_¿Cómo te iniciaste en la joyería contemporánea?

_Estudié diseño industrial en la Universidad Católica de Córdoba y luego joyería con Cecilia Richard, fui su primera alumna. Mientras hacía un master en la Católica, en 2000, Cecilia vino a dar una conferencia y presentó su tesis de arte con sus piezas cúbicas y me impactó. Quiero aprender a hacer eso, me dije entonces. Tenía la idea de ir a vivir a Europa y Cecilia me había hablado de una amiga joyera que vivía en Barcelona, Gloria Gastaldi, que hoy se dedica más a la escultura que a la joyería. Como no pude viajar en ese momento, le pedí que me enseñara. Por entonces ella no se dedicaba a dar cursos, estaba embarazada pero comenzó a darnos clases a una amiga y a mí en el garaje de su casa en obra. Ese fue el puntapié de su taller escuela galería Caelum. Y encantadas. Fuimos durante meses, aprendimos mucho, fue una hermosa experiencia, hasta nos hicimos amigas. Finalmente cinco años más tarde, en 2005, tomé contactó con Gastaldi, me fui a Barcelona y trabajamos juntas. Mi compañera de estudio de joyería, Cecilia Romero, hoy en Tarifa, España, no se dedica tanto a la joyería como yo que tengo una fascinación especial con la joyería contemporánea. Desde que comencé no pude parar de indagar, estudiar e intentar avanzar en la creación. En Barcelona trabajé luego para Laura B, una marca de accesorios de moda de Laura Bortolami, mientras estudiaba en el Taller Escuela de Joyería Barcelona de Jaime Díaz Trujillo, en Poblenou, para poder progresar en el trabajo que se me pedía.

“Tengo una fascinación especial con la joyería contemporánea. Desde que comencé no pude parar de indagar, estudiar e intentar avanzar en la creación”.

_¿Cuándo empezaste a hacer tus propias joyas?

_Cuando me mudé a Lyon. Con el derecho al paro pude acceder al sistema, que me permitió sostenerme. Como no hablaba el idioma, monté un pequeño taller en mi casa y comencé con las primeras piezas. Al principio me costó soltarme porque durante 5 años había puesto mucho de mí en el  trabajo de accesorios y me sentía identificada, hasta lo sentía propio, pero a la vez lo que hacía no era joyería contemporánea; sin embargo, durante 2011 pasé una larga etapa de transición. Ese sistema me permitió acceder a una incubadora para el desarrollo de microemprendimientos mediante la cual pude armar mi firma y, a su vez, me impulsó a presentarme en 2012 en la 6ta. edición de Talents de mode Le Tremplin des créateurs y gané, muy sorprendida, me impactó  porque por entonces porque tenía un bebe recién nacido y apenas hablaba francés, y el haber ganado implicaba montar una tienda taller, crear una empresa, participar de un salón profesional con un coach por 2 años para funcionar; fue como mover una montaña, no obstante, sin este impulso no hubiese podido arrancar mi camino.

_¿Cómo eran?

_Las primeras piezas fueron las de la colección A flor de piel, porque así estaba a flor de piel por todo, por el bebe, por el desarraigo, por estar nueva en una ciudad, por todo, estaba muy sensibilizada. Se trata de una propuesta floral en plata, luego seguí trabajando en latón y ahora en acero inoxidable. Casi todas las piezas tienen mucho movimiento, giran inspiradas en la inflorescencia, en cómo las flores están dispuestas en las ramas; es que aquí tras un invierno duro, la naturaleza brota y crece de manera impresionante.

Hice un curso de forja en Barcelona y cuando me mudé a Lyon no tenía taller y necesitaba  equipos para la fundición, con llama más grande para soldar, lo cual implicaba hacer mucho ruido que no era posible en un departamento. Entonces pensando en qué técnica utilizar para hacer en mi casa, empecé a trabajar con el corte láser. Mi trabajo parte de una hoja plana que golpeo para darle la forma en busca del volumen y movimiento, y lo consigo con la superposición de capas; la mayoría de los anillos giran y tienen varias capas, cinco pétalos, por lo general, son distintos tamaños de capas superpuestas que dan idea de volumen. Casi todas mis piezas empiezan en un plano, pero cuando las mirás ninguna es plana, no dejo nunca la hoja tal cual como estaba cortada.

