_¿Cómo surgió «Respirar, pensar, hacer de cuatro joyeros contemporáneos»?

Fabiana Gadano: _El puntapié inicial lo dieron Laura Giusti y Paula Isola del colectivo Joyeros Argentinos, al que pertenecemos, y nos propusieron exponer en este espacio, el Museo de Arte Popular José Hernández, y estamos muy agradecidos.

No es una retrospectiva sino una exposición panorámica. Nos parece un término más representativo, porque implica un panorama más amplio y no da idea de fin de ciclo. Es una muestra del presente hacia atrás y hacia adelante también, de un presente en el que estamos trabajando y en el que nos planteamos qué seguir haciendo de ahora en más.

Jorge Castañón: _Hay una característica de este grupo que es una necesidad imperiosa de cambio y evolución. Ninguno de nosotros se estacionó mucho tiempo en un mismo trabajo ni encontró una metodología en la que se quedó trabado, sino que en cada uno hay una curiosidad que está por delante, siempre se ve un avance y una búsqueda de algo desconocido, con un horizonte que se va corriendo. Y en nuestros trabajos se nota cómo cambia ese objetivo o cómo se tira la piedra más lejos para recogerla e ir más allá.

F. G.: _Somos conscientes de este camino y que los pasos deben ser pequeños para no perder el rastro de lo que fuimos haciendo. Por ejemplo, en lo personal, hice un nuevo trabajo en madera, material que nunca había trabajado, pero aunque lo percibo como algo foráneo ni se cómo relacionarlo con lo que venía haciendo sigo adelante aun teniendo la necesidad de volver a lo que hacía o conocía, porque se trata siempre de ir sumando algo nuevo que obligue a cuestionarnos sobre eso que aparece y así avanzar y crecer.

Graciela Lescano: _Sí, tal cual. Nuestro recorrido es una sumatoria de pasos que se acumulan, que se manifiestan y hacen que la obra sea dinámica, evolucione. Se trata de mostrar una búsqueda, una investigación que en un principio no estuvo definida pero que se fue descubriendo en el hacer. Un camino que venimos transitando, en el que tratamos de no estancarnos ni repetirnos, y que decidimos mostrar.

“Hay una característica de este grupo que es una necesidad imperiosa de cambio y evolución… en cada uno hay una curiosidad que está por delante, siempre se ve un avance y una búsqueda de algo desconocido”.

_¿Por qué una muestra grupal y por qué uds. cuatro?

F. G.: _Porque somos desde hace tiempo el grupo soporte de Joyeros Argentinos.

G. L.: _Creo que buscaron poner en valor el trabajo consecuente que se hizo por años para hacer crecer la joyería contemporánea. Cada uno de nosotros hemos tenido talleres desde los que intentamos multiplicar la joyería contemporánea.

J. C.: _Mirando hacia atrás, en la historia de la joyería contemporánea argentina, en un principio éramos unos pocos que nos conocíamos y reconocíamos. Tal vez somos una muestra de esos pocos que empezamos a marcar un mojón, a dar una señal de continuidad, que comenzamos a insistir en la joyería contemporánea. Una historia de más de 20 años, cuyos inicios se dieron en espacios poco habitados por joyeros con una concepción más contemporánea, que estábamos en la señalada búsqueda personal. La evolución de las comunicaciones y de internet también hizo posible una mayor llegada de información y de intercambio de conocimientos y expresiones, pero sobre todo está siempre la curiosidad e intención de hacer una joyería distinta a la clásica.

G. L.: _También, insisto, el valor está en haber sido consecuentes, en haber sostenido el trabajo y avanzado a pesar de los pocos que éramos, de las dificultades, de los fracasos, de la escasez de espacios disponibles, en un camino en el que aún tenemos mucho por recorrer.

F. G.: _Jorge es muy generoso al hablar en plural, porque su iniciativa en la joyería contemporánea desde su taller es única y pionera. Es uno de los primerísimos que empezó e impulsó la actividad. Nosotras tres empezamos en La Nave. Y no solo inició sino que también pudo sostenerlo por décadas.

Mabel Pena: _Y además nos brindó un apoyo constante, por ejemplo, recomendándonos a alumnos, es decir, diseminando semillas.

G. L.: Jorge fue pionero en la experimentación de técnicas e investigación de materiales. Y siempre se destacó por enseñar todo lo que sabía, sin secretos, y así formó a generaciones de joyeros contemporáneos.

J. C.: _Recuerdo que en el primer año del taller, en 1990, concurrían tres personas, al siguiente siete y para llegar a 15 pasaron muchos años, con idas y vueltas, altibajos; fueron años arduos, de mucha terquedad y obstinación. Cuando me cuestionaba qué podía ofrecer o compartir de lo aprendido en joyería contemporánea pensaba, tal vez porque la joyería clásica era de hombres, que se acercarían más hombres que mujeres y fue exactamente al revés; las mujeres avanzaron de manera exponencial en la joyería contemporánea argentina. De ahí que ellas tres son mayoría…

Mirada panorámica

_¿Qué buscan mostrar en esta panorámica?

F. G.: _Es una muestra que tiene un fin didáctico, siguiendo esta idea de que hay mucho por recorrer, que es una actividad que hace falta difundir y explicar de qué se trata. La intención es mostrar nuestros trabajos e investigaciones que hicimos a lo largo de los años. Es una exposición que busca exhibir cómo ha ido evolucionando y creciendo parte de la joyería contemporánea local, cuáles son sus propuestas, ideas y los cuestionamientos que fueron surgiendo.

“La intención es mostrar nuestros trabajos e investigaciones que hicimos a lo largo de los años. Es una exposición que busca exhibir cómo ha ido evolucionando y creciendo parte de la joyería contemporánea local”.

_¿Son sus propios curadores o sumaron otras miradas para la edición?

M. P.: _Intentamos pero no pudimos. Discutimos e intercambiamos mucho entre nosotros para definir cómo podían dialogar nuestras obras. Somos cuatro muy disímiles, cada uno con sus “yoes” internos.

J. C.: _Hay mucho recorrido, muchas etapas técnicas, muchas materialidades experimentadas que fueron sucediendo. Tal vez éste es un buen momento para reflexionar. En general, cada materialidad respondía a un pensamiento, a una experiencia, a una idea que pugnaba por manifestarse y expresarse como resultado de una búsqueda personal.

F. G.: _Y también hubo muchas inquietudes en simultáneo, las cuales se advierten en esta expo.

G. L.: _La apertura hacia otras materialidades o el paso del metal a otros se dio también por cuestiones económicas. Fue una necesidad y resultó fantástica.

F. G.: _Sí, pero me pregunto si nuestros rasgos son el resultado de un condicionante económico o responden a una elección por la fuerza expresiva que los materiales permiten.

M. P.: _Ciertamente ese problema resultó una solución, fue una necesidad que nos llevó a cambiar y a incorporar otras materialidades que terminaron por permitir expresarnos muy bien, tal vez, mejor.

G. L.: _Esa es la ventaja de la joyería contemporánea que abre un abanico de posibilidades, y es lo que va a verse en la muestra.

 

“Discutimos e intercambiamos mucho entre nosotros para definir cómo podían dialogar nuestras obras”.

_¿Cómo se dio ese pase del metal a otros materiales?

F. G.: _Sí, hubo una transición, pero fue surgiendo -al igual que en otras ciudades del mundo- como parte de un movimiento que tuvo que ver más con lo expresivo o con el potencial que podían ofrecer otras materialidades. Fuimos permeables a esa movida, tratando de establecer nuestros propios discursos, nuestras ideas, señalando qué queríamos contar.

M. P.: _Formamos parte del escenario del arte contemporáneo, y de esa innovación que en un principio se planteó en Europa. Además logramos participar y formarnos en diversos grupos de discusión e investigación, como Cómplices, por ejemplo, en el que comenzó a aparecer la necesidad de elegir otros materiales no convencionales.

F. G.: _Sí, se dio en una búsqueda por romper con la joyería tradicional.

M. P.: _También en esa búsqueda, que ahora exponemos, se ve la necesidad de contar con una bajada más comercial sin perder otra más esencial o expresiva, artística. Muchos nos jugamos por otros materiales.

J. C.: _El valor o el precio de los materiales no creo que haya sido el primer motivo de ese cambio. Con el paso de los años, el crecimiento de cada uno y la evolución en la mesa de trabajo, se fue afianzado y nos fuimos asignando permisos para salir de planteos más ortodoxos y pasar a otros más heterodoxos. Así fuimos pasando de situaciones más formales, que tal vez la joyería clásica tiene implícitas y respeta a rajatabla, a otras más flexibles o permeables a nuevas o diferentes ideas o discursos. Esto sin quitarle mérito alguno a una u otra expresión.

Fuimos tomando o sintiendo esa necesidad de ir corriéndonos de lo clásico o del uso del metal. Esa necesidad fue estética, plástica, comunicacional más que estrictamente técnica o de costos. Y también ambiental, porque entendimos que no estamos solos en el planeta y hay materiales que no son inofensivas; si hubiésemos seguidos los cánones de la joyería tradicional hubiésemos  cometido un grave error político ambiental. Ya, sin duda, cuando hablamos de los materiales que usamos tenemos en cuenta esta posición, porque al usar materiales asumimos una posición política sobre el medioambiente. Hoy uno se pregunta si con lo que está por utilizar genera algún daño o contribuye al mejoramiento del espacio que compartimos.

Al hablar de materiales convencionales, como los metales, sabemos que implican una extracción y su uso que tiene consecuencias. En nuestro quehacer, estos cuestionamientos son cada vez más frecuentes y debemos preguntarnos qué hacemos como habitantes de este planeta, porque no elegimos de manera inocente, es más, debemos elegir de manera más consciente.

M. P.: _Sin duda esta mayor consciencia se ha registrado en el trabajo de los cuatro.

F. G.: _Como joyeros tratamos de ser coherentes entre cómo queremos vivir y crear, y algo de eso va a verse.

De materialidades y otras técnicas

_¿Por qué eligen cada uno de los materiales a través de los cuales se expresan?

F. G.: _Aunque ahora trabajemos con otros materiales, como plásticos, maderas, textiles o los que sean, el aprendizaje de las técnicas y la construcción de piezas, la búsqueda de los detalles en las terminaciones, el manejo de las herramientas asociadas a nuestros inicios con el metal están incorporados de tal manera que no importa en qué materiales se aplican. Las resoluciones técnicas que implica una pieza de joyería contemporánea están siempre presentes independientemente del material.

M. P.: _De todos modos, como los cuatro empezamos por el metal, en la expo va a haber una mesa metalera, aunque se verá de todo un poco.

“El aprendizaje de las técnicas y la construcción de piezas, la búsqueda de los detalles en las terminaciones, el manejo de las herramientas están incorporados de tal manera que no importa en qué materiales se aplican”

_¿La muestra es un cruce de trabajos o es una suma de sus individualidades?

F. G.: _Hay puntos de contacto pero se mostrarán trabajos individuales con un eje cronológico ordenador.

M. P.: _Sin duda las piezas estarán en diálogo, no será una puesta individual sino una muestra grupal. Tenemos muchos puntos en común. Hay una línea que, un año antes o después, aparece y evidencia coincidencias en materiales, técnicas, conceptos o expresiones.

“En «Respirar, pensar, hacer de cuatro joyeros contemporáneos» se mostrarán trabajos individuales con un eje cronológico ordenador… evidencia coincidencias en materiales, técnicas, conceptos o expresiones”

_¿Por qué «Respirar, pensar, hacer…»?

F. G.: _Porque la propuesta está atravesada por un quehacer vital con cuestionamientos que señalan cómo queremos vivir, qué mundo pretendemos, qué ideas queremos transmitir. Nuestra actividad principal es la joyería contemporánea, es nuestra forma de vida, nuestra manera de expresarnos en este momento que nos toca vivir. Se trata de poner temas en la mesa, en evidencia, que se conozca, como el del uso excesivo y contaminante de plásticos, por ejemplo.

«Respirar, pensar, hacer…» tiene que ver con una necesidad de experimentar, de disfrutar de un proceso de transformación del material, sea cual fuere, y esto se da desde un principio cuando trabajábamos con materiales más tradicionales.

