_¿Cómo surgió «Respirar, pensar, hacer de cuatro joyeros contemporáneos»?

Fabiana Gadano: _El puntapié inicial lo dieron Laura Giusti y Paula Isola del colectivo Joyeros Argentinos, al que pertenecemos, y nos propusieron exponer en este espacio, el Museo de Arte Popular José Hernández, y estamos muy agradecidos.

No es una retrospectiva sino una exposición panorámica. Nos parece un término más representativo, porque implica un panorama más amplio y no da idea de fin de ciclo. Es una muestra del presente hacia atrás y hacia adelante también, de un presente en el que estamos trabajando y en el que nos planteamos qué seguir haciendo de ahora en más.

Jorge Castañón: _Hay una característica de este grupo que es una necesidad imperiosa de cambio y evolución. Ninguno de nosotros se estacionó mucho tiempo en un mismo trabajo ni encontró una metodología en la que se quedó trabado, sino que en cada uno hay una curiosidad que está por delante, siempre se ve un avance y una búsqueda de algo desconocido, con un horizonte que se va corriendo. Y en nuestros trabajos se nota cómo cambia ese objetivo o cómo se tira la piedra más lejos para recogerla e ir más allá.

F. G.: _Somos conscientes de este camino y que los pasos deben ser pequeños para no perder el rastro de lo que fuimos haciendo. Por ejemplo, en lo personal, hice un nuevo trabajo en madera, material que nunca había trabajado, pero aunque lo percibo como algo foráneo ni se cómo relacionarlo con lo que venía haciendo sigo adelante aun teniendo la necesidad de volver a lo que hacía o conocía, porque se trata siempre de ir sumando algo nuevo que obligue a cuestionarnos sobre eso que aparece y así avanzar y crecer.

Graciela Lescano: _Sí, tal cual. Nuestro recorrido es una sumatoria de pasos que se acumulan, que se manifiestan y hacen que la obra sea dinámica, evolucione. Se trata de mostrar una búsqueda, una investigación que en un principio no estuvo definida pero que se fue descubriendo en el hacer. Un camino que venimos transitando, en el que tratamos de no estancarnos ni repetirnos, y que decidimos mostrar.

“Hay una característica de este grupo que es una necesidad imperiosa de cambio y evolución… en cada uno hay una curiosidad que está por delante, siempre se ve un avance y una búsqueda de algo desconocido”.

_¿Por qué una muestra grupal y por qué uds. cuatro?

F. G.: _Porque somos desde hace tiempo el grupo soporte de Joyeros Argentinos.

G. L.: _Creo que buscaron poner en valor el trabajo consecuente que se hizo por años para hacer crecer la joyería contemporánea. Cada uno de nosotros hemos tenido talleres desde los que intentamos multiplicar la joyería contemporánea.

J. C.: _Mirando hacia atrás, en la historia de la joyería contemporánea argentina, en un principio éramos unos pocos que nos conocíamos y reconocíamos. Tal vez somos una muestra de esos pocos que empezamos a marcar un mojón, a dar una señal de continuidad, que comenzamos a insistir en la joyería contemporánea. Una historia de más de 20 años, cuyos inicios se dieron en espacios poco habitados por joyeros con una concepción más contemporánea, que estábamos en la señalada búsqueda personal. La evolución de las comunicaciones y de internet también hizo posible una mayor llegada de información y de intercambio de conocimientos y expresiones, pero sobre todo está siempre la curiosidad e intención de hacer una joyería distinta a la clásica.

G. L.: _También, insisto, el valor está en haber sido consecuentes, en haber sostenido el trabajo y avanzado a pesar de los pocos que éramos, de las dificultades, de los fracasos, de la escasez de espacios disponibles, en un camino en el que aún tenemos mucho por recorrer.

F. G.: _Jorge es muy generoso al hablar en plural, porque su iniciativa en la joyería contemporánea desde su taller es única y pionera. Es uno de los primerísimos que empezó e impulsó la actividad. Nosotras tres empezamos en La Nave. Y no solo inició sino que también pudo sostenerlo por décadas.

Mabel Pena: _Y además nos brindó un apoyo constante, por ejemplo, recomendándonos a alumnos, es decir, diseminando semillas.

G. L.: Jorge fue pionero en la experimentación de técnicas e investigación de materiales. Y siempre se destacó por enseñar todo lo que sabía, sin secretos, y así formó a generaciones de joyeros contemporáneos.

J. C.: _Recuerdo que en el primer año del taller, en 1990, concurrían tres personas, al siguiente siete y para llegar a 15 pasaron muchos años, con idas y vueltas, altibajos; fueron años arduos, de mucha terquedad y obstinación. Cuando me cuestionaba qué podía ofrecer o compartir de lo aprendido en joyería contemporánea pensaba, tal vez porque la joyería clásica era de hombres, que se acercarían más hombres que mujeres y fue exactamente al revés; las mujeres avanzaron de manera exponencial en la joyería contemporánea argentina. De ahí que ellas tres son mayoría…

Mirada panorámica

_¿Qué buscan mostrar en esta panorámica?

F. G.: _Es una muestra que tiene un fin didáctico, siguiendo esta idea de que hay mucho por recorrer, que es una actividad que hace falta difundir y explicar de qué se trata. La intención es mostrar nuestros trabajos e investigaciones que hicimos a lo largo de los años. Es una exposición que busca exhibir cómo ha ido evolucionando y creciendo parte de la joyería contemporánea local, cuáles son sus propuestas, ideas y los cuestionamientos que fueron surgiendo.