_¿Solés aplicar el método de la solución creativa de problemas?

_Sí, es un método de vida, te diría; es la única manera de avanzar en la vida. Lo que arrancó  como un impedimento termino siendo un beneficio que me permitió crecer. El hecho de no tener un taller ni las herramientas precisas empezó como una dificultad, pero resultó una ventaja porque finalmente logré resolver problema tras problema con el poco material que disponía, o buscando otros para conseguir lo que necesitaba o pretendía. Me gustan mucho los metales y siempre prefiero soldar, en la siguiente colección Gen-Ethics, que preparaba para estrenar en Italia, necesitaba darle un poco de color a las piezas sin tener que pintarlas, entonces opté por el latón para realizar anillos. A diferencia de la plata que no tiene color, el latón es de tonalidad amarilla y lo oxidé con pátinas para darle un tono más amarronado o más oscuro, tras hacer distintas pruebas con diversos materiales.

No abandoné la plata sino que la combiné al hacer una especie de injerto en un mismo pétalo de las piezas-flor, lo soldé en la misma placa plana de plata, hice esta intervención técnica porque quería representar la manipulación genética de las plantas.

“El hecho de no tener un taller ni las herramientas precisas empezó como un impedimento, pero resultó una ventaja porque finalmente logré resolver problemas con el material disponible”.

_¿De las piezas únicas surgen series?

_Tanto de las piezas únicas de À fleur de peau como en Gen-Ethics como de otras de mis colecciones siempre surgen series de piezas más simplificadas que son comercializadas a un valor más accesible. La mayoría de las veces desarrollo piezas a partir de un tema a pedido, para un concurso, salón o galería; o muchas otras surgen por la simple razón o ganas de expresar algo que siento o me atraviesa, y luego derivan o se amplifican, se extienden, crecen en otras piezas y se completan en una colección. Para la primera edición de Parcours Bijoux, en 2017, invitadas por Galerie Sophie me presenté junto con cinco joyeras, todas extranjeras, en pareja con franceses y con hijos nacidas en Francia. Bajo la consigna Ailleurs o En otro lado, hablamos de lo que implica el desarraigo y tener un hijo que te habla francés, entre otras implicancias. Sólo conocía a la colombiana Andrea Piñeros -el colectivo estaba integrado también por la brasileña Stella Bierrenbach, la colombiana Ana Carolina Escobary y la japonesa Miyuki Koshimizu-, nos reunimos sin contacto previo y pareció una terapia grupal en la que cada una sacaba lo que tenía adentro sobre lo que significaba para nosotras vivir en otro lado; advertimos que teníamos mucho en común y cada una lo planteó desde su punto de vista, con su lenguaje, con sus materiales y técnicas. Al reflexionar sobre este tema me di cuenta que solo aquello que te toca muy fuerte o moviliza, te permite crear de manera genuina, sentida, personal. Ese fue un tema en el que, en lo personal, fui muy profundo, fue un trabajo intenso e interesante, que me movilizó bastante. Decidí trabajar con las alas de los insectos y su migración, recordé a las chicharras de mi infancia en Córdoba, y para hacer estas piezas con alas, otra vez tuve problemas técnicos.

“La mayoría de las veces desarrollo piezas a partir de un tema a pedido, para un concurso, salón o galería; y muchas otras surgen por la simple razón de expresar algo que siento”.

_¿Cómo los resolviste?

_En plata no era posible porque es demasiado blanda y las piezas hubiesen sido muy pesadas y caras ya que al cortar hay mucha pérdida de material, estaba frustrada por no poder realizar esta idea. Y una vez más con una investigación exhaustiva y probando o con una seguidilla de ensayos y errores, para ver con qué material podía llegar a materializar este trabajo, encontré cuál era el adecuado: el acero inoxidable, pero había que poderlo soldar. Me compré una máquina y aprendí a soldar el acero para poder llevar a cabo esta propuesta. Hice solo cuatro piezas grandes con alas encadenadas o un ala adentro de la otra, por ejemplo, las que luego derivaron otras piezas más sencillas dentro de una colección más grande.

“Una vez más con una investigación exhaustiva y probando o con una seguidilla de ensayos y errores, para ver con qué material podía llegar a materializar este trabajo, encontré cuál era el adecuado.”