J. C.: _El por qué del nombre de la muestra responde a nuestro trabajo cotidiano. Respirar es un acto reflejo que uno no controla y representa lo que no manejamos, como esos actos del alma o del corazón; al sentarnos en el banco de joyero se dibuja esa primera inhalación. Ese respirar habla de lo no previsto, de los sentimientos que uno pone en juego cuando empieza a trabajar.

Pensar viene después e implica preguntas, respuestas, dudas, pensamientos, un cuestionario constante con que uno interpela al corazón, al alma, a la emoción. Pensar es inexorable e innato y sucede cuando uno quiere reflexionar sobre lo que está haciendo.

Y en el hacer uno va construyendo, dándose permisos, habilitados desde el corazón o desde el alma, para sentir, para buscar cómo reflejar esos sentimientos y darles forma, cómo comunicar lo que uno siente o quiere transmitir con lo que está haciendo.

En el banco de trabajo se da la posibilidad de hacer, en una conversación con la materialidad, puede parecer hasta un poco loco, pero los materiales, las cosas que nos rodean, hasta las plantas y los animales hablan, todo habla, a veces no tenemos la capacidad de traducir todos esos lenguajes.

F. G.: _En muchos casos aparece la presentación antes que la representación, y se da al jugar con el material, al tocarlo nos interpela, nos muestra cómo nos estamos vinculando; esto también es pensar. A veces no lo podemos experimentar porque no estamos en frecuencia con esa vibra y en otro momento nos volvemos a cruzar con ese material u objeto y nos llama la atención y logramos crear. En el taller como en la vida a veces lo ves, a veces escuchas, a veces podes hacer; la joyería es una práctica como otras tantas en la vida.

M. P.: _Ese hacer al que aludimos en el nombre de la exposición también es una necesidad, una necesidad interna de querer expresar. Es una experiencia en la que estamos desde hace años, una búsqueda que hoy exhibimos y con la que pretendemos movilizar, contagiar, incentivar, entusiasmar, difundir, interpelar.

_¿Eligieron exhibir las piezas que más los representa? 

F. G.: _Mostraremos algo muy afectivo, con trabajos que queremos mucho por diversos motivos, porque nos dio alegría hacerlos, porque nos dieron mucho trabajo y logramos lo que buscamos; hay piezas emblemáticas por haber sido premiadas y trabajos que pensamos que son representativos de nuestro recorrido.

“Mostraremos trabajos que queremos mucho porque nos dio alegría hacerlos, porque nos dieron mucho trabajo y logramos lo que buscamos; hay piezas emblemáticas por haber sido premiadas y trabajos representativos.”

_Pero muchas obras están es un museo o las tiene alguien que las compró.

J. C.: _Sí eso nos pasa mucho. Es el destino de lo que hacemos, en algún momento estuvo a la venta, fue elegido y se alejó de nosotros. Por eso, la muestra va estar acotada a lo que cada uno tiene, a veces tuvimos la suerte de que la tuviera alguien cercano, otras logramos que las piezas volvieran para este fin y otras tantas no están a mano porque las soltamos.

F. G.: _Eso está bueno también porque se cumple el cometido de llegar al otro.

M. P.: _Sí está buenísimo porque una persona se conmovió con nuestra obra y decide portarla, la lleva como propia. Y así hasta le cumplimos el deseo.

J. C.: _Esta exposición es solo un muestreo que exhibe una evolución, experiencias, experimentaciones, curiosidades, búsquedas.

“Esta exposición es solo un muestreo que exhibe una evolución, experiencias, experimentaciones, curiosidades, búsquedas.”

Búsquedas propias

_¿La muestra exhibe ese proceso en el que se dio esa indagación sobre los materiales y nuevos lenguajes?

F. G.: _Sí claro. Respecto de esos lenguajes que se verán o ese decir a través de una pieza, también se va a ver reflejado que en un momento hubo una necesidad y hasta cierta imposición técnica que suponía decir algo a través de una joya, que había que anudarla a un concepto. Y es cierto que en muchos casos uno se plantea tener una idea y se pregunta cómo contarla, pero en tantos otros, los cuales suelen suceder a la par, simplemente se quiere experimentar y tener la sensibilidad que permite o a que incentiva el material.

G. L.: _También, en relación a los lenguajes que se dieron y dan en la joyería contemporánea, hay uno singular que se establece cuando una pieza está en el cuerpo de otro, y entonces esa joya también habla de sus preferencias del portador y de las intenciones o no de su creador; de esta manera, hay una expresión que se lleva, que se muestra de aquí para allá. Puede que eso que uno pensó al crear una joya sea diferente de lo que interpreta el que la adquiere o lleva, pero en cualquier caso se genera un intercambio enriquecedor, el mismo que seguro puede verse en una exposición.

J. C.: _Hay una clara complicidad con el usuario o espectador. Como en cualquier estamento del arte, alguien para tener el deseo de llevar algo tiene que hacerse cómplice con el hacedor. Cuando se crea o se hace joyería contemporánea, se imagina a un receptor que tal vez entra en sintonía con lo que uno sintió. Como joyero o hacedor de objetos portables, deseo que la persona que los lleve se sienta identificada, sensibilizada con la pieza y tenga deseos de usarla y hasta, tal vez, luego elija la ropa que se va a poner para llevar o al salir a exhibir esa pieza.

M. P.: _Sí, siempre hacemos eso. Una joya contemporánea nos da información y dispara la curiosidad de quien la lleva, que suele ser gente con cierta personalidad y audacia que interpreta o reinterpreta un lenguaje que vamos construyendo con perseverancia; el haber podido resistir o insistir en la joyería contemporánea deriva en muestras panorámicas como la que proponemos.

_¿Cómo describirían la voz de cada uno, a propósito de esta oportunidad de poder levantarla?

J. C.: _Me atrevo a levantar la voz en nombre de todos. Hacemos lo que es inexorable que hagamos. Para nosotros cuatro no hay manera de eludir el hacer joyería contemporánea. Creo que ninguno ya a esta altura podría hacer otra cosa. Por eso, cuando trabajamos en el banco de joyero sucede eso inevitable: respirar, pensar y hacer joyería. Como bien decía Mabel forma parte de una necesidad vital. O como explicaba Graciela implica ese hacer desde las entrañas de manera intuitiva. Uno saca cosas de adentro, son impulsos entrañables que adoptan formas no planeadas, que forman parte de ese permiso que fuimos tramitando a lo largo de estos años, permiso de sentir y de darle forma a ese sentir sin miedo al juicio, opinión o a la mirada ajena; ahora nos manejamos con más libertad. La joyería que hacemos le da forma a esos impulsos entrañables, le da forma al sentimiento.

F. G.: _Cierto. También hay rasgos característicos de cada uno de nosotros. Jorge con su trabajo de desgarrar la madera con sus vetas que muestran texturas y colores deteniéndose en ese disfrute; esas formas intestinas o aleatorias de los tejidos mantra de Graciela; o la minuciosidad resultado de la observación de la naturaleza con el recupero de materiales de Mabel, y mi juego permanente entre el mecanismo, la técnica y la transformación del material, como pet, que también me permite disfrutar de la expresión. Desde el grupo pudimos ver estos rasgos, ponerlos en valor y cruzarlos.

M. P.: _La transformación de los materiales es una constante y, en particular, entre nosotros es un desafío diario y una pasión.

“Para nosotros cuatro no hay manera de eludir el hacer joyería contemporánea. Por eso, cuando trabajamos en el banco de joyero sucede eso inevitable: respirar, pensar y hacer joyería.”

Hitos joyeros

_¿Muchas de las piezas elegidas marcan hitos en el trabajo de cada uno?

J. C.: _Hay algunas piezas bisagra, como mi primera pieza de madera que marcó un antes y un después en mi trabajo. Cuando fue la expo «En el país de las maravillas» mostré todas piezas de metal pero días antes de la inauguración sentí que faltaba algo y advertí que no podía ser de metal así surgió «Las madrigueras», una pieza que se verá en la muestra; lo más significativo fue lo que sucedió después: cuando volví al taller, tenía trabajos a medio hacer pero comencé a no reconocer esa materialidad con la que hasta entonces me identificaba y sentí que algo había cambiado en mí, en mi trabajo y en el taller, tanto que volver al metal me resultó imposible, no me fue posible seguir haciendo lo que venía haciendo; comencé a buscar y la madera se me aparecía; así empecé un experimento con la madera que ya no tiene fin.

G. L.: _Mi pieza clave es «De norte a sur», fue hecha para la exposición «Lazos de la tierra» Argentina Brasil 2006-2007 que se vio en la Universidad de Palermo y en Casa Curutchet, Colegio de Arquitectos en La Plata, en plata 925, hilo de chaguar

Con las técnicas de construcción y tejido. Fue la primera pieza en la que logré fusionar la joyería contemporánea con el tejido. En ese momento fue con chaguar, material tradicional de la cultura wichi, aborígenes del norte argentino. La elección del material fue un punto de partida y está relacionado con mi lugar de nacimiento, Salta.

El tejido es parte de mi vida, expresa mi historia y disfruto mucho de tejer. Aprendí a tejer antes de aprender a leer y escribir. Esta pieza fue el comienzo de una etapa de mi trabajo que sigue presente y es mi manera de expresar mis intereses estéticos y dar testimonio de la cultura de un pueblo originario.

F. G.: _El broche «Naturaleza muerta» es mi pieza bisagra. Es una de las primeras en las que trabajé con plástico PET. Tiene la terminación original, brillosa del plástico de las botellas. Fue de mis primeras experimentaciones en la construcción de volúmenes con formas orgánicas, transparentes y onduladas. También el broche-collar «Las mil fuentes del Benaco», otra significativa experimentación con PET, esta vez buscando el volumen a través de planos de corte geométrico. También juego con las transparencias, pero en esta etapa trabajaba el material con la intención de transformarlo hacia la opacidad o al satinado en lugar del brillo.

“Esta última pieza ganó Mención en Fondazione Cominelli 2018, en la convocatoria «Una joya para el lago» (refiere al lago de Garda), jurada entre otres, por una prestigiosa coleccionista de USA que se llama Helen Drutt English. Trabajé sobre un canto de la Divina Comedia que habla sobre el lago de Garda, en aquel tiempo llamado Benaco”.

M. P.: _Mi emblema es «Amazonia» porque en ella pude incorporar nuevos materiales a partir de la vivencia de un viaje al Amazonas, donde recolecté diversas semillas y otros elementos naturales, además de incorporar fotos propias que expresan mis estados de ánimo o contemplaciones del paisaje, como animales, gotas de rocío, el follaje y principalmente la exuberancia de la Amazonia. A partir de entonces, en 2007, seguí con la plata pero mixturé con diversas técnicas que me permitieron incorporar materiales no convencionales.

_Estás dedicado a full en la joyería y además sos docente, chef y fotógrafo.

_Desde el año 2000 estuve cuatro años viviendo en Venezuela, donde trabajaba en el taller de mecánica de maquinaria pesada de mis hermanos. Luego, regresé a Cali por la enfermedad de mi mamá y empecé a estudiar joyería por otros cuatro años. Tras su muerte regresé a Venezuela, volví a la mecánica y en paralelo empecé a estudiar cocina y también fotografía hasta que me retiré de la mecánica, me dediqué a dar clases de emplatado en cocina y seguí con la fotografía, pero cuando la situación en Venezuela se complicó volvimos a Bogotá.

Allí, a finales de 2016 retomé la joyería pero decidí hacer solo las piezas que quería o me gustara ver. Un año después participé de Joya Barcelona y todo se fue dando, empecé a dar clases en la escuela Materia Prima de Bogotá y a dictar talleres en la escuela De la Mano en Medellín, y desde entonces solo estoy dedicado a la joyería.

“Cuando retomé la joyería decidí hacer piezas que solo quería o me gustara ver”.

_¿Pudiste aplicar estos oficios a la joyería?

_Sí, complementé todas estas disciplinas. Apliqué la mecánica, la cocina y la fotografía a la joyería. Mis piezas de joyería llevan muchos ensambles mecánicos que aprendí en mecánica. De la cocina, rescaté el uso de colores y las texturas, y de la fotografía, la composición estética.

