejismos de una dimensión que no somos capaces de dimensionar a simple vista. Ni mil puntadas de hilo pueden reflejar el dolor del ser humano, ni el manojo de pelo más denso puede dar cuenta del acelerado envejecimiento de las personas, ni la madera más firme puede prever el poder transformador de un cincel o un martillo”, explica.

Y añade que cada obra recibe “la carga de una experiencia personal, de obsesiones y miedos que determinan cómo observamos la realidad. Todas ellas constituyen un espacio expresivo multidimensional, que captura nuestra atención desde las formas y la delicadeza de su factura, y al acercarnos a sus detalles nos confrontan, nos incomodan.”

“Estas tres miradas abren múltiples realidades, donde el gesto denotativo de la forma actúa como bisagra entre el dolor y la asepsia, entre la belleza y el escalofrío, entre la naturaleza y el artificio. Así, cada pieza presenta historias dispuestas a abrirse y transformarse mediante las múltiples lecturas que se puedan hacer de ellas”, precisa.

Limpieza Étnica por Paula Zuker

“Lejos de hacernos tomar distancia, la mirada aérea nos permite dimensionar el tamaño de la catástrofe, la textura del abandono, el color del hacinamiento y la trama del daño. A partir de fotos tomadas con drones de distintos territorios actualmente habitados por poblaciones amenazadas, el bordado como una manera de estar presente”.

M de Materia de Carolina Hornauer Olivares

“Más o menos una vez al año, se hace necesario organizar y limpiar el taller, donde se amontonan piezas, acabadas e inacabadas. Se encuentran apiladas por todos lados y uno siente la necesidad de barrerlas como si fueran hojas secas, tratando de dejar solo lo esencial, como una necesidad de volver a empezar. La tabula rasa desde donde enfrentarse a la creación de una pieza de joyería desde su sentido más primigenio.

“Materia es todo aquello que ocupa un lugar determinado en el universo que posee una cantidad determinada de energía y está sujeto a interacciones y cambios en el tiempo. M de materia. M de mano. Madera, masa y metal. Amasijo, martilleo, manipulo y moldeo. La mano modela el material, lo golpea, lo corta, lo ablanda. Lo toma del natural. M de la joya matriz, el amuleto. Lo básico. Lo más básico, un despojo de lo innecesario. El aseo profundo de las teorías y las técnicas.

“Perforo 365 semillas de pelú. Tomo un tronco y tallo una cuchara, luego dos… recojo el polvo de plata de 20 años de trabajo en el taller, lo fundo y hago un lingote que golpeo hasta transformar en cuchara, luego en plato… el agujero crea una cuenta que adorna, y el cuenco nos da de comer. Mano, cuchara y un plato… La intuición me dice que repita. Repetición de los procesos en un estado meditativo. Martillar hasta que aparezca la forma, tallar hasta que aparezca el vacío ¿Transformación de la materia como símbolo de nuestra propia transformación?”

El azul de la distancia Pamela Cavieres

“En las cosas transcurre el pasar del tiempo. Limpiamos para cambiar el color que registra lo que ha pasado, interrumpiendo el tiempo circular que nos sostiene. El eterno retorno de la huella del cuerpo se quiere borrar con objetos de aseo en la obsesión de un nuevo comienzo… Miro hacia atrás, veo la imagen de mi pelo que siempre quise que fuera azul, eterna juventud. Mientras cierro los ojos, sueño con mis ondulantes pensamientos, ahora en una escala de grises que se irán desvaneciendo en la distancia de un cielo infinito”.