“La intención es mostrar nuestros trabajos e investigaciones que hicimos a lo largo de los años. Es una exposición que busca exhibir cómo ha ido evolucionando y creciendo parte de la joyería contemporánea local”.

_¿Son sus propios curadores o sumaron otras miradas para la edición?

M. P.: _Intentamos pero no pudimos. Discutimos e intercambiamos mucho entre nosotros para definir cómo podían dialogar nuestras obras. Somos cuatro muy disímiles, cada uno con sus “yoes” internos.

J. C.: _Hay mucho recorrido, muchas etapas técnicas, muchas materialidades experimentadas que fueron sucediendo. Tal vez éste es un buen momento para reflexionar. En general, cada materialidad respondía a un pensamiento, a una experiencia, a una idea que pugnaba por manifestarse y expresarse como resultado de una búsqueda personal.

F. G.: _Y también hubo muchas inquietudes en simultáneo, las cuales se advierten en esta expo.

G. L.: _La apertura hacia otras materialidades o el paso del metal a otros se dio también por cuestiones económicas. Fue una necesidad y resultó fantástica.

F. G.: _Sí, pero me pregunto si nuestros rasgos son el resultado de un condicionante económico o responden a una elección por la fuerza expresiva que los materiales permiten.

M. P.: _Ciertamente ese problema resultó una solución, fue una necesidad que nos llevó a cambiar y a incorporar otras materialidades que terminaron por permitir expresarnos muy bien, tal vez, mejor.

G. L.: _Esa es la ventaja de la joyería contemporánea que abre un abanico de posibilidades, y es lo que va a verse en la muestra.

 

“Discutimos e intercambiamos mucho entre nosotros para definir cómo podían dialogar nuestras obras”.

_¿Cómo se dio ese pase del metal a otros materiales?

F. G.: _Sí, hubo una transición, pero fue surgiendo -al igual que en otras ciudades del mundo- como parte de un movimiento que tuvo que ver más con lo expresivo o con el potencial que podían ofrecer otras materialidades. Fuimos permeables a esa movida, tratando de establecer nuestros propios discursos, nuestras ideas, señalando qué queríamos contar.

M. P.: _Formamos parte del escenario del arte contemporáneo, y de esa innovación que en un principio se planteó en Europa. Además logramos participar y formarnos en diversos grupos de discusión e investigación, como Cómplices, por ejemplo, en el que comenzó a aparecer la necesidad de elegir otros materiales no convencionales.

F. G.: _Sí, se dio en una búsqueda por romper con la joyería tradicional.

M. P.: _También en esa búsqueda, que ahora exponemos, se ve la necesidad de contar con una bajada más comercial sin perder otra más esencial o expresiva, artística. Muchos nos jugamos por otros materiales.

J. C.: _El valor o el precio de los materiales no creo que haya sido el primer motivo de ese cambio. Con el paso de los años, el crecimiento de cada uno y la evolución en la mesa de trabajo, se fue afianzado y nos fuimos asignando permisos para salir de planteos más ortodoxos y pasar a otros más heterodoxos. Así fuimos pasando de situaciones más formales, que tal vez la joyería clásica tiene implícitas y respeta a rajatabla, a otras más flexibles o permeables a nuevas o diferentes ideas o discursos. Esto sin quitarle mérito alguno a una u otra expresión.

Fuimos tomando o sintiendo esa necesidad de ir corriéndonos de lo clásico o del uso del metal. Esa necesidad fue estética, plástica, comunicacional más que estrictamente técnica o de costos. Y también ambiental, porque entendimos que no estamos solos en el planeta y hay materiales que no son inofensivas; si hubiésemos seguidos los cánones de la joyería tradicional hubiésemos  cometido un grave error político ambiental. Ya, sin duda, cuando hablamos de los materiales que usamos tenemos en cuenta esta posición, porque al usar materiales asumimos una posición política sobre el medioambiente. Hoy uno se pregunta si con lo que está por utilizar genera algún daño o contribuye al mejoramiento del espacio que compartimos.

Al hablar de materiales convencionales, como los metales, sabemos que implican una extracción y su uso que tiene consecuencias. En nuestro quehacer, estos cuestionamientos son cada vez más frecuentes y debemos preguntarnos qué hacemos como habitantes de este planeta, porque no elegimos de manera inocente, es más, debemos elegir de manera más consciente.

M. P.: _Sin duda esta mayor consciencia se ha registrado en el trabajo de los cuatro.

F. G.: _Como joyeros tratamos de ser coherentes entre cómo queremos vivir y crear, y algo de eso va a verse.

De materialidades y otras técnicas

_¿Por qué eligen cada uno de los materiales a través de los cuales se expresan?

F. G.: _Aunque ahora trabajemos con otros materiales, como plásticos, maderas, textiles o los que sean, el aprendizaje de las técnicas y la construcción de piezas, la búsqueda de los detalles en las terminaciones, el manejo de las herramientas asociadas a nuestros inicios con el metal están incorporados de tal manera que no importa en qué materiales se aplican. Las resoluciones técnicas que implica una pieza de joyería contemporánea están siempre presentes independientemente del material.

M. P.: _De todos modos, como los cuatro empezamos por el metal, en la expo va a haber una mesa metalera, aunque se verá de todo un poco.

“El aprendizaje de las técnicas y la construcción de piezas, la búsqueda de los detalles en las terminaciones, el manejo de las herramientas están incorporados de tal manera que no importa en qué materiales se aplican”

_¿La muestra es un cruce de trabajos o es una suma de sus individualidades?