Por ese entonces, cuando me iba bien con la cocina y fotografía en Venezuela, un amigo me decía, que podía ser muy bueno en muchas disciplinas pero si me dedicaba o enfocaba en una podía entregar toda la energía para que fluya mejor. Y eso me pasó, independientemente de que aprovecho la fotografía para mostrar mis piezas, que me gusta mucho cocinar, que adquirí una habilidad especial para la mecánica y las disfruto mucho, siento que haberme concentrado en la joyería resultó muy bueno. La joyería es un oficio demanda mucho tiempo y está bueno dedicarse.

“Haberme concentrado en la joyería resultó muy bueno. Es un oficio demanda mucho tiempo y está bueno dedicarse.”

Influencias determinantes

_Pero tu joyería no sería lo que es sin la influencia de la mecánica, la cocina y la fotografía.

_Sin duda. Cuando me dedicaba a la mecánica renegaba de ella, pero luego me di cuenta que haberla trabajado me volvió muy diestro para conocer las herramientas, para saber cómo se manejan; así mi pensamiento resulta muy mecánico.

Cuando pienso en una pieza primero hago un boceto rápido y en tanto ya reflexiono en cómo la voy a hacer, cómo se va a cortar y ensamblar, la armo mentalmente y por esto luego la materializo mucho más fácilmente.

“Reflexiono en cómo voy a hacer una pieza, la armo mentalmente y luego la materializo mucho más fácilmente.”

_Este es un método que particularmente se enseña en la joyería de Colombia.

_En las escuelas de joyería de Colombia se pone mucho el énfasis en que una pieza esté bien hecha, bien soldada, bien pulida, y esto sí está muy marcado entre los joyeros colombianos; podemos tener una idea para realizar una joya artística, pero siempre está presente esa consciencia adquirida de que debe estar bien hecha y a veces eso no sé si nos juega en contra. No digo que para poder crear las piezas deben estar mal hechas sino que esa aplicación casi perfecta de la técnica a veces se convierte en una atadura, en una cadena.

“En las escuelas de joyería de Colombia se pone mucho el énfasis en que una pieza esté bien hecha, bien soldada, bien pulida.”

_Dictaste cursos de resina ¿ese era tu material en un principio?

_Cuando aprendí joyería supe cómo se mezclaban los colores en la resina y cómo secarla. Al retomar la joyería quise utilizar la resina porque me permitía lograr lo que quería, y me llevó a profundizar y pulir la técnica. Me gustó lo que logré con la resina hasta que decidí dejarla por contaminante; sé que esto se da también con los metales pero preferí abandonar este uso o al menos como lo venía utilizando.

Con mi trabajo siempre estoy protestando de alguna u otra manera por lo que sucede en el entorno y me parecía que tenía que ser coherente con lo que pregonaba. Sé que hay resinas amigables con el medioambiente pero entiendo que no lo son en un ciento por ciento. Y la dejé, aun cuando algunas de mis piezas en resinas fueron elegidas en Joya Barcelona 2017

_¿Cambiaste solo de material?

_No. En 2017, mediante los graffitis, que entonces tenían resinas, me expresaba con sarcasmos y bromas. Un año después la situación en Colombia se enrareció mucho más y comencé a cuestionarme por qué no protestar por lo que está pasando en mi país. Y al tomar más consciencia de lo que pasaba utilicé mi trabajo para este fin; aunque es una voz pequeña, creo que sirve para inducir a pensar en lo que sucede.

Así, comencé a visibilizar la situación de los líderes sociales y el clima político de Colombia, en general. Y lo hago, sobre todo, a través del collar «Ausencia», hecho desde 2018 con pequeños cráneos.

Hago los moldes de los cráneos, espero a que se sequen y los vacío en un proceso de días y tras pulirlos los enumero. Mi intención era hablar del asesinato de los líderes sociales sin que se asocie a un premio, como antiguamente se usaba en las guerras, por eso esos cráneos están volcados y hasta en algunos casos uno se engancha con el otro. Desde un inicio, quise que cada cráneo representara a un líder social por eso les escribo un número.

Levantar la voz

Es que desde que se firmó el Proceso de Paz en 2016 comenzaron a matar líderes sociales y, en 2018, decidí no finalizar la obra hasta que esa matanza termine; lamentablemente sigo y tengo que actualizar la cantidad porque los asesinatos de líderes sociales ya son más de 1000. Ahora, continuaré haciéndolos ya no con resina de poliéster sino con otra resina tipo cemento.

“En 2018 comencé a visibilizar la situación de los líderes sociales y el clima político de Colombia, en general”.

_Es tu pieza insignia.

_Sí. Además, este collar está acompañado de una bitácora en la que junto al número inscripto en la pieza consigno el nombre, la fecha y el lugar de asesinato. Es una manera de honrarlos y de denunciar lo que pasa.

En este momento, el collar mide 6,60 m y pesa casi un kilo y medio. No es una pieza portable sino más bien para una instalación. En 2019 lo actualicé cuando lo expuse en el Museo de Arte Moderno de Bogotá. Unos meses antes fui amenazado de muerte y tras la denuncia en la fiscalía volvieron a amenazarme. Entonces advertí el peligro que estaba corriendo con mi pareja y decidimos irnos de Colombia. Nos vinimos a Barcelona, cerca de Hospital Clínic. Estando aquí me siguieron amenazando por redes sociales. Por eso, solicité asilo político para obtener protección, en tanto tengo residencia y permiso de trabajo. En lo que va de este año mataron a 22 líderes sociales.

No busco ni quiero que el collar se vea lindo, porque el mensaje que conlleva es muy duro; sería muy chocante que fuera lindo; con los actuales 431 cráneos se podría usar, pero no es la idea; cuando tenga la cantidad que se condice con la realidad no será una pieza que pueda ser portable. Es que implica un mensaje muy potente que no es fácil de llevar.

Además, proyecto, entre otras cosas, sumar dibujos que pretendo convertir en calcomanías para poder llevar el mensaje más allá.

“El collar «Ausencia» es una manera de honrarlos y de denunciar lo que pasa”.

_Este collar marcó un antes y después.

_Antes de «Ausencia» hacía broches con los que denunciaba lo que pasaba en mi país, pero este trabajo y el hecho de que no esté terminado, que sea una pieza inacabada porque refleja una situación del país que parece no tener fin, sí marcó un antes y un después. Ahora tengo y genera mucha más consciencia sobre la problemática de la violencia, e implica una carga emocional muy fuerte.

_Es una obra inacabada aún, pero ¿creés que algún día podrás terminarla? 

_Tengo mucha esperanza y expectativa por el próximo recambio político que se avecina en Colombia. Se están presentando otras alternativas con buenos argumentos y propuestas que presiento pueden ser mejores a la actual.

Y hay también un recambio generacional positivo, que supone un mayor respeto por el otro, por las minorías, por el diferente, que se juega a salir a marchar y reclamar por lo que cree.

Aunque no sé si esto parará porque Colombia es un país que lamentablemente se acostumbró mucho a la violencia…

“Tengo mucha esperanza y expectativa por el próximo recambio político que se avecina en Colombia. Aunque no sé si esto parará porque Colombia es un país que lamentablemente se acostumbró mucho a la violencia…”

Sublimando experiencias

_¿Conseguís sublimar experiencias y percepciones personales a través de la joyería?

_Sí. Mi experiencia más fuerte tiene que ver con mi mamá Fabiola. Cuando arranqué con mi obra «Fabi», empecé a identificar que mi mamá nos crió para ser muy machistas.

Mi trabajo de joyero es muy reflexivo. Me permitió identificar y entender lo que me pasaba. Pensaba que mi alejamiento a las mujeres era por ser gay y no tenía nada que ver, más bien era por ser machista y hasta algo misógino; cuando empiezo a identificar estas cosas pude empezar a sanar.

Además, este trabajo también me permitió transformar muchas creencias, pensamientos, actitudes. Identificar los problemas permite ir solucionándolos, y así se puede sanar. La joyería me sirvió para conseguir estar más en paz conmigo mismo.

“Este trabajo es muy reflexivo y me permitió identificar y entender lo que me pasaba; también me permitió transformar muchas creencias, pensamientos, actitudes.”

_¿Cómo es «Fabi»??

_Es una obra en la que usé piedras semipreciosas identificándolas como mujeres, siguiendo la idea generalizada de que son quienes usan más las joyas… Hay una primera pieza con un cuarzo rutilado engastado con recortes de páginas de la Biblia con pasajes supermachistas; en Colombia la religión es muy fuerte, no para mí que no soy creyente.

La piedra no está pegada sino suelta, está sujeta por las hojas que sí al estar pegadas la presionan y sostienen. La idea de sujetar la piedra con las hojas la saqué de los papeles de publicidad que se pegan en los postes de las calles de Barcelona, que se hacen tan gruesos que resultan difícil de cortar con las mano; así advertí lo fuerte que es el papel cuando se une y las hojas de la Biblia me sirvieron para representar lo fuerte que se vuelve su mensaje.

La intención de «Fabi» es mostrar que la mujer está siempre atrapada, y lo hago mediante ensambles mecánicos con tornillos que no la dejan salir y, a propósito, porque lo mecánico tiene que ver con lo masculino.

En algunas de las piezas de esta serie vuelve a aparecer el graffiti, y las piedras siempre están atrapadas. A mi mamá le gustaba tejer al crochet por eso la pieza refleja ese bordado parecido al que hago en la libreta de los líderes sociales.

_¿La joyería entonces es tu instrumento para referirte a conflictos políticos, sociales y ambientales?

_Sí exacto, es mi medio de comunicación. Creo que desde la joyería podemos hacer nuestro aporte para tener más consciencia. Así, la joyería puede ser un medio de denuncia muy importante.

Y la joyería, para mí, también es un medio de sanación porque permite pensar, reflexionar o identificar problemas, y eso ayuda a estar y ser mejor persona.

Me preguntaron hace poco si valió la pena denunciar los asesinatos de los líderes a través de la joyería porque la consecuencia fue tener que exiliarme, y le respondí que sí, sin duda, no puedo ser indiferente.

“Desde la joyería podemos hacer nuestro aporte para tener más consciencia.”

_¿Buscás crear consciencia a través de la joyería?

_Sí, busco crear consciencia en el otro y, sobre todo, en mí. La labor de los líderes sociales es muy peligrosa y sin embargo se arriesgan, entonces por qué no apoyarlos a través de mi trabajo o visibilizar lo que les pasa en alguna medida.

Con que una sola persona me pregunté el porqué del collar «Ausencia» es suficiente porque me da la oportunidad de contar y tomar consciencia de lo que pasa.

Si todos fuéramos más conscientes de lo que nos pasa y de las consecuencias de lo que pasa, no haríamos ni provocaríamos tanto daño.

A pesar de la distancia estoy muy conectado e informado de mi país, aunque no sé cuan sano es estar tan pendientes de las noticias porque a veces me lleno de rabia ante algunos hechos.

“Busco crear consciencia en el otro y, sobre todo, en mí.”

_¿Estando en Europa, cómo vivís este momento de guerra?¿ La joyería puede servir como catarsis?

_Soy bastante pesimista con lo que está pasando. La guerra es terrible, estoy en shock y estoy a la defensiva como esperando el golpe, una consecuencia muy negativa.

Sin embargo, desde la joyería trato de acercarme a otras iniciativas, como la de Precious Collective, al que pertenezco, que convoca a joyeros a donar piezas para vender y recaudar fondos en favor de los damnificados y refugiados ucranianos.

Joyería de protesta

A propósito de lo que se ve por la guerra o lo que no se ve o visualiza, tengo un proyecto en mente referido a cómo los medios de comunicación tergiversan lo que pasa en favor de intereses, manipulan lo que comunica según de quien se trate.

Y sí, la joyería me sirve para tamizar lo que pasa. Tengo momentos de convulsión, como este por la guerra, en el que tengo las ideas muy alborotadas hasta que llega la calma y ahí fluye, y puedo responder ese qué puedo hacer yo.

Soy muy consciente de lo que pasa, pero siento que esto no debe tratarse a la ligera. La joyería no supone una fábrica de joyas cual caramelos.