_¿Las joyas son solo para portar?

_No necesariamente. Antes de que se declarara la pandemia por el Covid-19 hice una pequeña colección de broches en acero con algo de plata que se expusieron en una galería de París con los soportes de madera y muchos los pedían como un objeto; tenían la intención de no portar el broche sino de tenerlo para exhibirlo con ese sostén o para colgarlo. Una pieza está pensada para ser hecha con un mensaje y para ser usada, pero no necesariamente tiene que ser aplicada o portada en el cuerpo. Una joya contemporánea se completa con el usuario que también la resignifica. Por eso hice un soporte de madera torneada que terminó formando parte de la joya, como una miniescultura que la envuelve, abriga, abraza o completa.

_Habitualmente presentás muchas de tus colecciones en salones comerciales, un circuito poco común para la joyería contemporánea.

_No, no creo. En mi experiencia, estos circuitos de comercialización me permitieron  contactar con galerías y tiendas de museos que me piden piezas únicas o que derivaron en mi participación en exposiciones. En estos días estuve una vez más en Maison & Objet and more, una feria en la que se vende a galerías o tiendas, que en la edición de este año se reconvirtió en una digital fair, hasta el 18 de este mes, aunque continúo en línea. Allí estrené la colección Ikigai, hecha en acero y madera, que se inspira en esa filosofía japonesa que busca la razón que da sentido a la vida. Un concepto fascinante e inspirador, que lleva a la búsqueda del equilibrio, la alegría de vivir, la razón por la que existimos.

Una cadena de creaciones. Una lleva a la otra. Esta es una propuesta que derivó de Ailleurs. Y a la colección más comercial la llame Levity. Es claro que por más que participe de salones profesionales que se mueven al ritmo de la moda, no la sigo, las temporadas o la moda no tienen ningún interés para mí, tampoco tengo colores que se relacionan, pero sí sigo los circuitos de distribución de la moda, porque es la manera de que se abran caminos.

“La moda no tienen ningún interés para mí, tampoco tengo colores que se relacionan, pero sí sigo los circuitos de distribución de la moda, porque es la manera de que se abran caminos.”

_¿Qué caminos fuiste tomando?

_Del salón Première Classe joulerie de París, por ejemplo, participé con ese objetivo. No supone el circuito de las galerías o museos pero en eso terminé. En noviembre próximo,  una edición de mis piezas se ofrecerán en la tienda del museo d’Orsay con motivo de la exposición Los orígenes del mundo, sobre Darwin y la naturaleza. También, parte de mi trabajo está en Casa Milà, La Pedrera de Barcelona, porque la curadora de la tienda consideró que algunas de las piezas se asemejan a los balcones de Gaudí. Y ese fue el mejor elogio del mundo, una ponderación que me emocionó.

“Algunas de mis piezas se exponen en la tienda de La Pedrera, porque consideraron que se asemejan a los balcones de Gaudí. Y ese fue el mejor elogio del mundo, una ponderación que me emocionó”

_¿Es difícil vivir de la joyería contemporánea?

_Sí, es muy difícil vivir de la joyería contemporánea. Me encantaría hacer solo piezas únicas y exponer en galerías, pero mi condición económica no me lo permite. Por eso combino las dos cosas: piezas portables al alcance, que además me permite llegar a una mayor cantidad de gente, lo cual está bueno, sobre todo, porque permite difundir más la joyería contemporánea, y piezas únicas. Que muchos puedan usar piezas de joyería contemporánea es muy importante para mí, porque eso supone que hay más gente sensible a la joyería contemporánea y hay mucha más de lo que se cree; a veces, algunos se sienten intimidados por el circuito de galerías que aparenta ser exclusivo. Me interesa democratizar la joyería contemporánea, que la gente acceda en otros lugares, está bueno que la joyería contemporánea se consiga en diversos lados. En Lyon, por ejemplo, hay una galería de arte que reúne diversas piezas de arte que incluye distintas disciplinas, que van de la joyería conceptual a objetos de iluminación; este tipo de edición acerca a más público, no siempre entendido, y se convierte en una gran oportunidad

Además, me da ganas que la gente lleve la joyería más allá del mensaje o intención propuesta; es lindo escuchar cuando la gente inventa o interpreta y arma su propio significado o mensaje, por aquello a que la remite o inspira. En el salón Resonances, de Estrasburgo, tuve un feedback inesperado con el público. Llevé Ailleurs y la presenté con un texto impreso en una gigantografía que pegué en la pared contigua al stand, y el intercambio de ideas y discusiones positivas que se generó fue increíble. Me gusta que la gente encuentre su propio mensaje en la joya.