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Amazonia de Paula-Zuker

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Kutupalong Noche de Paula Zuker

Gaza-broche-bordado-Paula-Zuker-Aseo-Profundo-IVBienal-La-Joyeria-de-Autor

Gaza de Paula Zuker

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El azul de la distancia 3 de Pamela Cavieres

El-azul-de-la-distancia-collar-Pamela-Cavieres-Aseo-Profundo-Ruta-BravaIVBienal-La-Joyeria-de-Autor

El azul de la distancia 1 de Pamela Cavieres

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El azul de la distancia 2 de Pamela Cavieres

M-de-Materia-Carolina-Hornauer-Aseo-Profundo-IVBienal-La-Joyeria-de-Autor

M de Materia 1 de Carolina Hornauer

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M de Materia 2 de Carolina Hornauer

M-de-Materia-Carolina-Hornauer-Aseo-Profundo-IVBienal-La-Joyeria-de-Autor

M de Materia 3 de Carolina Hornauer


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Resignificación

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Resignificación

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Yael Olave es una artista de la resignificación. Desde niña fue capaz de descubrir el potencial oculto y nuevos valores en los objetos más diversos. Su conciencia medioambiental y su compromiso con los derechos sociales y el bienestar de las personas, la llevó a desarrollar una operación estética en el acto del reciclaje y la reutilización de objetos y materiales, convirtiéndolos en las joyas más insospechadas.

«A través de un trabajo de delicado ensamblaje escultórico sus obras invitan a ser parte de una cruzada mayor”, destaca la historiadora del arte y museóloga Macarena Murúa de la obra que la artista chilena presenta en «Resignificación. Dos décadas transformando objetos».

Una retrospectiva que se ve en el hall del Centro Cultural Montecarmelo, en el barrio de Providencia hasta este viernes 10.

La muestra se centra en la resignificación de elementos desechados, que transforma en joyas únicas.

Presenta una selección de 42 obras hechas a mano desde 2004, incluyendo proyectos como «Processing», «South Colors», «Estado Clínico», «Hábitat», «Hábito» y «Duno», con piezas buscan reflexionar sobre la belleza de lo reutilizado y la profundidad del trabajo artesanal.

“A través de ellas promueve una visión crítica y sostenible del arte y el diseño, cuestionando y reimaginando nuestro entorno”.

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Corazón atribulado

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Corazón translúcido

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Latido

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Duno IX

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Hábitat

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Duno VIII

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Quiltra


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Chi' xi: las tres caras de un broche

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Chi' xi: las tres caras de un broche

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“La palabra aymara ch’ixi designa a un tipo de tonalidad grisácea. Se trata de un color que por efecto de la distancia se ve gris, pero al acercamos nos percatamos de que está hecho de puntos de color puro: blancos y negros entreverados.

«Un gris jaspeado que manifiesta la potencia de atravesar fronteras y vincular polos opuestos de manera reverberante e indeterminada. Es una entidad que no puede definirse como blanca o negra porque reúne en su ser distintas condiciones”, explica la socióloga boliviana Silvia Rivera Cusicanqui.

A partir de esta idea, el colectivo joyero señala que de esa manera conviven y se expresan. Son Sudakas:  Rita Soto, Patricia Iglesias, Valeria Martínez, Yael Olave y Lorena Jarpa, de Chile; Ana Calbucci, Renata Meirelles y Mayumi Okuyama, de Brasil, y Fabiana Gadano y Mabel Pena, de Argentina.

“Creamos en y con las diferencias propias de cada una, no buscamos síntesis ni una expresión que nos unifique. Trabajamos en un magma de particularidades y hacemos de la polaridad nuestro tejido de apoyo y de fricción. Situadas en nuestra condición geográfica y social, aspiramos a la convivencia en la particularidad y apostamos a su potencia generadora de reflexión y crecimiento”.

Puntada que acerca y vincula partes

Las Sudakas, habitantes del Sur, elegimos el broche como campo de expresión. La metáfora de acercamiento y convivencia que representa, resuena en nuestro cometido de acercar partes, honrar la particularidad y crear, comunitariamente, un espacio y un tiempo. Este objeto de expresión es una puntada que acerca y vincula partes.