Hay que ver si tenés que decir algo, porque no todo el tiempo se tiene que decir algo. Mi trabajo es más reflexivo y esto implica interiorizar todo lo que pasa para ver qué surge.

“La joyería me sirve para tamizar lo que pasa.”

_¿Tu joyería es de protesta, contestataria?

_Sí, y se me identifica de esa manera. Mi joyería busca visibilizar lo que nos pasa, eso que a veces no queremos ver. Hay muchos temas incómodos que debemos tratar y ver qué pasa al sacarlos a la luz. Y mi manera de tratarlos es a través de la joyería.

_¿Qué importancia tienen los ensambles mecánicos o en frío en la joyería?

_La importancia radica en que con el correr de los años estamos usando cada vez más materiales, no solo metales sino muchos otros, como plástico o maderas. Y los ensambles mecánicos permiten sujetar muchas piezas que no podemos soldar. Este es un aporte que aprovecho al máximo en mi trabajo.

Me gusta utilizar piedras pero no engastarlas de manera convencional, siempre quiero sujetarlas de manera diferente. Y los ensambles mecánicos o en frío me ayudan mucho. También a los estudiantes de mi taller en su indagación persona, y advierto consiguen aplicarlo muy bien a su trabajo sea cual fuere el material, como el papel, por ejemplo.

Es que a veces se diseñan piezas en base a la soldadura por desconocimiento de los ensambles en frío, y muchas veces esa soldadura limita el uso de ciertos materiales. Por eso los ensambles mecánicos son muy importantes.

“Se diseñan piezas en base a la soldadura por desconocimiento de los ensambles en frío, y muchas veces esa soldadura limita el uso de ciertos materiales.”

Método de enseñanza propio

_Ahora estás dando clases online en Estudio Joya. ¿Cómo es la experiencia de dar clases virtuales de joyería? ¿Es posible aprender técnicas de joyería de este modo?

_En el Taller de Jaime Díaz, Trujillo -director y docente en la Escuela Asociación El Taller de Joyería Barcelona-, uno de los mejores profesores en técnica de joyería que tuve, hablamos mucho del tema, y a muchos no les va las clases online.

Reconozco que es complicado, pero la plastilina me facilitó mucho el dictado de clases sobre elementos tan pequeños como los que implica el ensamblado mecánico.

En Venezuela cuando no entendés algo es muy común que te respondan con sarcasmo: “¿Se lo explico con plastilina?”, y me di cuenta que va justo. Cuando empecé a dar clases en Materia Prima, no entendían y empecé a utilizar plastilina, y ahora la aplico en las clases virtuales y me resulta porque puedo ejemplificar muy bien, ampliar o agrandar la escala de lo que quiero mostrar y modificarla o marcarla de acuerdo con lo que quiero plantear, es un elemento muy versátil que va muy bien. Así las explicaciones son más claras. También me valgo mucho de dibujos que resuelven las dudas.

Sin este recurso no vería la manera de poder mostrar, sobre todo, repito, por lo pequeño de los mecanismos, sería muy difícil. Por esto, entiendo las dudas o cuestionamientos a las clases bajo esta modalidad. Pero a mí me va bien y resulta.

“Reconozco que es complicado, pero la plastilina me facilitó mucho el dictado de clases sobre elementos tan pequeños como los que implica el ensamblado mecánico.”

_¿A qué aplican mejor los ensambles mecánicos?

_A la madera, la porcelana, el papel, el yeso, el acrílico. Podría decir a todo lo que se te ocurra.

Particularmente, los aplico a los tornillos, que me gustan mucho. En el taller enseño a utilizar la terraja de joyería y la de mecánica, esta última es especial para cierres de collares. También me gusta aplicarlos a los retenedores porque permiten controlar muy bien las medidas; un remache es al azar o se puede dañar la pieza, en cambio con el ensamble de retenedores puedes asegurar que la pieza quede muy bien.

“Los ensambles mecánicos pueden aplicarse a cualquier material que se te ocurra.”

_Tus piezas son muy gráficas también, ¿seguís usando graffitis?

_En «Fabi» busco mostrar que la mujer está siempre atrapada y lo hago mediante ensambles mecánicos y graffitis con pintura acrílica desgastada. Este tipo de pintura tiene mucho que ver con lo urbano, con el aspecto de las ciudades; de ahí esa apariencia de desgaste industrial que tienen mis piezas.

Al principio, en 2017, mi uso de los graffitis era muy explícito. Hoy el mensaje no es tan literal. En «Fabi», ahora, en cambio, uso referencias de versículos de la Biblia que tratan el tema o la idea que quiero comunicar.

“Al principio, en 2017, mi uso de los graffitis era muy explícito. Hoy el mensaje no es tan literal.”

_¿Aplicás a concursos y ferias?

_Desde que llegué a Barcelona me dediqué más a hacer obra y dar clases. Estoy trabajando en el taller de Jaime Díaz, en Poblenou, dictando joyería básica y también allí alquilo un espacio de taller.

Prácticamente no he participado de concursos o ferias. En estos años, mis trabajos han estado en exposiciones solo por invitación.

Tiene que ver con el momento que atravieso, en el que necesito estar reflexionando más sobre lo que hago. La importancia de trabajos como «Fabi» tienen que ver, como dije, más con sanar que con exponer. Me permitió pensar y pensar, revisar, analizar, cuestionarme y eso vale mucho más que exponerlo.

«Fabi» es una obra que aún no termino, planeo una pieza en colaboración con la joyera Jessica Morillo.

_¿Cómo surgió tu premiada obra «Fracking»?

_Para ese entonces, en 2019, sí estaba exponiendo mucho con la organización Alliages y la presenté para ser exhibida en la muestra «Ataque al corazón» que se vió en Munich durante la edición de Schmuck.

Y en ese momento también se abrió una convocatoria, participé y obtuve el premio ganador del ZLR Jewelry Awards con el galardón de una residencia artística y una exposición que aún no puedo realizar hasta que se resuelva lo del asilo político.

Un trabajo que también buscó conscientizar porque el medioambiente es atacado a través del fracking para extraer petróleo. «Fracking» es un broche construido mediante montaje y oxidación de plata, acero, acrílico, resina, tornillos nueces y pintura.

“Este broche también buscó concientizar porque el medioambiente es atacado a través del fracking para extraer petróleo.”

La estética de lo feo

_Lo último es tu serie «Anarquía» ¿por qué ese nombre y en qué consiste?

_Es una serie más de diseño, son piezas de uso cotidiano. La anarquía tiene que ver porque son muy punk, con puntas, con engastes anárquicos, no convencionales; por ejemplo, incluye un anillo cuya piedra no está visible sino engastada hacia adentro, sujeta con pinches que son tornillos atornillados, valga la redundancia, y luego soldados, pero tres de ellos no están soldados sino que sujetan la piedra interrumpiendo su paso o movimiento. La anarquía tiene que ver con esa falta de engaste convencional.

Siempre uso engastes mecánicos; es decir, que me valgo de mis recursos mecánicos para hacer joyas.

“Me valgo de mis recursos mecánicos para hacer joyas.”

_¿Cómo definís tu estilo?

_Mi estilo está definido por el acabado de mis piezas que están pintadas, peladas o desgastadas de manera o de aspecto industrial y también oxidadas. La mayoría de las veces utilizo plata pero no se ve, está oculta.

Esta apariencia estética me define, no busca lo bello o la belleza convencional. Por ejemplo, tengo un broche que incluye un velo sobre una cara hecha con caucho siliconado que al tocarla impresiona; una pieza que tuve el honor de que la maestra Nuria Carulla hiciera de modelo para mostrarla.

Tanto esta pieza como mi obra está inspirada en «La estética de lo feo», libro del filósofo alemán Karl Rosenkranz. Sigo esta estética tanto en joyería como en fotografía.

_¿Qué te sumó tu formación en la Massana de Barcelona y en Alchimia de Florencia?

_Estudié Historia del Arte, la carrera me gustaba mucho pero un me faltaba hacer con las manos así que en un principio compagine las dos carreras hasta que me di cuenta de que las dos pedían una dedicación completa. El grupo de alumnos de la Massana era muy multicultural y más interesante, formábamos una comunidad de amigos y pronto nos convertimos en una familia así que deje la universidad para dedicarme por completo a la joyería.

El haber estudiado en la Massana de Barcelona y en la escuela de joyería Alchimia de Florencia fue fundamental porque recibí una formación oficial, constante y sostenida, al haber ido a estudiar todos los días durante años, aprendiendo todas las materias, incluso algunas que no me gustaban. Así, recibí una completa formación técnica por muy buenos profesores, como Carles Codina, un referente de la técnica y el autor de uno de los libros más famosos y consultados sobre joyería y fue muy buen docente.

Quizá si hubiese optado por joyería más por hobby no hubiese tenido esa oportunidad de formación. Hice esmalte, cincelado, grabado, entre otras, conociendo las técnicas del oficio. Por otra parte, tuve como profesores a Ramón Puig Cuyàs, un gran maestro. Fue la primera vez que estuve en contacto con un artista que se dedicaba a la joyería y tenía éxito, lo que demostraba que era posible hacer de esto una carrera y, a la hora de enseñar, me di cuenta que había aprendido más de lo que pensaba; a Carmen Amador con su experiencia en repujado, con quienes también pude desarrollar la parte creativa. Hans Leicht fue muy importante para mí también porque su técnica era impecable y su lenguaje era absolutamente innovador. Tuve la suerte de tener muy buenos docentes de todas las materias.

El programa que tenía la escuela Massana en ese entonces, entre 2001 y 2003, me permitió desenvolverme en esos dos aspectos al mismo tiempo, y entender que la joyería contemporánea que intento hacer y enseñar necesita tener una formación, porque no alcanza con hacer un curso por hobby. La Massana me enseñó a no subestimar la formación.

Y continuar en Alchimia me llevó a ampliar mi perspectiva. Tuve como maestro a Manfred Bischoff y eso significó un gran cambio en mi manera de ver porque pude comprender el punto de vista de la estética. Basta mirar el trabajo de Manfred para ver su sensibilidad, aprendí fundamentalmente el valor de la calidad de los materiales, el respeto por la comunicación y la claridad que aporta la austeridad.

También tuve como profesores a Doris Maninger, Lucia Massei, directoras de la academia, que estaban siempre presentes y fueron modelos de otra manera de estar en el mundo y de sentir pasión por el trabajo que uno hace. Doris me aportó mucha lectura, música y cosas que no están relacionadas directamente con la joyería pero si con ampliar el universo que nos ayuda a crear. E hice un workshops con Dorothea Prühl, una institución, hice un workshop con ella y conviví durante una semana, verla trabajar fue un lujo, el silencio y la manera de honrar el trabajo me enseñaron mucho. La de Ted Noten fue una experiencia absolutamente opuesta pero muy enriquecedora. Poder tener docentes con lenguajes y maneras tan distintas me ayuda cada vez que doy clases.

Todo sumó para entender cómo funciona el mundo de la joyería más que obtener contactos, claro, porque si uno no trabaja los contactos no sirven de mucho. Sí, sirve para entender una muestra, por ejemplo, y para que lo que hagas no sea algo de una sola vez sino es mejor atravesar un proceso que implica constancia y formación.

“El haber estudiado en la Massana de Barcelona y en la escuela de joyería Alchimia de Florencia fue fundamental porque recibí una formación constante y sostenida, aprendiendo todas las materias, incluso algunas que no me gustaban”.

Una hacedora, una artista

_¿Cómo funciona el mundo de la joyería?

_La expresión joyería contemporánea no me gusta porque a veces se usa como excusa para cuando alguien no tiene formación técnica y hace algo por hobby y termina haciendo una pieza no es tan portable, que no está técnicamente bien resuelta ni tampoco es una obra con un mensaje y resulta un híbrido bajo el paraguas de joyería contemporánea.