“La joya de arte es un auténtico fragmento de la experiencia interna y profunda de su autor y en la que se siente reconocido.”

_¿Hoy en qué proyecto estás?

_Estoy en proceso, en la etapa de reflexión para la elaboración de una pieza por los 20 años para la galería Caractere de Neuchâtel, Suiza, a partir de la idea de los cuentos.

_¿Trabajás sola?

_Totalmente. No solo hago las piezas de joyería sino que planteo cómo comunicarlas y presentarlas y comercializarlas. Para que sea artesanal o artístico es difícil delegar o hacer con empleados, además es económicamente insostenible para mí, salvo que me dedique a full a comercializar para pagar a un empleado, y no tengo ganas de transformarme en una comercial de mis joyas, no me interesa y además me quitaría mucho tiempo para la reflexión y la creación, que ya me queda bastante poco. Ese paso no lo quiero dar. Cada vez que pienso cómo hago para hacer todo lo que tengo que hacer, respiro y me limito a hacer lo que yo misma puedo hacer. Así funciono.

Me gustaría ser parte de un colectivo, estar en un taller compartido, para conectar proyectos. Tal vez, enseñar, dar cursos de iniciación, con esos ejercicios a partir de una pinza y un pedazo de alambre; despertar interés en las manos de aquel que nunca antes hizo algo y se da cuenta que puede hacer y crear, que descubre algo fantástico para hacer, es superinteresante, así como test o talleres con niños -como mi hijo de 8 años-; me interesa sacarlos del ambiente de saturación informática y mediática y que puedan ir un poco más a lo manual. Veremos que caminos voy tomando.

_¿Por qué elegiste diseño de indumentaria?

_Desde muy chica recuerdo a mi mamá sentada en la máquina de coser o tejiendo. Mi mamá fue docente y directora de una escuela pública, que se sostuvo, en gran parte, gracias a sus esfuerzos; mi papá también, ya que colaboró en su construcción, de modo que ambos trabajaban mucho. En sus tiempos libres, cuando no estaba trabajando en la escuela, cosía cosas para la casa, ropa para mis hermanas y para mí, y nos tejía sacos y suéteres de lana. Aún hoy lo sigue haciendo. Yo no me animaba a coser, pero me encantaba sentarme en el piso a hojear las revistas de moldes y mirar los figurines. Siempre fui tímida e introvertida, toda la vida me costó expresar en voz alta lo que pienso, así que encontraba en el dibujo y la escritura el modo de expresarme. Elegí indumentaria influenciada por mi mamá y por esos figurines que tanto miraba, y porque me pareció que era el lugar ideal para seguir explorando modos de expresión personal. En la carrera universitaria descubrí que no solo me gustaba dibujar, sino que adoraba los oficios artesanales, el trabajar con las manos y crear. Aprendí a comunicarme y contar historias sin hablar.

_¿Dibujás las piezas antes de materializarlas?

_No podría decir que lo hago siempre. Tengo un cuaderno con dibujos de piezas con detalles de armado y bocetos que son más bien trazos sobre cómo me gustaría que sea una pieza pero sin resoluciones técnicas, es decir, no es un dibujo técnico sino más bien expresivo. Dibujo también en vectores o directo en programas de modelado 3D. Pero reconozco que no sigo una metodología de trabajo, por ejemplo, tengo piezas que surgieron sin que llegue a bajarlas a boceto, directamente sentándome a trabajar.

_¿Qué te llevó a indagar en joyería contemporánea?