F. G.: _Hay puntos de contacto pero se mostrarán trabajos individuales con un eje cronológico ordenador.

M. P.: _Sin duda las piezas estarán en diálogo, no será una puesta individual sino una muestra grupal. Tenemos muchos puntos en común. Hay una línea que, un año antes o después, aparece y evidencia coincidencias en materiales, técnicas, conceptos o expresiones.

“En «Respirar, pensar, hacer de cuatro joyeros contemporáneos» se mostrarán trabajos individuales con un eje cronológico ordenador… evidencia coincidencias en materiales, técnicas, conceptos o expresiones”

_¿Por qué «Respirar, pensar, hacer…»?

F. G.: _Porque la propuesta está atravesada por un quehacer vital con cuestionamientos que señalan cómo queremos vivir, qué mundo pretendemos, qué ideas queremos transmitir. Nuestra actividad principal es la joyería contemporánea, es nuestra forma de vida, nuestra manera de expresarnos en este momento que nos toca vivir. Se trata de poner temas en la mesa, en evidencia, que se conozca, como el del uso excesivo y contaminante de plásticos, por ejemplo.

«Respirar, pensar, hacer…» tiene que ver con una necesidad de experimentar, de disfrutar de un proceso de transformación del material, sea cual fuere, y esto se da desde un principio cuando trabajábamos con materiales más tradicionales.

J. C.: _El por qué del nombre de la muestra responde a nuestro trabajo cotidiano. Respirar es un acto reflejo que uno no controla y representa lo que no manejamos, como esos actos del alma o del corazón; al sentarnos en el banco de joyero se dibuja esa primera inhalación. Ese respirar habla de lo no previsto, de los sentimientos que uno pone en juego cuando empieza a trabajar.

Pensar viene después e implica preguntas, respuestas, dudas, pensamientos, un cuestionario constante con que uno interpela al corazón, al alma, a la emoción. Pensar es inexorable e innato y sucede cuando uno quiere reflexionar sobre lo que está haciendo.

Y en el hacer uno va construyendo, dándose permisos, habilitados desde el corazón o desde el alma, para sentir, para buscar cómo reflejar esos sentimientos y darles forma, cómo comunicar lo que uno siente o quiere transmitir con lo que está haciendo.

En el banco de trabajo se da la posibilidad de hacer, en una conversación con la materialidad, puede parecer hasta un poco loco, pero los materiales, las cosas que nos rodean, hasta las plantas y los animales hablan, todo habla, a veces no tenemos la capacidad de traducir todos esos lenguajes.

F. G.: _En muchos casos aparece la presentación antes que la representación, y se da al jugar con el material, al tocarlo nos interpela, nos muestra cómo nos estamos vinculando; esto también es pensar. A veces no lo podemos experimentar porque no estamos en frecuencia con esa vibra y en otro momento nos volvemos a cruzar con ese material u objeto y nos llama la atención y logramos crear. En el taller como en la vida a veces lo ves, a veces escuchas, a veces podes hacer; la joyería es una práctica como otras tantas en la vida.

M. P.: _Ese hacer al que aludimos en el nombre de la exposición también es una necesidad, una necesidad interna de querer expresar. Es una experiencia en la que estamos desde hace años, una búsqueda que hoy exhibimos y con la que pretendemos movilizar, contagiar, incentivar, entusiasmar, difundir, interpelar.

_¿Eligieron exhibir las piezas que más los representa? 

F. G.: _Mostraremos algo muy afectivo, con trabajos que queremos mucho por diversos motivos, porque nos dio alegría hacerlos, porque nos dieron mucho trabajo y logramos lo que buscamos; hay piezas emblemáticas por haber sido premiadas y trabajos que pensamos que son representativos de nuestro recorrido.

“Mostraremos trabajos que queremos mucho porque nos dio alegría hacerlos, porque nos dieron mucho trabajo y logramos lo que buscamos; hay piezas emblemáticas por haber sido premiadas y trabajos representativos.”

_Pero muchas obras están es un museo o las tiene alguien que las compró.

J. C.: _Sí eso nos pasa mucho. Es el destino de lo que hacemos, en algún momento estuvo a la venta, fue elegido y se alejó de nosotros. Por eso, la muestra va estar acotada a lo que cada uno tiene, a veces tuvimos la suerte de que la tuviera alguien cercano, otras logramos que las piezas volvieran para este fin y otras tantas no están a mano porque las soltamos.

F. G.: _Eso está bueno también porque se cumple el cometido de llegar al otro.

M. P.: _Sí está buenísimo porque una persona se conmovió con nuestra obra y decide portarla, la lleva como propia. Y así hasta le cumplimos el deseo.

J. C.: _Esta exposición es solo un muestreo que exhibe una evolución, experiencias, experimentaciones, curiosidades, búsquedas.

“Esta exposición es solo un muestreo que exhibe una evolución, experiencias, experimentaciones, curiosidades, búsquedas.”

Búsquedas propias

_¿La muestra exhibe ese proceso en el que se dio esa indagación sobre los materiales y nuevos lenguajes?

F. G.: _Sí claro. Respecto de esos lenguajes que se verán o ese decir a través de una pieza, también se va a ver reflejado que en un momento hubo una necesidad y hasta cierta imposición técnica que suponía decir algo a través de una joya, que había que anudarla a un concepto. Y es cierto que en muchos casos uno se plantea tener una idea y se pregunta cómo contarla, pero en tantos otros, los cuales suelen suceder a la par, simplemente se quiere experimentar y tener la sensibilidad que permite o a que incentiva el material.