Yo hago joyería hecha hoy, por eso tiene el lenguaje acorde a nuestro tiempo y hago objetos, algunos portables otros no pero tienen una relación con el cuerpo. Me identifico más como una hacedora de objetos o como una artista que hace joyería o como joyera. Me parece que la palabra “joyería” ya es un montón, es grande, me gusta usarla y que mis alumnos la usen porque creo que un joyero tiene la posibilidad de hacer obra y comunicarla pero si tiene que hacer una alianza de casamiento porque necesita el trabajo la pueda hacer, o que si hace una pieza súper abstracta y contemporánea te la puedas poner, no se te va a romper ni caer, no se te va a salir el broche o este no va a ser comprado.

No subestimo la disciplina. Así como no cualquiera es médico, no cualquiera es joyero, lejos de comparar ambas profesiones.

Y después creo que lo que tiene esta disciplina, como algunas otras ramas, es gente que lo hace más por hobby o en su tiempo libre, otros con más dedicación, investigación y formación. Creo que muchas de las semanas se la joyería, sin generalizar, tienen a gran cantidad de hobbistas o aficionados, que pagan para estar en eventos o galerías. Eventos que no movilizan ni amplían la disciplina, no va mucha gente más que los mismos del rubro. No me interesa la joyería para joyeros, y hay mucho de esto.

Por ejemplo, es un sinsentido hacer una muestra de mis alumnos a la que solo vengan mis alumnos, familiares y amigos, sin que alguien consiga llegar más allá, sin un feedback o que no logre interesar o venderse alguna pieza.

La pertenencia de la joyería

Me interesa trabajar para que la joyería entre al mundo del arte, que es a donde pertenece. O que si no entra al mundo de arte, entre al mundo comercial y que realmente se vendan esas piezas pero que aparezca un otro. No me interesa cuando es solo para nosotros, para hacer, que quede acá, vengan cuatro personas y ya.

Defino a la joyería contemporánea no como una disciplina que necesita ser entendida o que el público tenga que entenderla o que falte que el público se acerque. Creo que es al revés, cuando la joyería funciona bien y está inmersa en el mundo del arte, en países en que los joyeros tienen la formación suficiente para responder por su trabajo, atrae, convoca. Cuando una pieza está bien hecha puede conmover a cualquiera: al vecino de enfrente, a un galerista, a un ama de casa, a un médico o a un artista. Me interesa que las joyas que yo hago, mis alumnas o los colegas que vienen a trabajar acá. No hay que pedirle a la audiencia que entienda sino nosotros hacer el esfuerzo por hacer algo que pueda acercarnos al otro o que motive a acercarse.

Cuando hicimos la muestra en el Museo de Arte Popular José Hernández buscamos que estuviera bien curada, armada, iluminada, en vitrinas, para que la gente que pasara pudiera ver que la propuesta estaba en un contexto artístico; no se trata que el otro entienda que trabajamos de manera distinta sino al revés. La muestra que estamos haciendo ahora en la Casa de la Cultura de Vicente López, frente a la plaza Vicente López y Planes, hacia el Bajo de Olivos, lo mismo, es un lugar por donde pasa gente del barrio, no tan afín a la joyería y eso está bueno porque llegás más allá, en un lugar municipal, en el que nos esforzamos para que el montaje fuera fácil de entender, que atraiga, que sea llevadero, que tuviera textos de sala para que se entienda y nosotros explicarlo.

Creo que la disciplina está muy bien, está muy clara, no hace falta que se entienda mucho, sino que nosotros, los que llevamos adelante esta disciplina tenemos que tener la formación suficiente como para poder pararnos con solidez. Ningún médico opera después de un mes de empezar a estudiar medicina y así como en cualquier otra profesión, ningún joyero entonces debería hacer una muestra después de hacer un taller de una vez por semana. Pido lo mismo en cualquier oficio; en ese sentido es que no subestimo la disciplina. Hay que estudiar y formarse como cualquiera, adquirir experiencia, años de trabajo, para ser sólido.

“Me identifico más como una hacedora de objetos o como una artista que hace joyería.”

_¿Esa formación más sólida te permitió exponer tu trabajo en lugares de prestigio, que tienen en cuenta lo que planteás?

_Creo que sí. Me sirvió para entender la dinámica de la joyería, yo ya había trabajado como joyera en Barcelona antes de llegar a Buenos Aires, hace 16 años. Fui tallerista de otros joyeros, hice piezas comerciales que vendía en ferias y durante algunos años vendí en distintas galerías de Europa. Esa experiencia sumó mucho. Esa misma formación sólida pretendo para mis alumnos y estamos tras eso.

Formación sólida

Dos de mis alumnas, Florencia Fernández Coll y Lara Solia Barenboim, fueron seleccionadas para participar del 35 Marzee International Graduate Show, en Nijmegen, Países Bajos, una galería que representa y convoca a artistas consagrados y emergentes y lo lograron porque tenían un buen trabajo, una expresión de un trabajo personal de los materiales, con rigor técnico y sensible una muestra muy grande que les abrió puertas porque van muchos coleccionistas.

En la escuela nos interesa no solo tener un buen trabajo de calidad sino poder presentarlo adecuadamente, poder demostrar cómo está hecho, cómo hablás o escribís de tu trabajo, cómo lo comunicás, también poder escribir un buen statement que lo represente e inspire, tener un buen curriculum que muestre el estudio e investigación. Así como cuando se estudia bellas artes se tienen materias de arte, cuando se estudia joyería también se deben tener. Esta formación completa es la que tuve en la Massana. Incluyó saber quién es quién en el mundo de la joyería, conocer a joyeros de qué lugar, qué hacen, para saber uno qué hacer o saber que otro ya lo hizo; qué galerías trabajan con determinados artistas, y a cuál puede interesar mi trabajo, qué evento me puede interesar o cuáles de mis trabajos me representa.

E insisto, todo esto lo aprendí con la formación, que también me permitió conocer gente que se tomaba el trabajo muy en serio, no como una alternativa sino que le dedicaban todo el tiempo necesario. La manera en que vi cómo trabajaban colegas y gente que yo admiraba es que tenían a la joyería como primera opción, no era un plan b.

_¿Qué hacés con la joyería como herramienta artística?

_Es una herramienta artística porque usamos la joyería para comunicar algo; es una herramienta de comunicación. Para esto, la formación es clave. Una herramienta sirve cuando uno sabe usarla y para que funcione hay que saber en qué contexto se usa para quién, por qué, para qué, cuál es el público, tu audiencia, antes de usarla tenemos que tener en claro qué vamos a decir y para qué porque sino no sirve.

Elijo la joyería como herramienta porque es con la que me siento más cómoda. Últimamente trabajo bastante poco de joyera hago otras cosas como docente.

Esta herramienta cambia según los proyectos que tenga. Lo que tengo que decir tiene que ser algo muy propio, transmitir un mensaje honesto, que salga del cliché, del lugar común y de lo que se cree que se usa o se habla.

“Elijo la joyería como herramienta porque es con la que me siento más cómoda”.

Trabajo colaborativo

_¿Por qué te dedicás más a la gestión, a la curaduría, a la gestión y a la docencia?

_Porque me encanta enseñar, me gusta mucho trabajar con gente. Tanto en la curaduría como en la docencia o en la gestión trabajo con equipos. En Taller Eloi conseguimos armar buenos equipos; si bien soy quien lo dirige y organiza, hay buenos grupos con tareas claras que tienen que ver con el montaje, lo económico y otras tareas que están bien distribuidas, y las hacemos en conjunto. Tenemos ideas y gustos en común. A todos nos gusta o tenemos en claro qué queremos mostrar y cómo.

De igual modo, me interesa mucho tener alumnos que después sean mis colegas. Me gusta que tengan su autonomía, como Monique Lecouna, Gabriela Marcos, Rita Hampton, entre otros. Me interesa que mis alumnos sean joyeros, que puedan desarrollar su propia vida laboral que puedan dedicarse y subsistir, porque sino termina siendo un hobby; que haya un otro, te permite ver si lo tuyo funciona o no. En lo que hacemos siempre tiene que haber otro, sino lo hacés lo metés en un cajón y nadie se entera o se lo das a una amiga. Poder generar o colaborar en que el otro tenga su propio medio de comunicación está bueno.

Y la gestión me encanta. Cando volví a Argentina, no tenía pensado enseñar ni sabía bien qué iba a hacer, pero me di cuenta que había mucho por hacer, que hacía falta una propuesta más formal, una institución con una propuesta más integral. La joyería como herramienta de comunicación que puede entrar al mundo del arte no existía y había que hacerlo.

“Me di cuenta que había mucho por hacer, que hacía falta una propuesta más formal, una institución con una propuesta más integral”.

_¿Cómo definirías la joyería que hacés?

_Hago y enseño joyería y obras de arte, que expresan lo que quiero. Es joyería como obra de arte. No necesita una definición especial sino que hay que trabajar en los campos que ya existen. Porque cuando uno usa una definición nueva o especial te libera de cumplir con parámetros más específicos. Prefiero intentar llegar a la  vara que tiene la obra.

“Hago y enseño joyería y obras de arte, que expresan lo que quiero.”

_Conseguiste que un proyecto como Hand Medal tuviera un alcance mundial inusitado.

_Fue una iniciativa súper interesante que llevamos adelante con Iris Eichenberg, con gran convocatoria y que resultó enriquecedora.

El objetivo del proyecto no era ni es hacer una muestra sino que los joyeros nos pusiéramos a trabajar para quienes lo necesitaran en ese momento, los trabajadores de la salud, dentro de lo que podíamos hacer como orfebres y fue hacer medallas, tomando o retomando la tradición del oficio que realizamos.

Un proyecto en el que participaron todo tipo de joyeros desde famosos que hacen obra hasta alumnos de talleres no conocidos, quienes se sentaron a trabajar con herramientas e hicieron una pieza con un significado para otra persona.

Hand Medal tuvo como objetivo no centrarse en el autor sino en quién recibía su trabajo. Participaron casi 4000 joyeros de todo el mundo, casi todos los que vemos a diario en exposiciones y recibiendo premios y también joyeros que no conocemos, quienes llegaron a elaborar 300 medallas en una semana. Hand Medal Project movió la jerarquía preestablecida que no siempre se establece justamente.

Moviendo lo preestablecido

A raíz del Hand Medal Project nos convocaron a Iris y a mí a participar de la exposición «Worn» en Nueva York. Una exposición que llevó las joyas fuera del joyero para explorar los potentes aspectos de la joyería.

Una iniciativa de las artistas visuales nortemericanas Andrea Miller y Amelia Toelke que presentaron obras de arte y proyectos situados en la intersección de la joyería, los problemas sociales y la historia. No quisimos usar el proyecto porque no consideramos que sea nuestro sino de todos aquellos que fueron parte y el objetivo nunca fue mostrarlo sino hacer piezas para honrar a otros.

Por eso, participamos de este evento de joyería política con «Postcard Project», postales con imágenes de manos en las que los participantes podían enviar notas de agradecimiento a alguien que les brindó atención.

El proyecto Postales debutó en Hobart y William Smith Colleges durante la primera edición IRL de Worn. Y para NYC Jewelry Week 2021, se hizo la misma invitación a los asistentes. Es que el acto de escribir a mano conecta físicamente a una persona con otra.

Muestra no convencional

Ahora, no en el contexto de una muestra convencional, también estamos trabajando con esas piezas extra, más de 2000 hand medal que entregaron cada uno de los joyeros participantes y las estamos colgando en una tela que se va a poder plegar y trasladar y exhibir de manera itinerante durante dos años por los países donde se llevó a cabo el proyecto. El montaje permite que la gente pueda bordar algo, de manera de ir cargando de significado esta pieza en esta peregrinación.

Terminará en un lugar muy especial, por eso lo elegimos: una capilla que está en una gruta donde se encuentra la imagen de la Virgen del Milagro, en El Candado, de Salta.

Circulará por lugares no convencionales, para que el proyecto se transmita de la misma manera en que se hizo: hospitales, sanatorios, geriátricos, escuelas, universidades, capillas, sinagogas, mezquitas, es decir,  iglesias de distintos cultos. Los distintos joyeros que participando son los que van a ir pasando esa tela; ese es el plan que arrancará en Munich en marzo próximo.

_La de exvotos también terminó siendo un proyecto itinerante. 