_Descubrí la joyería contemporánea cursando Diseño de Accesorios en Kweitel-Kohon. Esa materia fue un espacio que significó muchísimo para mí, un antes y un después en mi vida. En la universidad, estaba fuera de mi zona de confort, y allí aprendí a trabajar y experimentar con libertad, a nadar adentro mío, en mis dudas y en mis certezas. Cuando me sentaba a crear, sentía que las piezas decían mucho más de mí que lo que yo sabía de mí misma. Creo que la joyería era justo lo que buscaba aunque no lo supe verlo hasta un año más tarde. Cómo decirlo, siento que la joyería venía golpeando mi puerta y yo no atendía. Un año después de cursar me llegó un mail de Magalí Anidjar de Casa Petit Comité, en el que convocaba alumnos de Kweitel-Kohon y nos ofrecía la oportunidad de participar en un workshop internacional a dos  estudiantes. Me dije ya está, no puedo seguir dejando pasar oportunidades. Así que le escribí y le conté de mi trabajo de autorretrato en la cátedra y mis deseos de aprender a trabajar con el metal. Para mi sorpresa, fui ¡una de las seleccionadas! Magalí me abrió las puertas de su taller y me enseñó desde cero las bases del oficio.

_¿Workshop con quién?

_El workshop era sobre fundición de metales y fue dictado por el joyero belga Peter Vermandere. Cuando miro para atrás y me acuerdo del workshop me río mucho, fue como un sueño surrealista. Mi primera vez estando en un taller de joyería fue bajo la docencia de un joyero belga, en una lengua que no manejo del todo bien, aprendiendo una técnica de joyería avanzada, rodeada de un grupo de mujeres increíbles de la joyería argentina, y yo sin conocerlas. Mi ignorancia fue una bendición, podría decirse que gracias a eso pude moverme cómodamente entre ellas, y enfocarme en absorber toda la información posible. Aproveché la experiencia lo más que pude, fue una oportunidad enorme y estoy muy agradecida por eso. En ese entonces sentía mucha vergüenza de preguntar, de no saber. Lo cierto es que no hay que sentir vergüenza de decir “no sé”, venimos al mundo a aprender. Si bien se notaba que yo era una inexperta, todos me trataron muy bien. Recuerdo a todas y a Peter con mucho cariño.

_¿Cuáles son esas bases del oficio joyero?

_Magalí Anidjar, de Casa Petit Comité, me enseñó joyería desde el principio. Partamos de la base que yo no sabía ni usar la sierra. Me enseñó a trabajar en chapas y alambres, calar, soldar, limar, embutir, remachar, dar terminaciones a las piezas. También a trabajar en ceras blandas y duras: tallado, goteo, baño y modelado de elementos como hilos y textiles, adición y sustracción de material.

_¿Qué recomendás para quienes tienen la inquietud de aprender joyería?

_Lo primero que preguntaría es cuál es su inquietud y en qué materiales le gustaría trabajar. Si quieren aprender técnica o uso de un material en particular o algo más orientado a una búsqueda de estilo y expresión. Creo que es muy personal. En mi caso, mis primeros pasos en la joyería contemporánea fueron en la facultad, con un enfoque más experimental. A partir de esto, estoy haciendo el camino inverso aprendiendo técnicas y viendo qué me resulta mejor para trabajar.

_¿Con qué materiales y técnicas comenzaste en un inicio?

_En un principio trabajé con yeso, fusión y modelado de plásticos. Me sentía muy atraída hacia los materiales traslúcidos, así que hice algunas pruebas de texturas y colores en jabón de glicerina y luego en plásticos transparentes, hasta que llegué a las resinas y los cristales de bórax.

_¿Pensás primero qué materiales y técnicas te sirven para transmitir una idea, o experimentás y vas viendo qué te permite comunicar?

_Me pasa mucho que tengo bocetos o ideas que en principio no sé cómo bajarlas. Así que me siento a pensar en características, sensaciones y palabras relacionadas a esa idea, y me voy acercando a materiales posibles, pero no suelo decidirme por uno solo. En ese punto me gusta experimentar y ver qué me permiten hacer, a dónde me llevan y cuál se adapta mejor al concepto. Mi acercamiento a las técnicas es más intuitivo. Me cuesta proyectar y planificar, suelo crear mis propias técnicas y procesos productivos. Por ejemplo, cuando estudié con Magalí Anidjar notamos que me costaba mucho trabajar con chapas, y advertimos que prefiero trabajar y construir con ceras. En la chapa no puedo calar una forma y después ver qué pasa. Si esa pieza forma parte de algo más complejo, o tiene bisagras o articulaciones, necesito tener en cuenta medidas, estructuras, pasos a seguir.