“Considerado desde lo funcional, surge en la antigüedad como un objeto utilitario para fijar y sostener paños en la vestimenta. Sin embargo, su constitución no se resuelve solamente como un alfiler que asegura pliegues y prendas de vestir sino que desde sus orígenes se la engalana con ornamentos y atributos de distinción.

El broche es el umbral que vincula nuestro límite de exterioridad corporal con el entendimiento y el espacio de un otr@. Es un objeto simbólico que actúa como una insignia, una señal que relata acuerdos, afirma pertenencias y crea complicidades”.

Las caras del broche

  • «Dūno XIII», de Yael Olave, hecho mediante reciclaje, ensamblaje, construcción y resina con plástico reciclado (bolas de desodorante roll-on y bombillas), bioresina, pigmentos, latón, plata y acero inoxidable.
  • «Estratos: Devastación y Humedales I»,de Mabel Pena, hecho mediante cera perdida y técnicas mixtas con bolsas de polietileno recicladas, plata 925, resina, filamento 3D y acero.
  • «Incubar 01», Rita Soto Ventura, hecho mediante tejido y micro cestería con crin de caballo, fibra vegetal tampico, acero y topes de goma.
  • «Renacer 2», de Valeria Martínez, hecho mediante filigrana y granulación con plata y la aleación de metales japonesa shibuichi.
  • «Memoria fragmentada», de Lorena Jarpa Leal, hecho mediante técnicas de experimentación y estampado con acrílico, resina y acero
  • «Camada verde», de Ana Calbucci, hecho mediante dibujado con lápiz 3D y pintado manualmente con pan pastel con filamento PETG, filamento TPU, pastel oleoso y plata
  • «Entre Nós 16», de Renata Meirelles hecho mediante corte por láser y montaje manual con tejido de fibra sintética, hilo de poliéster y cuentas
  • «Intermedio», de Mayumi Okuyama hecho mediante técnicas de fabricación con plata 950 y acero
  • «El susurro del viento», de Patricia Iglesias Scepanovic hecho mediante tejido a crochet, costura y bordado con algodón, lana y acero inoxidable.
  • «Umbrales I», de Fabiana Gadano, hecho mediante teñido, construcción, patinado y remachado con plástico PET reciclado de botellas, resina epoxi, alpaca y acero quirúrgico.

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«Camada verde»

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«Incubar 01»

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«El susurro del viento»

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«Estratos: Devastación y Humedales I»

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«Intermedio»

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«Umbrales I»

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«Dūno XIII»

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«Entre Nós 16»

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«Memoria fragmentada»


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Tránsitos Invisibles

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Tránsitos Invisibles

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«Tránsitos Invisibles» es una muestra que explora la crisis migratoria en el Darién en la frontera entre Colombia y Panamá y que se ve en el Hotel Magnolia, como parte de la Ruta Brava que se estrena hoy en Santiago de Chile..

Reúne a un grupo de artistas colombianos que utilizan materiales y técnicas de joyería para narrar las historias de quienes se aventuran a cruzar el Tapón del Darién en busca de un futuro mejor.

«La expo invita a los espectadores a reflexionar sobre la complejidad de la migración, la resiliencia humana y la necesidad urgente de solidaridad y comprensión.

“Las obras presentadas, desde piezas escultóricas hasta delicados tejidos, evocan las emociones, los desafíos y las esperanzas de los migrantes. A través de su arte, estos artistas nos recuerdan que detrás de las cifras y las estadísticas hay personas reales con sueños y anhelos” destacan desde la galería de Medellín Zamia que presenta esta propuesta en la IV Bienal.

Zamia es una galería itinerante, tanto física como digital, dedicada a presentar colecciones de joyería de autor y artesanía 100% colombiana. Su objetivo es mostrar el talento y el potencial del diseño colombiano en accesorios de lujo artesanal, consolidándose como una plataforma de exposición, circulación y comercialización de piezas coleccionables”.

Participan Liliana Zambrano, Elena Matallana, Patricia Acosta, Fernanda Arias, Johanna de la Cruz, Adriana Baldissi, Diana Rodríguez y Mauricio Flores.