_«Verdadero es lo hecho. Exvotos y joyería contemporánea» comenzó con el libro «Por gracias recibidas: exvotos de joyeros contemporáneos» que fue antes de la muestra en el museo José Hernández, y luego hicimos una muestra de exvotos de joyeros argentinos y colombianos, «Verdadero es lo hecho, exvotos contemporáneos de joyeros latinoamericanos», en galería Platina en Estocolmo, junto con «I do not wish» de Iris Eichenberg y mis colecciones de exvotos tradicionales italianos y argentinos.

Luego, «Verdadero…» se realizó en Melting Point, en Valencia, solo con la propuesta de exvotos argentinos, y se repitió en Caelum, el espacio de la maestra joyera Cecilia Richard en Córdoba.

Oportunidad de crecimiento

_Este año Taller Eloi cumple una década.

_Sí, felices. Eloi fue cambiando mucho porque fuimos adaptándonos a lo que sentíamos que hacía falta. Arrancó como un taller de una vez por semana y fue creciendo de acuerdo con los grupos que se fueron armando, con alumnos que me dieron la oportunidad de crecer mucho más de lo que pensaba. Alumnos interesados e inquietos, exigentes, extraordinarios, con formaciones muy potentes, como Monique Lecouna, Corina Mascotti, Patricia Tewel, entre otros, con los que Eloi se fue consolidando como escuela.

En la que participan profesores increíbles como Diego Ferrerio, profe de Grabado, Engarce y Técnica general, también docente en la Escuela de la Joya, que trabajó con el maestro en modelado en cera Alfredo Garavaglia; Isabel Iriarte, licenciada en Historia del Arte, que también trabajó en el Museo Etnográfico de la UBA y docente de la Escuela Municipal de la Joya.

Son docentes de la escuela Eloi: Francine Oeyen, que enseña Dibujo técnico, creativo y Acuarela para joyería; Rita Hampton, brinda Técnica básica, Fabricación y cuidado de herramientas además de Cincelado; Carolina Luzardo, ofrece Técnica, cursos básicos y experimentación con nuevos materiales; Gabriela Marcos, diseñadora textil, que también ofrece técnica básica, y Sol Ríos que enseña Costura y tejido con cuentas.

Como profesores invitados hemos tenido el honor de recibir a Judy McCaig, Caroline Broiadhead, Manon van Kouswijk, Iris Eichenberg, Carlos Silva, Daniela Malev, Rodrigo Acosta, Inés Garland y Laura Licandro. Una propuesta diferenciadora que nos permitió enriquecernos, responder a las expectativas y crecer muchísimo.

Haber tenido la oportunidad de invitar a los referentes de la joyería en Eloi, no solo me permitió seguir aprendiendo, que me encanta, sino que nos abrió muchas puertas, como la posibilidad de trabajar.

Y haber contado con Iris Eichenberg nos permitió realizar proyectos con la Cranbrook Academy of Art, de Bloomfield Hills cerca de Detroit, donde dirige el departamento de Metales; con Caroline Broiadhead realizamos la muestra «Postcards from the Edges» que se exhibió en un digital show con el trabajo de artistas de joyería de América del Sur y estudiantes del BA Jewellery del Central Saint Martins; todos los profesores mencionados colaboraron e impulsaron Hand Medal Proyect. Eloi consiguió ampliarse en una red de intercambio muy interesante.

“Los alumnos que me dieron la oportunidad de crecer mucho más de lo que pensaba. Alumnos interesados e inquietos, exigentes, extraordinarios, con formaciones muy potentes.”

_La escuela integral Eloi arrancó con la pandemia.

_Sí, en marzo de 2020. Nos manejamos online hasta noviembre cuando retomamos las clases presenciales que ese año continuaron en el verano.

Hoy ya tenemos una camada de 1er. año y de 2do. año que han cursado de manera presencial; tratamos de mantener la mayor presencialidad posible con todos los cuidados de protocolo, extendimos los turnos durante casi doce horas para espaciar la cantidad de alumnos, para que pudieran usar el taller y porque es muy difícil enseñar joyería de manera online. Las herramientas son necesarias y los alumnos no pueden comprárselas y no sabrían cómo usarlas.

Hicimos algunos cursos de técnica online pero me di cuenta que no era honesta con el oficio, hay mucho que se pierde por este medio, como cómo se sienta el alumno en el banco que ruido hacen las herramientas cuando las usa; se necesita de un banco de joyero no una mesa de casa, hay cosas que se enseñan mientras el alumno ve cómo se hacen.

La buena práctica de la joyería

Hay muchas cosas de la buena práctica que hacen necesario que las clases se realicen de manera presencial en el taller.

Entonces, sí ofrecimos muchos cursos teóricos, como de Filosofía con Tomás Abraham; Escritura creativa con Inés Garland, Historia del Arte con Isabel Iriarte, Mitología con Carlos Bustos, Tejido de cuentas con Victoria Baquero, entre otros teóricos que dieron  docentes de la Cranbrook Academy. Todos temas que suman al aprendizaje que se ve en la forma de trabajo.

“Hicimos algunos cursos de técnica online pero me di cuenta que no era honesta con el oficio, hay mucho que se pierde por este medio.”

_¿Qué tiene de diferente la escuela Eloi en relación a la oferta educativa de joyería existente?

_La Escuela Eloi ofrece una formación integral, muy completa, que no existe. La Escuela de la Joya Maestro Joyero Sergio Lukez, del Gobierno de la Ciudad, tiene otro perfil así como las escuelas de talleres de joyería de otras maestras o maestros particulares o privadas, a muchas de las cuales los estudiantes van por hobby.

Los que vienen a la Escuela Eloi concurren tres veces por semana, cinco horas cada una, y las otras dos veces vienen al taller a realizar trabajos, y esto no es compatible con otras propuestas ni con otra actividad porque supone una dedicación exclusiva y un estudio intenso.

Y esta diferencia está también en que la formación integral que ofrecemos no depende de los que los estudiantes quieran aprender porque no es optativa. Incluye Grabado, Cincelado, Dibujo técnico, Dibujo artístico, Fundición, Engarzado, Escultura, Textiles, Proyectos y mucho más, sí o sí, más allá de gustos o afinidades. Me interesa ofrecer un gran panorama de conocimiento para que tenga qué elegir.

Si enseñara solo lo que yo hago, sería muy limitado y de esa manera tendría alumnos que terminarían haciendo lo que yo hago y harían siempre o solo lo mismo porque no tendrían otras herramientas. Y esta no es la idea de una formación completa o integral. Me interesa que tengan todas las herramientas, que tengan autonomía y que encuentren un lenguaje propio, y para esto tiene que tener muchos lenguajes enfrente para poder elegir o darse cuenta cuál es el propio. No quiero que los alumnos se parezcan a mí sino que cada uno se parezca a sí mismo.

Un lenguaje para un decir genuino

Todo el trabajo que se hace en Eloi es para que el alumno encuentre el lenguaje para decir lo que quiere y, también, para que sepa qué tiene para decir. Los que egresan de Eloi salen con un lenguaje propio.

Me ha pasado que resolví inquietudes o intereses o temas que plantearon alumnos que me excedieron y convoqué a otros docentes para resolverlos, como zapatos, por ejemplo, por lo que contacté a Lourdes Chicco Ruiz; o para profundizar en textiles estuvo Lucía Chain. Lo mismo se repite con los profesores internacionales que han trabajado temas o inquietudes con alumnos de Eloi, que han hecho crítica de trabajos de alumnos que resultaron espectacularmente constructivas, una oportunidad que se da en escuela Eloi y me animo a decir casi en exclusiva, la cual amplía la mirada.

Para esto, tienen que aprender cosas que ni siquiera saben que existen o que creen que no les gustan; tal vez las aprenden y se dan cuenta que les gusta.

Los casos de Florencia Fernández Coll y Lara Solia Barenboim, que expusieron en Marzee International Graduate Show, de Nijmegen, donde por primera vez estudiantes latinoamericanas mostraron su trabajo, y de Vivian Heidendreich, que ahora estudia en la Akademie der Bildenden Künste o la escuela de artes aplicadas de Múnich, uno de los lugares más prestigiosos del mundo para estudiar joyería, es una muestra del alcance o de las posibilidades que pueden derivar del paso por la Escuela Eloi.

Por eso, me interesa que los alumnos se formen, empiecen y terminen, y luego puedan seguir haciendo su carrera y no que dependan de mí; eso se ve mucho en algunos talleres en los que los alumnos dependen de sus maestros para seguir.

Sí tengo alumnos que vienen desde hace años pero ya no como estudiantes sino como colegas que ofrecen su experiencia, como en el caso de Monique Lecouna, Sol Ríos o Gabriela Marcos, con quienes ya somos parte de un grupo que colabora en la gestión de Eloi, o interviene en forma cooperativa de los proyectos que llevamos adelante, algunas son docentes ya, pero cada una tiene su propio trabajo.

_¿Cómo va Tienda Eloi?

_Surgió con la pandemia, con la intención de generar un espacio online para que los alumnos que estuvieran en condiciones pudieran ofrecer sus trabajos y tener una salida laboral, porque también me interesa que el que se dedica a la joyería pueda vivir de ella y ganar plata sino termina siendo un hobby.

En ese sentido, es que está bueno que se de un feedback, que exista un otro para ver y comprobar que lo que se hace funciona; en lo que hacemos creemos que sí o sí tiene que haber un otro, sino lo hacés y queda en un cajón o en manos de una amiga.

Así Tienda Eloi fue un ejercicio para probar que las piezas que se hacían funcionaban y gustaban; para aprender a hacerlas con un packaging claro. Y funcionó bastante bien, especialmente para momentos de regalos, como Navidad, por ejemplo, en el que abrimos el taller y pasó gente a ver y comprar. Estuvo bien para ver cómo es la respuesta; para ver cómo funciona el mercado, cómo se determinan los precios, cuál es el packaging más adecuado, cuál es la comunicación que requiere comercialmente.

Tienda de obras de arte

Este mes cerramos con un sail y el mes que viene  arrancamos con un nuevo proyecto: una tienda no tan comercial sino más con obra.

A  partir de marzo los alumnos de Eloi podrán tener su propia tienda o podrán comercializar sus propias piezas, pero Tienda Eloi estará reservada para piezas únicas, más de arte. Será online, pero pretendemos volver a hacer las muestras de los trabajos de los alumnos del taller.

“Tienda Eloi estará reservada para piezas únicas, más de arte. Será online, pero pretendemos volver a hacer las muestras de los trabajos de los alumnos del taller.”

_¿Cómo serán?

_Se realizarán de acuerdo a cómo evolucione la pandemia. Para esas muestras mensuales o bimensuales también contamos con Benita de Simone, asistente de Eloi que también es curadora y dicta cursos de Curaduría en la escuela, para saber cómo se monta una expo, cómo se comunica, cómo deben ser los textos de las piezas, por qué es importante que acompañen estas explicaciones, cuál es la iluminación adecuada, todo lo que está en una muestra y cómo está dispuesto habla del trabajo, etc. Esto también es parte de la formación, aprenderlo supone un respeto por la obra y por el público que se acerca a ver una muestra. Como mencionaba, al ofrecer una muestra estamos obligados a hacernos entender, no al revés; el público ya hace el esfuerzo de acercarse a verla.  Muchos de los joyeros invitados por Eloi han realizado muestras en el taller. Hemos aprendido mucho, como de Celio Braga, Manon van Kouswijk, Carlos Silva, Caroline Broiadhead, Ana Costa Reis.

Otras surgieron de workshops, como «La belleza de la vida cotidiana», liderada por Rodrigo Acosta, que se preveía exponer para la frustrada edición de Melting Point pero por la pandemia pasó nuevamente a mayo de 2023.

La experiencia de «Amuletos» resultó muy interesante y nos interesa repetirla, en el sentido de ocupar espacios que tienen que ver con el mundo del arte, como Casa de la Cultura de Vicente López o, en su momento, con «Verdadero es lo hecho…» en el Museo de Arte Popular José Hernandez. Por eso, seguro el año que viene buscaremos un espacio similar para mostrar nuestro trabajo en una exhibición similar, siempre siguiendo nuestra premisa de no pagar para exponer.