_¿Cuáles son esas técnicas y procesos productivos propios?

_Tiendo a improvisar y realizar cambios sobre la marcha. Cuando me faltan herramientas o insumos busco soluciones con los elementos que ya tengo o hago los propios. Actualmente trabajo con PLA -un material derivado del ácido poliláctico– e impresión 3D. Estoy aprendiendo a modelar, a proyectar y pensar previamente. Debo reconocer que la impresión 3D me ayudó mucho.

Por ejemplo en su momento no tenía mandril para anillos y no podía comprar uno, así que me imprimí uno en 3D. Quería poder reproducir una forma y no lograba hacerlo manualmente, así que modelé e imprimí un molde. La impresión 3D viene a democratizar y poner al alcance de uno la fabricación de herramientas propias o diseñadas por terceros que decidieron compartirlas al mundo.

“La impresión 3D viene a democratizar y poner al alcance de uno la fabricación de herramientas propias o diseñadas por terceros que decidieron compartirlas al mundo.”

_¿Cómo es ese trabajo con PLA y qué uso hacés de la impresión 3D aplicada a joyería contemporánea?

_La impresión 3D es ideal para prototipos, suele usarse como paso previo a la fundición en metales. Mi primera intención fue recrear en 3D mis diseños en cera y producirlos directamente en PLA como pieza final, pero fallé. Este tipo de impresión no puede trabajar con tanto detalle en objetos tan pequeños. Por otro lado, no tenía en cuenta factores como ángulos de impresión, resistencia de la pieza y soportes necesarios. Las piezas no tenían la calidad y detalle que yo deseaba, además que tenían fallas estructurales que las hacían frágiles. Quería que la máquina imite texturas y objetos que modelé manualmente. Estaba usando el enfoque incorrecto y desaprovechando las cualidades de la impresora. Retrocedí un par de pasos y decidí comenzar de nuevo con el diseño y modelado de piezas planas y volúmenes más simples. Recientemente comencé a post-procesar / intervenir las piezas impresas y mezclar técnicas, como por ejemplo: fusionar piezas impresas con otras piezas modeladas por calor o fundidas, o combinar descartes de PLA fundidos con bronce. Encontré el modo de utilizar esta tecnología de producción ‘en serie’ y adaptarla desde  una mirada más personal, con procesos de trabajo más artesanales, que me permiten dejar mi huella de autor en el material del mismo modo que puedo hacerlo al trabajar manualmente el bronce.

“Encontré el modo de utilizar esta tecnología de producción ‘en serie’ y adaptarlo a una mirada más personal, con procesos de trabajo más artesanales, que me permiten dejar mi huella de autor en el material del mismo modo que puedo hacerlo al trabajar manualmente el bronce.”

_¿Cómo es tu búsqueda de materiales y procesos?

_Mi búsqueda está atada a un concepto o un universo sensorial. No me gusta casarme con ningún material, ni quedarme con el material en su estado natural. Tiendo a intervenir, a texturar materiales. Lo mismo me sucede con los procesos. A fines del año último hubo una serie de cambios en mi modo de pensar y relacionarme con el mundo. En mi elección de materiales decidí, dentro de lo posible, solo trabajar con materiales de origen natural, amigables con el medio ambiente, reciclables o bien residuos de industrias o de otras producciones. En base a esto enmarqué los límites de mi trabajo, elección de procesos y materiales.

Ahora, sigo investigando el PLA, en filamentos o procesados mediante impresión 3D. Principalmente su reciclaje, termoformado de las impresiones o fusión de los descartes. Tengo en mente investigar el reciclaje de otros materiales para crear mis piezas, como PET de botellas y PEAD utilizando envases plásticos. En un futuro me gustaría fundir y reciclar mis propios metales, como bronce y plata, y si fuera posible, me gustaría aprender a reciclar vidrio.

“Decidí, dentro de lo posible, solo trabajar con materiales de origen natural, amigables con el medio ambiente, reciclables o bien residuos de industrias o de otras producciones. En base a esto enmarqué los límites de mi trabajo, elección de procesos y materiales.”

_¿Texturás de qué manera? ¿Sobre qué? ¿Qué otro tipo de intervenciones hacés y sobre qué materiales?