G. L.: _También, en relación a los lenguajes que se dieron y dan en la joyería contemporánea, hay uno singular que se establece cuando una pieza está en el cuerpo de otro, y entonces esa joya también habla de sus preferencias del portador y de las intenciones o no de su creador; de esta manera, hay una expresión que se lleva, que se muestra de aquí para allá. Puede que eso que uno pensó al crear una joya sea diferente de lo que interpreta el que la adquiere o lleva, pero en cualquier caso se genera un intercambio enriquecedor, el mismo que seguro puede verse en una exposición.

J. C.: _Hay una clara complicidad con el usuario o espectador. Como en cualquier estamento del arte, alguien para tener el deseo de llevar algo tiene que hacerse cómplice con el hacedor. Cuando se crea o se hace joyería contemporánea, se imagina a un receptor que tal vez entra en sintonía con lo que uno sintió. Como joyero o hacedor de objetos portables, deseo que la persona que los lleve se sienta identificada, sensibilizada con la pieza y tenga deseos de usarla y hasta, tal vez, luego elija la ropa que se va a poner para llevar o al salir a exhibir esa pieza.

M. P.: _Sí, siempre hacemos eso. Una joya contemporánea nos da información y dispara la curiosidad de quien la lleva, que suele ser gente con cierta personalidad y audacia que interpreta o reinterpreta un lenguaje que vamos construyendo con perseverancia; el haber podido resistir o insistir en la joyería contemporánea deriva en muestras panorámicas como la que proponemos.

_¿Cómo describirían la voz de cada uno, a propósito de esta oportunidad de poder levantarla?

J. C.: _Me atrevo a levantar la voz en nombre de todos. Hacemos lo que es inexorable que hagamos. Para nosotros cuatro no hay manera de eludir el hacer joyería contemporánea. Creo que ninguno ya a esta altura podría hacer otra cosa. Por eso, cuando trabajamos en el banco de joyero sucede eso inevitable: respirar, pensar y hacer joyería. Como bien decía Mabel forma parte de una necesidad vital. O como explicaba Graciela implica ese hacer desde las entrañas de manera intuitiva. Uno saca cosas de adentro, son impulsos entrañables que adoptan formas no planeadas, que forman parte de ese permiso que fuimos tramitando a lo largo de estos años, permiso de sentir y de darle forma a ese sentir sin miedo al juicio, opinión o a la mirada ajena; ahora nos manejamos con más libertad. La joyería que hacemos le da forma a esos impulsos entrañables, le da forma al sentimiento.

F. G.: _Cierto. También hay rasgos característicos de cada uno de nosotros. Jorge con su trabajo de desgarrar la madera con sus vetas que muestran texturas y colores deteniéndose en ese disfrute; esas formas intestinas o aleatorias de los tejidos mantra de Graciela; o la minuciosidad resultado de la observación de la naturaleza con el recupero de materiales de Mabel, y mi juego permanente entre el mecanismo, la técnica y la transformación del material, como pet, que también me permite disfrutar de la expresión. Desde el grupo pudimos ver estos rasgos, ponerlos en valor y cruzarlos.

M. P.: _La transformación de los materiales es una constante y, en particular, entre nosotros es un desafío diario y una pasión.

“Para nosotros cuatro no hay manera de eludir el hacer joyería contemporánea. Por eso, cuando trabajamos en el banco de joyero sucede eso inevitable: respirar, pensar y hacer joyería.”

Hitos joyeros

_¿Muchas de las piezas elegidas marcan hitos en el trabajo de cada uno?

J. C.: _Hay algunas piezas bisagra, como mi primera pieza de madera que marcó un antes y un después en mi trabajo. Cuando fue la expo «En el país de las maravillas» mostré todas piezas de metal pero días antes de la inauguración sentí que faltaba algo y advertí que no podía ser de metal así surgió «Las madrigueras», una pieza que se verá en la muestra; lo más significativo fue lo que sucedió después: cuando volví al taller, tenía trabajos a medio hacer pero comencé a no reconocer esa materialidad con la que hasta entonces me identificaba y sentí que algo había cambiado en mí, en mi trabajo y en el taller, tanto que volver al metal me resultó imposible, no me fue posible seguir haciendo lo que venía haciendo; comencé a buscar y la madera se me aparecía; así empecé un experimento con la madera que ya no tiene fin.

G. L.: _Mi pieza clave es «De norte a sur», fue hecha para la exposición «Lazos de la tierra» Argentina Brasil 2006-2007 que se vio en la Universidad de Palermo y en Casa Curutchet, Colegio de Arquitectos en La Plata, en plata 925, hilo de chaguar

Con las técnicas de construcción y tejido. Fue la primera pieza en la que logré fusionar la joyería contemporánea con el tejido. En ese momento fue con chaguar, material tradicional de la cultura wichi, aborígenes del norte argentino. La elección del material fue un punto de partida y está relacionado con mi lugar de nacimiento, Salta.

El tejido es parte de mi vida, expresa mi historia y disfruto mucho de tejer. Aprendí a tejer antes de aprender a leer y escribir. Esta pieza fue el comienzo de una etapa de mi trabajo que sigue presente y es mi manera de expresar mis intereses estéticos y dar testimonio de la cultura de un pueblo originario.

F. G.: _El broche «Naturaleza muerta» es mi pieza bisagra. Es una de las primeras en las que trabajé con plástico PET. Tiene la terminación original, brillosa del plástico de las botellas. Fue de mis primeras experimentaciones en la construcción de volúmenes con formas orgánicas, transparentes y onduladas. También el broche-collar «Las mil fuentes del Benaco», otra significativa experimentación con PET, esta vez buscando el volumen a través de planos de corte geométrico. También juego con las transparencias, pero en esta etapa trabajaba el material con la intención de transformarlo hacia la opacidad o al satinado en lugar del brillo.