Entendemos que el trabajo de hacer piezas únicas, armar y montar su exhibición vale por sí, no necesitamos pagar; también es para cuidar nuestro trabajo. Es fácil pagar para estar en una galería, y eso nonos interesa. Preferimos ocupar espacios de arte, intentar llegar a allí, a esos lugares abiertos a exposiciones, aplicando con el valor de nuestra obra. Afuera pasa lo mismo, es preciso aplicar y tener un proyecto sólido bien armado y tras eso vamos; si pago no necesito tenerlo.

Hay muchos ejemplos de cómo la joyería está presente en espacios de arte. Iris Eichenberg, por ejemplo, expondrá en una muestra retrospectiva de su obra en el Museo de Arte Moderno de San Francisco, en California; muchos joyeros tienen obra -piezas portables de joyería- en colecciones de museos, como el Victoria & Albert, la Neue Pinakothek del Stadelijk de Amsterdam, el MAD de Nueva York, entre otros.

El espacio te legitima; si busco un espacio que legitime, el trabajo tiene que estar a la altura de ese sitio. No creo que las galerías no estén abiertas a la joyería sino que la joyería no está a la altura de las galerías; entonces es más fácil pagar por un espacio para hacer una muestra; y esto pasa en todos lados, acá y en el exterior.

_¿Más proyectos?

_En marzo próximo iremos con un grupo de la primera camada de la escuela Eloi y de Cranbrook Academy of Art, a Munich. Como se mantienen las muestras de las galerías y la de la Academia de Bellas Artes de Munich, esa que dirigió Otto Künzli y ahora está en manos de la danesa Karen Pontoppidan, organizamos con Iris Eichenberg un viaje de estudios que incluye la Pinakothek der Moderne, con su colección de joyería, entre otros museos de la ciudad, además de Berlín.

Vamos de las dos escuelas porque hacemos intercambio y, en ese sentido, la pandemia nos vino bien porque habilitó una conexión online que nos permitió masterclasses compartiendo invitados, clases de historia, hacemos intercambio de cursos: por ejemplo, estuve dando una clínica con alumnos de la maestría de Metales durante 3 semanas. Y tenemos más proyectos para que los alumnos puedan trabajar juntos.

Nos interesan en particular las galerías tradicionales de Munich que para marzo de cada año  tienen su puesta al igual que la de la Akademie Galerie, que pertenece al complejo educativo en el que mencionaba estudia Vivian Heidenreich.

La tradicional feria de artesanías, con sus propuestas de cerámica, carpintería y textiles, entre otras, que incluye a Schmuck, pasó al verano al igual que la Semana de la Joyería de Múnich que organiza la revista Current Obsession, un evento privado por el que pagás por estar en un mapa que consigna pop ups, muestras, presentaciones, eventos de joyería independientes. Es decir, la edición de Helen Britton para Schmuck pasa a julio, entiendo que junto con la edición 2020 de Chequita Nahar.

Viaje de estudios

Aprovecharemos el viaje también para poner en marcha el proyecto de hacer circular esas 2000 medallas cocidas y bordadas en una tela as medallas en la tela. El viaje de estudio incluirá Berlín.

A propósito, tenía una muestra ahora en marzo en Munich con el mismo grupo que hice «Escapularios», Iris Eichenberg, Eija Mustonen, Rebekah Frank, Helena Lehtinen y Marta Costa Reis pero la suspendimos porque iba a ser una propuesta  performática; seguramente haremos algo más como grupo porque somos amigas y nos gusta trabajar juntas pero no sabemos cuándo será.

Con Iris Eichenberg siempre seguimos trabajamos en conjunto, a la distancia y continuaremos con proyectos en conjunto con ambos alumnados, de Eloi y de Cranbrook, similares al que llevamos adelante con el Central Saint Martins. También recibiremos a Gastón Roig que dará su curso de Electroformado. Y Juliana García Bello que dará un curso sobre Upcycling textil.

Y aún está pendiente la visita de Helen Britton, suspendida por la pandemia; ahora, con el valor del dólar se complica mucho…

Se sumará, como mencioné, la nueva Tienda Eloi, las muestras de los trabajos de los alumnos.

Estamos ofreciendo cursos de verano: algunos técnicos, como Anillos y Cierres clásicos por Diego Ferreiro; uno de dibujo para joyeros, y otros cuatro intensivos a mi cargo; como no aceptamos alumnos sin conocimientos, estos cursos previos son necesarios antes del inicio de las clases anuales.

Nuestra prioridad es poner en marcha un nuevo ciclo lectivo de la Escuela Eloi, para lo cual está abierta la inscripción a las clases que comenzarán en abril próximo.

A las 17, arranca la Semana de la Joyería de Brasil en una nueva edición virtual que reunirá a artistas joyeros de Latinoamérica, y brindará una intensa semana de conferencias y performances.

Se desarrollará en una plataforma que ahora se mantendrá en línea todo el año, actualizándose en tres idiomas con el fin de generar una red entre joyeros latinos, su público consumidor de la región y también con joyeros de todo el mundo y sus seguidores.

Esta edición reúne a 44 joyeros de varios países latinoamericanos: 23 de Brasil, 9 de Argentina, 1 de Chile, 2 de Colombia. 3 de México y 1 Costa Rica, así como 1 representante de España, 1 de Mozambique y 1 de Corea del Sur.

La plataforma de BJW gana fuerza y ​​se mantendrá activa tras la finalización del evento, alimentando así a la joyería latina contemporánea las 24 horas del día, en portugués, con versiones en inglés y español. Se trata de un canal de comunicación que promete ofrecer a los joyeros una interacción real y ágil con su audiencia, de manera muy intuitiva.

Con la curaduría de expertos

“La joyería latina contemporánea es única y poderosa, con gran proyección y futuro. Las primeras ediciones nos entusiasmaron mucho al darnos cuenta que podemos conectarnos y potenciarnos y que en la región hay innumerables talentos que juntos pueden muchísimo más”, dice Chrissie Barban, creadora de este ciclo joyero, que esta vez contó con la curaduría de Jorge Manilla, Ana Cristina Titi Berrio y Renato Araújo.

Jorge Manilla, oriundo de México y residente en Gante, Bélgica, es profesor en el área temática de metales y joyería artística de la Academia Nacional de Artes de Oslo; Titi Berrio, de Colombia, es magíster en Artes Plásticas de la Universidad Nacional de Colombia, con formación en producción y diseño de joyas, y Renato Araújo, de Brasil, es especialista en arte africano y licenciado en Filosofía de la Universidad de San Pablo.

“Creo que las construcciones de joyería artística reflejarán nuestra diversidad actual, un verdadero ejemplo de la importancia de la cultura indígena y el mestizaje de los pueblos. Recuperemos esa vieja autoestima perdida, sometida y negada. Mostraremos nuestros procesos creativos, nuestros puntos de vista críticos, nuestras materializaciones artísticas. Que nuestros tesoros culturales, una vez negados y olvidados, sean ahora el orgullo de los joyeros latinoamericanos”, sostiene Jorge Manilla.

Para Titi Berrio “somos individuos que operamos dentro de un sistema que comprende las posibilidades del presente, sociedades producto de un pasado indígena y colonial, un pasado rico en lenguajes plásticos de diferentes orígenes.

“En BJW 2021, la joyería nos une como medio de expresión, para honrar que somos cuerpos híbridos de mestizos y latinos, moléculas de una construcción colectiva en la que la fuerza, más allá de las fronteras físicas, está en las ideas”.

“La práctica de la joyería representa un verdadero desafío en nuestro mundo contemporáneo”, dice Renato Araújo, y detalla que “mientras nuestros antepasados ​​más remotos, al adornarse por primera vez, demostraron su humanidad y capacidad de simbolizar a través de adornos corporales, el uso de la joyería de hoy ya no es una mera identificación de estatus social, sino más bien una profunda conexión histórica que se ocupa de la belleza del mundo y evoca la conciencia de que estamos vivos”.

Talentos creativos de Latinoamérica

“Este evento trae talentos creativos de la joyería contemporánea latinoamericana, uno al lado del otro, rompiendo fronteras. Creemos en el potencial del colectivo para expandir la joyería de arte latina. Identidades múltiples y únicas. En esta tercera edición, diferentes cuerpos -los híbridos, mestizos y latinos- se unieron para fortalecer a todos y visibilizar el trabajo sensible e intelectual de cada uno”.

«Os Corpos Híbridos Mestiços Latinos» es el tema que, al decir de sus organizadores, fue interpretado y materializado a joyas de manera muy original y que se convierte en una “buena traducción de la esencia latina”.

La principal novedad de este evento es que “se sostendrá todo el año, ofreciendo un espacio online interactivo en tiempo real entre los actores más importantes, referentes de la joyería contemporánea latinoamericana”.

Ciclo de conferencias

Jorge Manilla, además, es el comisario del ciclo de conferencias de este renovada semana joyera. Se inaugurará el hoy, a las 17, con todo el team que lo impulsa: «Cuando nuestros caminos se crucen» con Jorge Manilla, Titi Berrio, Renato Araújo y Chrissie Barban.

Y, a la misma hora, los días subsiguientes hasta el jueves 25 se ofrecerán las siguientes charlas:

«¿Por qué joyería y no cualquier otra cosa?» con Carmen Tapia.

«Nueve años y seis estudios después» con Katharina Dettar.

«Un torbellino de basura» con Camilla Luihn.

«Ve y llora en el hombro de otra persona» con Kiyoshi Yamamoto.

«Proyecto Eco-social Farei Joyas» con Adegimar Arantes.

«De qué deberíamos hablar» con Matt Lambert.

 Y el último día habrá una actuación de clausura protagonizada por Ligia Moreno. .

Poder joyero

“La joyería brasileña contemporánea es fuerte, única, poderosa y especial. Es que somos una mezcla, somos plurales, somos mestizos, híbridos y latinos. Por esto, es muy auspicioso que los brasileños entren en este intercambio con el resto de Latinoamérica. Y haber podido construir un espacio para poder manifestarlo es espectacular”, añade la mentora.

Consultada sobre qué la llevó a promover la joyería brasileña contemporánea y organizar BJW, revela que como artista joyera sintió la necesidad de tener “un espacio dedicado a la joyería contemporánea para empoderar, expandir, unir, fortalecer y expandir la joyería de arte en suelo latino”.

Y ella también presentará una propuesta artística en esta edición de BJW. “Es una investigación de un año que desarrollé en el grupo de estudio Mestiças e Híbridas, bajo la tutela de Jorge Manilla, en Núcleo Escola / Laboratorio de joyería contemporánea.

“Se trata de mi relación con el tiempo: antepasados, ascendencia y raíces. En esta serie invito a mi bisabuela indígena Raimunda Helena a una reencarnación en el año 2222 y las traduzco en joyas.

“Como siempre, mi objetivo es congelar en la materia aquello por lo que atravesó mi espíritu, materializar sueños que habitan mi ser y emerger a las ideas que mueven mi creación”.

_Empezaste por estudiar Letras y seguiste por Diseño Textil. Dos carreras muy distintas ¿o no? ¿Qué tienen en común?

_Empecé con Letras y a la mitad de la carrera, entré en Bellas Artes. Terminé Letras y trabajé 7 años como profesora, y en ese momento justo abrieron la carrera de Diseño Textil y me metí. Pero no son muy distintas, todo es comunicación. Dibujo y leo con furor desde que era muy chiquita y para mí ambas siempre fueron juntas y no les veo tanta disimilitud. Y cualquier cosa que estudies, si seguís haciendo otra cosa después siempre te suma, se complementa; estudiar siempre te sirve para ampliar la mirada. Además estudié cine, todo se va encadenando.

Mucho de lo que contienen estas disciplinas, Letras, Diseño Textil, Bellas Artes y Cine, tiene que ver con hacer un relato también, por eso van bastante de la mano.

“Estudiar siempre te sirve para ampliar la mirada”.

Apasionada por el textil

_Te definís como una nerd y nada más acertado porque es impresionante el volumen de tu cv, sobre todo, porque revela tu pasión el textil, ¿qué es lo que te atrae o qué es lo que más te gusta de trabajar con textiles?