_Así es. No suelo dejar las superficies lisas, a no ser que sea la intención de la pieza. Me guío mucho por el qué pasa si…, qué pasa si rompo, si agrieto, si punteo, si quemo, si rayo, si moldeo… La lista de acciones puede ser interminable según lo que el material me permita hacer: en los metales texturo superficies con martillos, lijas o fresas, mientras que en los plásticos puedo moldear con calor, fundir y mezclar colores. Me gusta ir más allá de lo que me ofrece el material y buscar resultados nuevos. Es en el proceso de búsqueda y experimentación donde encuentro una verdadera satisfacción.

_¿Seguís trabajando con sal de boro?

_No, ya no utilizo bórax, ya no tiene el mismo significado que le había dado. El bórax en su forma natural es una sal, puedo cristalizarla pero tarde o temprano vuelve a su estado. Esto puede tardar días o años, dependiendo del ambiente en que se encuentra. En la resina y los barnices encontré el modo de ralentizar, a medias o del todo, ese proceso de volver a su origen. Cuando decidí dejar de usar resina, por su toxicidad, desapareció la solución. Intenté usar cristales de bórax junto a piezas de bronce e impresión 3D pero sin resina su existencia se volvió muy efímera. Y entendí que no podía seguir forzando al material a ir en contra de su estado natural, que es volver a ser sal.

_¿Por qué lo habías elegido?

_Hice piezas con bórax en el contexto del proyecto Congelar el fluir, un trabajo de autorretrato realizado en el ámbito de la Cátedra Kweitel-Kohon, un proyecto que me sigue representando porque mi esencia permanece, pero a su vez ya no soy la misma. Hacer ese trabajo fue como una terapia para mí, pero decidí dejar de Congelar el fluir y pasé a dejar que fluya, aprendiendo a ser más abierta con mis emociones. En su momento, quería utilizar un material que atraviese el proceso al que yo me refería, literalmente. Parte de la idea sobre  cómo en ese entonces expresaba y manejaba mis emociones, protegiéndolas, escondiéndolas o congelándolas. Un proceso sobre algo líquido, cálido (como son para mí las emociones) se transforma en una pieza sólida, defensiva. Los cristales de bórax me permitían eso: una sal que se disuelve en un medio cálido y envuelve un material poroso, suave, construyendo una estructura de cristales a su alrededor. Utilicé el huevo como punto de partida, un elemento que para mí representa un refugio. El huevo se rompe, y con él, el espacio que contenía esas emociones. A partir de ahí se desarrolla la serie: formas y colores pacíficos mutan hacia otras más fuertes y agresivas. Para expresar el concepto busqué materiales y procesos que hablaran de ese crecimiento donde lo líquido toma forma, se desarrolla y se solidifica. Por eso que decidí hacer una cristalización casera.

_¿Aplicás una técnica de joyería o adaptaste o hiciste una propia?

_En ese entonces no tenía los conocimientos de joyería necesarios así que todo era prueba y error, fui creando mis propias técnicas y procesos, como el de la cristalización casera. Hoy aplico las bases de joyería y sigo aprendiendo de forma autodidacta. Me gustaría estudiar joyería y cincelado.

_¿Cómo llegaste a Talente 2020 y qué significó?

_Me llegó la propuesta de la cátedra para participar en Talente 2020. Dudé mucho si presentarme pero por suerte ¡me animé! Quedar seleccionada fue un reconocimiento enorme. Releí el mail de selección muchas veces. No pude creerlo hasta varios meses después. Me dio más confianza en mi trabajo y me permitió confirmar que estoy en el camino correcto. Talente fue bueno y, además, implicó un volantazo, una conexión con la realidad tal que me hizo hacer click. Cuando llegó la comunicación de la selección y la invitación a ir a la exposición -previo a la pandemia- caí en la cuenta de que no podía pagar el pasaje y ni la estadía, ni aunque hubiese sido beneficiada con una beca. Nunca viajé ni hice envíos al exterior, y me enfrentó a situaciones lejanas a mi realidad personal. Esto se repitió tiempo más tarde, cuando recibí una invitación a participar de una exposición en el exterior. Toda esta experiencia reafirmó mi decisión de comenzar Gorgonia, mi marca de joyería y accesorios de autor. Gorgonia es la manera de seguir trabajando en el rubro, seguir aprendiendo joyería y, a su vez, generar un sustento económico para el día de mañana poder seguir experimentando y poder retornar hacia una joyería más artística.