“Esta última pieza ganó Mención en Fondazione Cominelli 2018, en la convocatoria «Una joya para el lago» (refiere al lago de Garda), jurada entre otres, por una prestigiosa coleccionista de USA que se llama Helen Drutt English. Trabajé sobre un canto de la Divina Comedia que habla sobre el lago de Garda, en aquel tiempo llamado Benaco”.

M. P.: _Mi emblema es «Amazonia» porque en ella pude incorporar nuevos materiales a partir de la vivencia de un viaje al Amazonas, donde recolecté diversas semillas y otros elementos naturales, además de incorporar fotos propias que expresan mis estados de ánimo o contemplaciones del paisaje, como animales, gotas de rocío, el follaje y principalmente la exuberancia de la Amazonia. A partir de entonces, en 2007, seguí con la plata pero mixturé con diversas técnicas que me permitieron incorporar materiales no convencionales.

_Estás dedicado a full en la joyería y además sos docente, chef y fotógrafo.

_Desde el año 2000 estuve cuatro años viviendo en Venezuela, donde trabajaba en el taller de mecánica de maquinaria pesada de mis hermanos. Luego, regresé a Cali por la enfermedad de mi mamá y empecé a estudiar joyería por otros cuatro años. Tras su muerte regresé a Venezuela, volví a la mecánica y en paralelo empecé a estudiar cocina y también fotografía hasta que me retiré de la mecánica, me dediqué a dar clases de emplatado en cocina y seguí con la fotografía, pero cuando la situación en Venezuela se complicó volvimos a Bogotá.

Allí, a finales de 2016 retomé la joyería pero decidí hacer solo las piezas que quería o me gustara ver. Un año después participé de Joya Barcelona y todo se fue dando, empecé a dar clases en la escuela Materia Prima de Bogotá y a dictar talleres en la escuela De la Mano en Medellín, y desde entonces solo estoy dedicado a la joyería.

“Cuando retomé la joyería decidí hacer piezas que solo quería o me gustara ver”.

_¿Pudiste aplicar estos oficios a la joyería?

_Sí, complementé todas estas disciplinas. Apliqué la mecánica, la cocina y la fotografía a la joyería. Mis piezas de joyería llevan muchos ensambles mecánicos que aprendí en mecánica. De la cocina, rescaté el uso de colores y las texturas, y de la fotografía, la composición estética.

Por ese entonces, cuando me iba bien con la cocina y fotografía en Venezuela, un amigo me decía, que podía ser muy bueno en muchas disciplinas pero si me dedicaba o enfocaba en una podía entregar toda la energía para que fluya mejor. Y eso me pasó, independientemente de que aprovecho la fotografía para mostrar mis piezas, que me gusta mucho cocinar, que adquirí una habilidad especial para la mecánica y las disfruto mucho, siento que haberme concentrado en la joyería resultó muy bueno. La joyería es un oficio demanda mucho tiempo y está bueno dedicarse.

“Haberme concentrado en la joyería resultó muy bueno. Es un oficio demanda mucho tiempo y está bueno dedicarse.”

Influencias determinantes

_Pero tu joyería no sería lo que es sin la influencia de la mecánica, la cocina y la fotografía.

_Sin duda. Cuando me dedicaba a la mecánica renegaba de ella, pero luego me di cuenta que haberla trabajado me volvió muy diestro para conocer las herramientas, para saber cómo se manejan; así mi pensamiento resulta muy mecánico.

Cuando pienso en una pieza primero hago un boceto rápido y en tanto ya reflexiono en cómo la voy a hacer, cómo se va a cortar y ensamblar, la armo mentalmente y por esto luego la materializo mucho más fácilmente.

“Reflexiono en cómo voy a hacer una pieza, la armo mentalmente y luego la materializo mucho más fácilmente.”

_Este es un método que particularmente se enseña en la joyería de Colombia.

_En las escuelas de joyería de Colombia se pone mucho el énfasis en que una pieza esté bien hecha, bien soldada, bien pulida, y esto sí está muy marcado entre los joyeros colombianos; podemos tener una idea para realizar una joya artística, pero siempre está presente esa consciencia adquirida de que debe estar bien hecha y a veces eso no sé si nos juega en contra. No digo que para poder crear las piezas deben estar mal hechas sino que esa aplicación casi perfecta de la técnica a veces se convierte en una atadura, en una cadena.

“En las escuelas de joyería de Colombia se pone mucho el énfasis en que una pieza esté bien hecha, bien soldada, bien pulida.”

_Dictaste cursos de resina ¿ese era tu material en un principio?

_Cuando aprendí joyería supe cómo se mezclaban los colores en la resina y cómo secarla. Al retomar la joyería quise utilizar la resina porque me permitía lograr lo que quería, y me llevó a profundizar y pulir la técnica. Me gustó lo que logré con la resina hasta que decidí dejarla por contaminante; sé que esto se da también con los metales pero preferí abandonar este uso o al menos como lo venía utilizando.

Con mi trabajo siempre estoy protestando de alguna u otra manera por lo que sucede en el entorno y me parecía que tenía que ser coherente con lo que pregonaba. Sé que hay resinas amigables con el medioambiente pero entiendo que no lo son en un ciento por ciento. Y la dejé, aun cuando algunas de mis piezas en resinas fueron elegidas en Joya Barcelona 2017

_¿Cambiaste solo de material?

_No. En 2017, mediante los graffitis, que entonces tenían resinas, me expresaba con sarcasmos y bromas. Un año después la situación en Colombia se enrareció mucho más y comencé a cuestionarme por qué no protestar por lo que está pasando en mi país. Y al tomar más consciencia de lo que pasaba utilicé mi trabajo para este fin; aunque es una voz pequeña, creo que sirve para inducir a pensar en lo que sucede.