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El viaje hacia lo desconocido de Johanna de la Cruz

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Riqueza quimbaya de Patricia Acosta

El-viaje-hacia-lo-desconocido-Transitos-invisibles-Darien-Zamia-Colombia-Ruta-Brava-IVBienal-La-Joyeria-de-Autor

En Movimiento de Fernanda Arias

Eleftheria-Liliana-Zambrano-Transitos-invisibles-Darien-Zamia-Colombia-Ruta-Brava-IVBienal-La-Joyeria-de-Autor

Eleftheria de Liliana Zambrano

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Metamorfosis para un mejor mañana de Diana Rodríguez

Fragmentos-Elena-Matallana-Transitos-invisibles-Darien-Zamia-Colombia-Ruta-Brava-IVBienal-La-Joyeria-de-Autor

Fragmentos de Elena Matallana


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Exposiciones en simultáneo


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Las formas del silencio

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Las formas del silencio

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“El ritmo del mar se acompasa al de nuestra sangre; el silencio de las piedras es nuestro propio silencio; andar entre las arenas es caminar por la extensión de nuestra conciencia, ilimitada como ellas; los ruidos del bosque nos aluden. Todos formamos parte de todo. El ser emerge de la nada. Un mismo ritmo nos mueve, un mismo silencio nos rodea”, reza Octavio Paz en «El arco y la lira».

Hay un momento en la creación en el que surge el silencio. Una inspiración profunda da forma a este espacio inesperado que aparece en medio del caos creativo, para plantear una pregunta: ¿qué es esto que se está construyendo?

“Cinco artistas, unidas por una sinergia particular, crean un universo marcado por los ritmos sutiles de este silencio. A través de sus lenguajes y estéticas personales, y utilizando materiales como plásticos, textiles, arenas y yeso, traducen su visión del mundo en obras que nos invitan a explorar los instantes misteriosos que componen la creación”, explica la crítica de arte Florencia Kobelt de «Las formas del silencio», muestra joyera que se inaugura hoy en Galería Buenos Aires Sur, Bolívar 1268, CABA. Puede verse de martes a viernes, de 13 a 18.

Otra de las propuestas que forman parte de la IV Bienal Latinoamericana de Joyería Contemporánea que organiza Joyeros Argentinos y Joya Brava.

Exponen Adriana Gómez, Cecilia Mortola, María Eugenia Ramos, Laura Leyt y Sabina Tiemroth.

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Laura leyt

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Cecilia Mórtola

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María Eugenia Ramos

Adriana Gómez

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Sabina Tiemroth

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Cecilia Mórtola


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Riesgos e imprevistos. Estrategias creativas a partir de la joyería de Caio Mourão

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Estrategias creativas a partir de la joyería de Caio Mourão

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En la década de 1960, artistas ajenos a las convenciones establecidas experimentaron con técnicas y formas inusuales cuyo impacto condujo a una ruptura epistemológica en la historia de la joyería.

Caio Mourão (Brasil, 1933-2005) fue uno de esos pioneros de este movimiento en Brasil, contribuyendo a esta ruptura estilísitca de esa década y, en los años 1980, fundó el Atelier Mourão en Río de Janeiro, que aún hoy inspira a las nuevas generaciones.

Hace un par de años la investigadora Ivete Cattani se dedicó a indagar sobre la obra de Caio Mourão, lo cual derivó en una serie de estrategias creativas arriesgadas e imprevistas lideradas por Cristina Filipe. En el atelier que fundara el maestro joyero se realizaron lecturas, debates, cuestionamientos y afinidades con la actitud y el trabajo de Mourão, también se dio la oportunidad de poder apreciar y manipular sus piezas -como las que se ven en la galería que se ve al pie de esta nota- para aprender de su técnica, y se sumó un trabajo de campo en el barrio de Ipanema que terminó por generar un documento a modo de réplica de la carta que Mourão enviara en 1963 a la Bienal de San Pablo pidiendo que se integrara la joyería a ese evento; desde entonces un grupo de joyeros de arte brasileños y extranjeros residentes en Brasil forman parte de la programación de esa bienal.