_¿Por qué le pusiste ese nombre?

_En mi búsqueda de inspiración siempre acudo a formas orgánicas, naturales, ramificaciones, hongos y corales. Cuando estudiaba Indumentaria era recurrente que haga texturas, bordados y estampados representando formas naturales. Mis prendas, de forma inconsciente, siempre resultaban en estructuras defensivas. Dependiendo de la temática parecían armaduras o abrigos protectores, exo-esqueletos. Lo mismo pasó cuando hice mi autorretrato Congelar el Fluir, solo que esa vez entendí el por qué de las capas, los refugios, las formas que se expandían y envolvían en sí mismas.

Cuando empecé en Casa Petit Comité y pensé mis primeras piezas, ahí estaban otra vez las formas ramificadas que me recordaban a los corales. Ya tenía en mente construir mi propia marca, así que investigué especies, nombres, funciones y características de corales, en búsqueda de un nombre. Entre las palabras anoté: esqueletos, ramificados, formaciones y protección. A fines de 2019 me decidí por el nombre gorgonia. Es un término que agrupa un tipo de coral, de apariencia ramificada con esqueleto semiduro. Cuando pienso en las ramificaciones veo conceptos como fluir, expansión, crecimiento e inclusive florecer, así que Gorgonia me pareció que representaba mi estética.

_¿Cómo es Gorgonia?

_Gorgonia se fue gestando a mediados de 2019 y terminó de tomar forma a principios de este año. Hoy es mi marca y proyecto a tiempo completo. Quería crear un proyecto que transmita valores positivos y genere conciencia sobre el cuidado del medio ambiente y nuestros hábitos de consumo. Gorgonia es una fusión entre tecnología y artesanía: por un lado, me valgo de la impresión 3D para traer a la tridimensionalidad los diseños que hago en la computadora. Y, por otro lado, hago piezas en metal a mano. La gran mayoría de mis piezas son en bronce, aunque no descarto trabajar con otros metales a futuro. Predominan las formas orgánicas, utilizando alambres y chapas. Tengo algunas más clásicas, como anillos trenzados, a piezas más complejas que combinan estructuras de bronce junto a piezas impresas en 3D o plásticos reciclados. Ambas, a veces, conviven. Otras veces, los límites se borran y se vuelven una sola para un fin mayor como convertir descartes en nuevos objetos, dándoles una nueva vida. Persigo el objetivo de tener una producción responsable y zero waste porque hoy es imprescindible. El eje inspiracional es principalmente el universo marino, las formas orgánicas, la naturaleza y la Tierra, y con esta idea comunico la importancia de reducir el uso de plásticos derivados del petróleo y de cómo estos influyen en la vida marina.

_¿Cómo conseguís el zero waste?

_Lo consigo reciclando los descartes de mi propia producción y de terceros que trabajen con impresión 3D. Guardo todos esos desechos 3D, como impresiones con fallas, soportes y pruebas. Posteriormente los fundo y enmarco en bronce, generando piezas únicas para una línea de Gorgonia llamada Renacer. En cuanto el metal, también guardo todos los pedacitos de alambre y chapa, para poder fundirlos y/o reciclarlos a futuro, o llevarlos a alguien que pueda hacerlo. De esta manera logro que ningún desperdicio de mi producción termine en la basura y de ahí en el océano.

_¿Proyectos?

_En el inicio de Gorgonia, hice la distinción de mantenerla como un proyecto paralelo. Separar a la Carolina de joyería contemporánea de la Carolina de joyería ‘‘comercial’’. Recibí el consejo de no marearme con definiciones, al fin y al cabo somos la misma persona. Gorgonia es una marca muy reciente, acorde a mis valores y visión del mundo. Gracias a ella estoy comprando, de a poco, mis herramientas y voy armando mi taller de trabajo. Tengo la ilusión de que crezca y me vaya llevando hacia donde tenga que ir; en el camino iré acercándome nuevamente hacia la joyería más artística que me llevó hacia lugares como Talente. Solo que seguro tendré la oportunidad de ir.