Así, comencé a visibilizar la situación de los líderes sociales y el clima político de Colombia, en general. Y lo hago, sobre todo, a través del collar «Ausencia», hecho desde 2018 con pequeños cráneos.

Hago los moldes de los cráneos, espero a que se sequen y los vacío en un proceso de días y tras pulirlos los enumero. Mi intención era hablar del asesinato de los líderes sociales sin que se asocie a un premio, como antiguamente se usaba en las guerras, por eso esos cráneos están volcados y hasta en algunos casos uno se engancha con el otro. Desde un inicio, quise que cada cráneo representara a un líder social por eso les escribo un número.

Levantar la voz

Es que desde que se firmó el Proceso de Paz en 2016 comenzaron a matar líderes sociales y, en 2018, decidí no finalizar la obra hasta que esa matanza termine; lamentablemente sigo y tengo que actualizar la cantidad porque los asesinatos de líderes sociales ya son más de 1000. Ahora, continuaré haciéndolos ya no con resina de poliéster sino con otra resina tipo cemento.

“En 2018 comencé a visibilizar la situación de los líderes sociales y el clima político de Colombia, en general”.

_Es tu pieza insignia.

_Sí. Además, este collar está acompañado de una bitácora en la que junto al número inscripto en la pieza consigno el nombre, la fecha y el lugar de asesinato. Es una manera de honrarlos y de denunciar lo que pasa.

En este momento, el collar mide 6,60 m y pesa casi un kilo y medio. No es una pieza portable sino más bien para una instalación. En 2019 lo actualicé cuando lo expuse en el Museo de Arte Moderno de Bogotá. Unos meses antes fui amenazado de muerte y tras la denuncia en la fiscalía volvieron a amenazarme. Entonces advertí el peligro que estaba corriendo con mi pareja y decidimos irnos de Colombia. Nos vinimos a Barcelona, cerca de Hospital Clínic. Estando aquí me siguieron amenazando por redes sociales. Por eso, solicité asilo político para obtener protección, en tanto tengo residencia y permiso de trabajo. En lo que va de este año mataron a 22 líderes sociales.

No busco ni quiero que el collar se vea lindo, porque el mensaje que conlleva es muy duro; sería muy chocante que fuera lindo; con los actuales 431 cráneos se podría usar, pero no es la idea; cuando tenga la cantidad que se condice con la realidad no será una pieza que pueda ser portable. Es que implica un mensaje muy potente que no es fácil de llevar.

Además, proyecto, entre otras cosas, sumar dibujos que pretendo convertir en calcomanías para poder llevar el mensaje más allá.

“El collar «Ausencia» es una manera de honrarlos y de denunciar lo que pasa”.

_Este collar marcó un antes y después.

_Antes de «Ausencia» hacía broches con los que denunciaba lo que pasaba en mi país, pero este trabajo y el hecho de que no esté terminado, que sea una pieza inacabada porque refleja una situación del país que parece no tener fin, sí marcó un antes y un después. Ahora tengo y genera mucha más consciencia sobre la problemática de la violencia, e implica una carga emocional muy fuerte.

_Es una obra inacabada aún, pero ¿creés que algún día podrás terminarla? 

_Tengo mucha esperanza y expectativa por el próximo recambio político que se avecina en Colombia. Se están presentando otras alternativas con buenos argumentos y propuestas que presiento pueden ser mejores a la actual.

Y hay también un recambio generacional positivo, que supone un mayor respeto por el otro, por las minorías, por el diferente, que se juega a salir a marchar y reclamar por lo que cree.

Aunque no sé si esto parará porque Colombia es un país que lamentablemente se acostumbró mucho a la violencia…

“Tengo mucha esperanza y expectativa por el próximo recambio político que se avecina en Colombia. Aunque no sé si esto parará porque Colombia es un país que lamentablemente se acostumbró mucho a la violencia…”

Sublimando experiencias

_¿Conseguís sublimar experiencias y percepciones personales a través de la joyería?

_Sí. Mi experiencia más fuerte tiene que ver con mi mamá Fabiola. Cuando arranqué con mi obra «Fabi», empecé a identificar que mi mamá nos crió para ser muy machistas.

Mi trabajo de joyero es muy reflexivo. Me permitió identificar y entender lo que me pasaba. Pensaba que mi alejamiento a las mujeres era por ser gay y no tenía nada que ver, más bien era por ser machista y hasta algo misógino; cuando empiezo a identificar estas cosas pude empezar a sanar.

Además, este trabajo también me permitió transformar muchas creencias, pensamientos, actitudes. Identificar los problemas permite ir solucionándolos, y así se puede sanar. La joyería me sirvió para conseguir estar más en paz conmigo mismo.

“Este trabajo es muy reflexivo y me permitió identificar y entender lo que me pasaba; también me permitió transformar muchas creencias, pensamientos, actitudes.”

_¿Cómo es «Fabi»??

_Es una obra en la que usé piedras semipreciosas identificándolas como mujeres, siguiendo la idea generalizada de que son quienes usan más las joyas… Hay una primera pieza con un cuarzo rutilado engastado con recortes de páginas de la Biblia con pasajes supermachistas; en Colombia la religión es muy fuerte, no para mí que no soy creyente.

La piedra no está pegada sino suelta, está sujeta por las hojas que sí al estar pegadas la presionan y sostienen. La idea de sujetar la piedra con las hojas la saqué de los papeles de publicidad que se pegan en los postes de las calles de Barcelona, que se hacen tan gruesos que resultan difícil de cortar con las mano; así advertí lo fuerte que es el papel cuando se une y las hojas de la Biblia me sirvieron para representar lo fuerte que se vuelve su mensaje.