_Lo que más me gusta es que el textil se puede transportar. Yo siempre estoy haciendo algo y el textil que es propio del nomadismo, es esa pieza que históricamente podés llevar con vos, es justo para mí. Podés hacer textiles en cualquier lado, en el piso, en el avión, por eso  siempre llevo algo para hacer en la cartera, como con el tejido a cuestas como cuando iba a clases a Letras. El textil es muy amable, tiene una superficie siempre amigable y me fascina desde muy chica. Mi abuela, que no conocí hacía sombreros y bordaba, y en casa de mis papás había cajas con encajes, telas, botones raros y plumas, entre otras cosas de ella, y para mí era una fiesta subirme al ropero bajar las cajas, sacar todo y volver a ordenarlo, era fascinante, como abrir una caja de cosas mágicas. Me encantan los hilos, los hilos raros, los veo y entro en éxtasis, solo otra persona a la que le gusten los textiles me entiende; cualquiera que se fascine con algo me entiende.

“El textil es muy amable, tiene una superficie siempre amigable y me fascina desde muy chica… Me encantan los hilos, los hilos raros”.

_¿Será que te gusta porque se trabaja con las manos?

_No, porque con las manos se puede trabajar cualquier cosa. Yo hago cosas con maderas y me gusta. Pero no sé, es una fascinación por su calidad o además es algo que siempre lo podés rescatar de casi cualquier cosa, podés sacar hilos hasta de las plantas, y eso es lo que justamente hago. Hay por todos lados. Es algo que te rodea. Yo veo fibras en todos lados. Para aquel que le encanta la química el mundo el químico, para el que le fascina la geología el mundo es piedra y a para el mí el mundo es fibra, es una forma de ver.

“Al textil siempre lo podés rescatar de casi cualquier cosa, podés sacar hilos hasta de las plantas, y eso es lo que hago”.

_Utilizás muchas fibras que habitualmente no se tejen.

_Yo tejo lo que me pongas enfrente. Pruebo y tejo. Lo rompo, a veces no sirve pero pruebo y tejo lo que se te ocurra. Ando por la calle agarrando cosas para probar, siempre vuelvo de caminar con un montón de cosas en la mano, junto para probar de tejer. Mucha gente amiga hace lo mismo con distintos materiales. Todos en alguna medida salimos a cartonear, yo junto yuyos.

_Tu trayectoria es muy vasta, como estudiante, docente, investigadora, con tus especializaciones y proyectos, ¿qué te fue aportando todo lo que hiciste para ser lo quién sos hoy?

_Para mí lo importante es que le pueda encontrar un sentido a las cosas. La docencia siempre me pareció que tenía sentido porque uno puede ayudar a que otra persona se desarrolle, es una actividad relevante, es muy enriquecedor estar al lado de alguien y darle  sostén para que pueda avanzar. Y en sociedades tan complicadas como la nuestra poder ayudar a educar es súper importante. Esto ha tenido sentido para mí, muchas veces más que yo haga cosas. Ahora que ya me jubilé estoy muy feliz de dedicarle más tiempo. Me parece que si uno hace cosas que disfruta mucho, andás desparramando felicidad y está muy bueno.

Encontrar el sentido

Por eso me parece que la palabra clave es sentido, darle sentido a lo que se hace, que sea significativo. Necesito que lo que hago en el mundo en que vivo tenga algún significado.

Mi carrera universitaria como docente me dejó mucha gente amorosa, una gran comunidad en la que aprendí un montón. He tenido, en su mayoría, alumnas que fueron y son fantásticas, con quienes hice amistad, desarrollé proyectos y generé una red en la que aún hoy nos interconectamos, y eso me nutre un montón. El trabajo de taller es colaborativo, es un ida y vuelta permanente, aunque no siga dando clases. Los vínculos que se generan en la enseñanza son lo más interesante.

“Lo importante es que le pueda encontrar un sentido a las cosas”.

_Además en paralelo estudiaste.

_Sí, me encanta estudiar, soy una nerd total, una nerd textil. Cuando entré a la universidad sentí que encontré el lugar, donde había otra gente que le pasaba lo mismo que a mí. Para mí estudiar me dio mucha seguridad, aprender es placentero para mí. Y está bueno ser alumna porque uno se relaja, podés ser la que está sentada escuchando y preguntando. Estuvo buena esa simultaneidad de ser docente y alumna a la vez.

“Soy una nerd total, una nerd textil”.

_Te especializaste en diversas técnicas textiles: jacquard, shifu, cestería con hojas, e-textiles, urdimbre, tejido con chala, hilado con rueca, trenzado, fieltro, encaje, tapiz, telar, estampación.

_Hice un montón de talleres de todas las técnicas que pude encontrar. Siempre me llamó la atención la tejeduría y por eso cuando terminé la facu hice un intensivo de tejeduría jacquard, que es lo más. Lo realicé en una fábrica muy antigua de Italia que trabajaban con un telar en madera con tarjetas de cartón y, al mismo tiempo, realizaban el proceso más industrial con otra fábrica. Pasé una experiencia fantástica al vivir allí y aprender todo el día esta técnica que permite tejer cosas sumamente complejas en cuanto a diseño y los niveles de la tela, etc. Y también te facilita trabajar de una manera muy plástica como pintando pero tejiendo; es muy libre, te permite ampliar lo que podés hacer, aunque estés atada a la lógica del telar que es totalmente digital.

Como me quedé tan entusiasmada encontré otro lugar en Canadá donde tenían unos telares digitales, que en Argentina no hay, en los que armás un archivo digital pero después tejés a mano; es muy interesante. Allí me fui todos los veranos durante cinco años.

Esto es lo que siempre me interesó más: tejer. Me parece que a diferencia de otras técnicas con la tejeduría podés generar una estructura de la nada. Me falta mucho por aprender pero me parece maravillo poder construir de cero.

“Con la tejeduría podés generar una estructura de la nada. Me falta mucho por aprender pero me parece maravillo poder construir de cero”.

Preferencias por experiencia

_Por tus investigaciones y experimentaciones o por tu trabajo parecería que todo hilo se puede tejer o que muchas texturas se pueden hilar y luego tejer, ¿con qué materiales te sentís más cómoda o cuál preferís?

_Probé con muchas cosas, me gustan más las fibras vegetales, más allá de que trabajé mucho con lana, me gustan las fibras naturales porque tienen una calidad a la vista y tacto que es distinta de los materiales sintéticos.

Ahora estoy enloquecida con los hilos metálicos y estuve recolectando de todo tipo, compré algunos en un pueblito cercano a Seattle que se usan para bordar casullas sacerdotales y estoy probando. Son hilos de metal para bordar muy finitos, de un grosor menor al de un pelo, no de poliéster, son flexibles y otros de acero inoxidable de una firma japonesa que mezcla distintas fibras: acero, lana, algodón y lino, para un mismo hilo y entonces le podés dar forma.

Mencionabas el shifu y es un textil de papel muy tradicional de Japón que se usa para tejer kimonos de trabajo. Y lo aprendí en la Kawashima Textile School de Kyoto, en un curso de tres semanas en el que logré desarrollar esta técnica de hilo de papel. Allí conseguí fibras difíciles que todavía conservo, como un yute muy finito.

Si te gustan los textiles, vas a Japón, a Perú y al Altiplano y enloquecés de alegría. Es que este último lugar tiene toda esa tradición prehispánica de la cultura textil, una de las más increíbles del planeta. La cultura textil andina es maravillosa. Hay piezas que aún no se entiende cómo técnicamente las hacían. Y tiene muchos paralelismos con Japón en esa excelencia que empieza en el material y se traslada al objeto final.

Es que cuando el material con que trabajás está bien hecho, es delicado, precioso de por sí,  suma en el proceso y se nota en el objeto final, el material brilla aunque el objeto final sea sencillo.

Pero si tengo que elegir siempre vuelvo a lo vegetal. En particular, a las fibras duras, como el cáñamo, lino, ramio. Por esto, también me gusta la chala; si bien es una fibra que cuesta terminar de extraer mediante una técnica súper artesanal, tiene cierta resistencia y dureza que parece de cestería.

_¿Estos conocimientos textiles los aplicaste a la joyería?

_Algunos sí, otros no pude. Me encanta el trabajo de Lilia Breyter, pero nunca pude tejer como ella el metal. Yo mezclo con otros materiales para poder tejer metal. No soy tan prolija; lo soy en algunas cosas, pero en esto llega un punto en que empiezo a hacer otra distinta. Pero sí trato de aplicar.

La lógica del textil

El problema que siempre tuve con los textiles en la joyería es que si querés trabajar también con metal no podés introducir el fuego, entonces tenés que pensar todo primero para definir cómo van juntas esa parte de metal con la textil. Y no es tan fácil porque si no se convierte en un pegoteo de dos elementos que no tienen mucha relación. Hay que trabajar las dos por separado y ver cómo unirlas sin que sea poner un gancho. Implica un trabajo especial que cuando unís otros dos materiales diversos. Me parece que pasa por buscar una forma en que el textil se sostenga por sí y tenga su propia lógica.

Fui muchos años al taller de Fabiana Gadano y el yeite era ver cómo encontrar la forma de que funcione si hay una parte metálica y que no parezca un adosado.

“Mezclo con otros materiales para poder tejer metal”.

_¿Tus primeros pasos en joyería fueron Taller de joyería  del Complejo Educativo de Joyería de Cámara Argentina de Joyería, Relojería y Afines, fue un aprendizaje de la técnica?

_Sí, fui a aprender al CEJ de la calle Libertad, porque había un curso de joyería textil que resultó ser tejer al crochet con hilo metálico, técnica con la que hice varias cosas, como unos gemelos que se vendieron muy bien y me empezaron a encargar. Y me cuestioné qué estoy haciendo y lo dejé. Allí, en el centro, no obstante, aprendí mucha técnica de joyería, lo mismo luego en el taller de Fabiana Gadano.

Cuando Francisca Kweitel organizó el primer Simposio de Joyería Contemporánea En Construcción, que trataba sobre procesos creativos, me entusiasmé con la idea de hacer objetos no vendibles sino piezas que implicaban un proceso de trabajo, y quise volver a hacer.

Entonces participé del taller Aire con Ruudt Peters; como me tenían que aceptar y yo no era de joyería, me anoté porque era en inglés y me encantó porque apuntaba a cómo te podés relacionar con tu propia fuerza interior, en un proceso en el que el producto final no es lo más importante. Por eso, continué con Fabiana Gadano que tiene un bagaje de técnica de joyería y formación en diseño que es un lenguaje que manejo y podemos hablar de las mismas cosas.

Después hice dos o tres talleres más de técnica, puedo trabajar en metal pero no me enloquece, por eso prefiero el textil. Es muy lindo trabajar con fuego y fundir pero no tengo la obsesión por la prolijidad en las terminaciones y esas piezas, pulidas impecables; tal vez no me interesa, y vuelvo al yuyo.

Otro de los talleres que más me gustó fue It’s a Jewellery Thing de la joyera Lin Cheung en la tercera edición del Simposio, que proponía mirar a la joyería como un fenómeno social que expresa y comunica ideas.

Un taller precioso fue también el de Celio Braga, una persona exquisita.

Y también hice un seminario de Sayumi Yokouchi sobre Las manos y los rituales cotidianos del hacer súper interesante, que estuvo en Buenos Aires invitada por Magalí Anidjar.

La chala, el material

El trabajo con Jorge Manilla De lo plástico a lo visual duró casi dos años, una experiencia muy fuerte en la que se gestó el colectivo Caracú y también durante la cual empecé a usar la chala como material y exploré otras formas de trabajar.

Pero siempre vuelvo a trabajar con Fabiana, con quien me entiendo y me permite sacar lo mejor de mí. Ahora por la distancia discontinuamos porque ir al taller es más enriquecedor y divertido presencial; la virtualidad está buena para estar en contacto, implica un dinámica distinta, pero para trabajar en un taller es mejor el intercambio personal poder tocar lo que se hace.

Es que sino cualquier cosa que hagas se convierte en una foto. En el espacio virtual, la pieza pasa a ser una imagen, la lógica es otra, pasa a ser un objeto bidimensional a través de una pantalla, no es más un objeto tejido o lo que sea. Depende de cómo se ve la pieza, no cómo es; creo que es preciso un acercamiento más personal, tocarla.