«La joyería es un grito, una protesta silenciosa que atraviesa el tiempo y el espacio«, decía Caio Mourão, para quien las joyas no eran solo un adorno sino una forma de comunicación activa que transportaba la esencia del usuario y las ideas que representa.

La exposición «Riesgos e imprevistos. Estrategias creativas a partir de la obra de joyería de Caio Mourão» reúne dos cuerpos de trabajo que incluye imágenes de las obras de Mourão e imágenes del proceso creativo de los participantes de dicho taller.

La muestra tiene como objetivo dar a conocer el trabajo de Mourão y los resultados innovadores de ese taller.

Participan Caio Mourão, Ivete Cattani, Miriam Andraus Pappalardo, Paula Mourão, Livia Mourão, Andrea Ferreira Borges, Cristiane Arenas, Cristina Filipe, Dalva Oriana, Francisco Garcia, João Pedro Vellaco, Lucia Abdenur y Matheus Guinle.

Un proceso creativo muy interesante que puede apreciarse la muestra virtual que se ve en la plataforma labienal.ar de la IV Bienal latinoamericana de Joyería Contemporánea.

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Al hueso

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Al Hueso

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“En las culturas nativas, los objetos tienen vida. Ser agua, ser tierra, ser hueso. La bióloga neoyorquina Robin Kimmerer cuenta su descubrimiento del idioma de sus ancestros. En la lengua de los potawatomi, la palabra bahía es un verbo: ser una bahía. Es un nombre sólo cuando el agua está muerta, atrapada. El verbo libera al agua y la deja vivir. Esta forma de estar en el mundo nos hermana con los seres no humanxs, nos compele a reconsiderar nuestras formas de estar y hacer con otrxs”, reflexiona Gabriela Nirino, integrante del colectivo Caracú, que hoy estrena «Al hueso», otra de las muestras de la IV Bienal Latinoamericana de Joyería Contemporánea que organiza Joyeros Argentinos y Joya Brava.

Desde el inicio de nuestro trabajo en grupo, en 2018, el hueso aparece como un ser que nos interpela. No es materia inerte. La idea de materia vibrante, activa, poderosa, se nos presenta con apabullante claridad. Atrae y repele. El hueso contiene en sí las energías de los seres que habitó, su alimento, su historia. Es oscuro, vivo. Intimidante.

“Con cuidadosa modestia nos propusimos trabajar con él para contar sus historias, no siempre sencillas. A veces encontramos desolación: restos abandonados, bosques destruidos, tierra y niñxs envenenadxs. Otras, ternura. Huesos que abrazan, sostienen, alimentan. Finalmente, relatos del hacer: herramientas, manos que tejen, tallan, modelan”, señala la artista joyera.

Y se apoya en las palabras del poeta y ensayista chileno Óscar Hahn: “Curiosa es la persistencia del hueso”, para afirmar que en las integrantes de este grupo joyero “es vínculo que se empeña en construir y reconstruir un lugar para ser con lxs demás. Nadie se salva solx”.

Son Caracú Gabriela Nirino, Laura Giusti, Paula Isola, Vicky Biagiola, Andrea Nosetti, Carmen Romero, Graciela Lescano, Hebe Argentieri, Lena Echelle, Marita Sario, Patricia Gallucci y Paula Botto Fiora.

«Al hueso» abre a las 18 en la galería de arte Pasaje 17, Bmé. Mitre 1559. Se podrá ver de visitar de martes a viernes, de 14 a 19.

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Gabriela Nirino

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Hebe Argentieri

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Paula Isola

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Graciela Lescano

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Marita Sario

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Patricia Gallucci

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Paula Botto Fiora

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Vicky Biagiola

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Carmen Romero