La intención de «Fabi» es mostrar que la mujer está siempre atrapada, y lo hago mediante ensambles mecánicos con tornillos que no la dejan salir y, a propósito, porque lo mecánico tiene que ver con lo masculino.

En algunas de las piezas de esta serie vuelve a aparecer el graffiti, y las piedras siempre están atrapadas. A mi mamá le gustaba tejer al crochet por eso la pieza refleja ese bordado parecido al que hago en la libreta de los líderes sociales.

_¿La joyería entonces es tu instrumento para referirte a conflictos políticos, sociales y ambientales?

_Sí exacto, es mi medio de comunicación. Creo que desde la joyería podemos hacer nuestro aporte para tener más consciencia. Así, la joyería puede ser un medio de denuncia muy importante.

Y la joyería, para mí, también es un medio de sanación porque permite pensar, reflexionar o identificar problemas, y eso ayuda a estar y ser mejor persona.

Me preguntaron hace poco si valió la pena denunciar los asesinatos de los líderes a través de la joyería porque la consecuencia fue tener que exiliarme, y le respondí que sí, sin duda, no puedo ser indiferente.

“Desde la joyería podemos hacer nuestro aporte para tener más consciencia.”

_¿Buscás crear consciencia a través de la joyería?

_Sí, busco crear consciencia en el otro y, sobre todo, en mí. La labor de los líderes sociales es muy peligrosa y sin embargo se arriesgan, entonces por qué no apoyarlos a través de mi trabajo o visibilizar lo que les pasa en alguna medida.

Con que una sola persona me pregunté el porqué del collar «Ausencia» es suficiente porque me da la oportunidad de contar y tomar consciencia de lo que pasa.

Si todos fuéramos más conscientes de lo que nos pasa y de las consecuencias de lo que pasa, no haríamos ni provocaríamos tanto daño.

A pesar de la distancia estoy muy conectado e informado de mi país, aunque no sé cuan sano es estar tan pendientes de las noticias porque a veces me lleno de rabia ante algunos hechos.

“Busco crear consciencia en el otro y, sobre todo, en mí.”

_¿Estando en Europa, cómo vivís este momento de guerra?¿ La joyería puede servir como catarsis?

_Soy bastante pesimista con lo que está pasando. La guerra es terrible, estoy en shock y estoy a la defensiva como esperando el golpe, una consecuencia muy negativa.

Sin embargo, desde la joyería trato de acercarme a otras iniciativas, como la de Precious Collective, al que pertenezco, que convoca a joyeros a donar piezas para vender y recaudar fondos en favor de los damnificados y refugiados ucranianos.

Joyería de protesta

A propósito de lo que se ve por la guerra o lo que no se ve o visualiza, tengo un proyecto en mente referido a cómo los medios de comunicación tergiversan lo que pasa en favor de intereses, manipulan lo que comunica según de quien se trate.

Y sí, la joyería me sirve para tamizar lo que pasa. Tengo momentos de convulsión, como este por la guerra, en el que tengo las ideas muy alborotadas hasta que llega la calma y ahí fluye, y puedo responder ese qué puedo hacer yo.

Soy muy consciente de lo que pasa, pero siento que esto no debe tratarse a la ligera. La joyería no supone una fábrica de joyas cual caramelos.

Hay que ver si tenés que decir algo, porque no todo el tiempo se tiene que decir algo. Mi trabajo es más reflexivo y esto implica interiorizar todo lo que pasa para ver qué surge.

“La joyería me sirve para tamizar lo que pasa.”

_¿Tu joyería es de protesta, contestataria?

_Sí, y se me identifica de esa manera. Mi joyería busca visibilizar lo que nos pasa, eso que a veces no queremos ver. Hay muchos temas incómodos que debemos tratar y ver qué pasa al sacarlos a la luz. Y mi manera de tratarlos es a través de la joyería.

_¿Qué importancia tienen los ensambles mecánicos o en frío en la joyería?

_La importancia radica en que con el correr de los años estamos usando cada vez más materiales, no solo metales sino muchos otros, como plástico o maderas. Y los ensambles mecánicos permiten sujetar muchas piezas que no podemos soldar. Este es un aporte que aprovecho al máximo en mi trabajo.

Me gusta utilizar piedras pero no engastarlas de manera convencional, siempre quiero sujetarlas de manera diferente. Y los ensambles mecánicos o en frío me ayudan mucho. También a los estudiantes de mi taller en su indagación persona, y advierto consiguen aplicarlo muy bien a su trabajo sea cual fuere el material, como el papel, por ejemplo.

Es que a veces se diseñan piezas en base a la soldadura por desconocimiento de los ensambles en frío, y muchas veces esa soldadura limita el uso de ciertos materiales. Por eso los ensambles mecánicos son muy importantes.

“Se diseñan piezas en base a la soldadura por desconocimiento de los ensambles en frío, y muchas veces esa soldadura limita el uso de ciertos materiales.”

Método de enseñanza propio

_Ahora estás dando clases online en Estudio Joya. ¿Cómo es la experiencia de dar clases virtuales de joyería? ¿Es posible aprender técnicas de joyería de este modo?

_En el Taller de Jaime Díaz, Trujillo -director y docente en la Escuela Asociación El Taller de Joyería Barcelona-, uno de los mejores profesores en técnica de joyería que tuve, hablamos mucho del tema, y a muchos no les va las clases online.

Reconozco que es complicado, pero la plastilina me facilitó mucho el dictado de clases sobre elementos tan pequeños como los que implica el ensamblado mecánico.

En Venezuela cuando no entendés algo es muy común que te respondan con sarcasmo: “¿Se lo explico con plastilina?”, y me di cuenta que va justo. Cuando empecé a dar clases en Materia Prima, no entendían y empecé a utilizar plastilina, y ahora la aplico en las clases virtuales y me resulta porque puedo ejemplificar muy bien, ampliar o agrandar la escala de lo que quiero mostrar y modificarla o marcarla de acuerdo con lo que quiero plantear, es un elemento muy versátil que va muy bien. Así las explicaciones son más claras. También me valgo mucho de dibujos que resuelven las dudas.

Sin este recurso no vería la manera de poder mostrar, sobre todo, repito, por lo pequeño de los mecanismos, sería muy difícil. Por esto, entiendo las dudas o cuestionamientos a las clases bajo esta modalidad. Pero a mí me va bien y resulta.

“Reconozco que es complicado, pero la plastilina me facilitó mucho el dictado de clases sobre elementos tan pequeños como los que implica el ensamblado mecánico.”

_¿A qué aplican mejor los ensambles mecánicos?

_A la madera, la porcelana, el papel, el yeso, el acrílico. Podría decir a todo lo que se te ocurra.

Particularmente, los aplico a los tornillos, que me gustan mucho. En el taller enseño a utilizar la terraja de joyería y la de mecánica, esta última es especial para cierres de collares. También me gusta aplicarlos a los retenedores porque permiten controlar muy bien las medidas; un remache es al azar o se puede dañar la pieza, en cambio con el ensamble de retenedores puedes asegurar que la pieza quede muy bien.

“Los ensambles mecánicos pueden aplicarse a cualquier material que se te ocurra.”

_Tus piezas son muy gráficas también, ¿seguís usando graffitis?

_En «Fabi» busco mostrar que la mujer está siempre atrapada y lo hago mediante ensambles mecánicos y graffitis con pintura acrílica desgastada. Este tipo de pintura tiene mucho que ver con lo urbano, con el aspecto de las ciudades; de ahí esa apariencia de desgaste industrial que tienen mis piezas.

Al principio, en 2017, mi uso de los graffitis era muy explícito. Hoy el mensaje no es tan literal. En «Fabi», ahora, en cambio, uso referencias de versículos de la Biblia que tratan el tema o la idea que quiero comunicar.

“Al principio, en 2017, mi uso de los graffitis era muy explícito. Hoy el mensaje no es tan literal.”

_¿Aplicás a concursos y ferias?

_Desde que llegué a Barcelona me dediqué más a hacer obra y dar clases. Estoy trabajando en el taller de Jaime Díaz, en Poblenou, dictando joyería básica y también allí alquilo un espacio de taller.

Prácticamente no he participado de concursos o ferias. En estos años, mis trabajos han estado en exposiciones solo por invitación.

Tiene que ver con el momento que atravieso, en el que necesito estar reflexionando más sobre lo que hago. La importancia de trabajos como «Fabi» tienen que ver, como dije, más con sanar que con exponer. Me permitió pensar y pensar, revisar, analizar, cuestionarme y eso vale mucho más que exponerlo.

«Fabi» es una obra que aún no termino, planeo una pieza en colaboración con la joyera Jessica Morillo.

_¿Cómo surgió tu premiada obra «Fracking»?

_Para ese entonces, en 2019, sí estaba exponiendo mucho con la organización Alliages y la presenté para ser exhibida en la muestra «Ataque al corazón» que se vió en Munich durante la edición de Schmuck.

Y en ese momento también se abrió una convocatoria, participé y obtuve el premio ganador del ZLR Jewelry Awards con el galardón de una residencia artística y una exposición que aún no puedo realizar hasta que se resuelva lo del asilo político.

Un trabajo que también buscó conscientizar porque el medioambiente es atacado a través del fracking para extraer petróleo. «Fracking» es un broche construido mediante montaje y oxidación de plata, acero, acrílico, resina, tornillos nueces y pintura.

“Este broche también buscó concientizar porque el medioambiente es atacado a través del fracking para extraer petróleo.”

La estética de lo feo

_Lo último es tu serie «Anarquía» ¿por qué ese nombre y en qué consiste?

_Es una serie más de diseño, son piezas de uso cotidiano. La anarquía tiene que ver porque son muy punk, con puntas, con engastes anárquicos, no convencionales; por ejemplo, incluye un anillo cuya piedra no está visible sino engastada hacia adentro, sujeta con pinches que son tornillos atornillados, valga la redundancia, y luego soldados, pero tres de ellos no están soldados sino que sujetan la piedra interrumpiendo su paso o movimiento. La anarquía tiene que ver con esa falta de engaste convencional.

Siempre uso engastes mecánicos; es decir, que me valgo de mis recursos mecánicos para hacer joyas.

“Me valgo de mis recursos mecánicos para hacer joyas.”

_¿Cómo definís tu estilo?

_Mi estilo está definido por el acabado de mis piezas que están pintadas, peladas o desgastadas de manera o de aspecto industrial y también oxidadas. La mayoría de las veces utilizo plata pero no se ve, está oculta.

Esta apariencia estética me define, no busca lo bello o la belleza convencional. Por ejemplo, tengo un broche que incluye un velo sobre una cara hecha con caucho siliconado que al tocarla impresiona; una pieza que tuve el honor de que la maestra Nuria Carulla hiciera de modelo para mostrarla.

Tanto esta pieza como mi obra está inspirada en «La estética de lo feo», libro del filósofo alemán Karl Rosenkranz. Sigo esta estética tanto en joyería como en fotografía.