_Sos grabadora, pintora y también joyera. ¿Dónde estudiaste?

_Realice mis estudios en las Escuelas Nacionales de Bellas Artes de la Ciudad de Buenos Aires. En las viejas escuelas cuando funcionaban por separado, en la Prilidiano Pueyrredón, en las visuales -que luego se unieron en el Iuna y posteriormente se agruparon en la Universidad Nacional de las Artes-. Sí, hice Grabado y Pintura y, por cerca de 20 años, fueron los principales caminos que elegí para crear. Hasta que necesité buscar otras alternativas expresivas. Es que salir la zona de confort es súper importante para mí y eso implicó empezar a ver otras alternativas, otros caminos. Y recordé que en la escuela secundaria tuve un taller de metales y me encantó. Entonces, comencé a buscar un taller donde aprender, lo hice pensando que sería un recurso más, pero poco a poco con la joyería se fue abriendo ante mí un mundo mucho más amplio del que pensé en un inicio. Y llegué al Taller de María Medici, donde estudié por tres años, luego hice Engarce con Tali Wasserman y Laca Japonesa con Francine Schloeth. Y así llegué a lo que me gusta llamar joyería de arte, que reúne todo lo que estudié e hice.

“Salir de la zona de confort es súper importante para mí y esto implica empezar a ver otras alternativas, otros caminos”.

_¿Qué viste en la joyería? ¿Cómo es ese mundo que descubriste?

_Vi o descubrí los materiales y me gustó hasta dónde podía llegar con la materialidad. Arranqué como empezamos todos, o la mayoría, con el metal, plata 925, y también sumé engarce porque me gustan mucho las piedras que son el componente de color que tengo como parte de mi formación como artista plástica, como escultora. Y después con el tiempo comencé a darme cuenta que era mucho más que diseñar, porque la joyería implicaba empezar a trabajar a partir de conceptos, de una idea rectora. Y facilita la posibilidad de hacer piezas que no quedan sujetas a una pared sino que andan por todos lados. Estas cosas me fueron entusiasmando cada vez más de la joyería.

“La joyería implica empezar a trabajar a partir de conceptos, de una idea rectora. Y facilita la posibilidad de hacer piezas que no quedan sujetas a una pared sino que andan por todos lados.”

_¿Por qué la definís como joyería de arte?

_Porque lo contemporáneo me hace ruido, incluso cuando se refiere al arte. Hay un quiebre en un momento: la progresión es arte moderno y en las décadas del 50 y 60 comienza a hablarse de arte contemporáneo. Pero la palabra contemporánea me remite al ahora. Y todos somos contemporáneos, un joyero de la calle Libertad también es contemporáneo pero tiene una expresión distinta a la mía. Lo contemporáneo está muy establecido pero en lo personal no me gusta definirme como tal, siento que hago arte.

La joyería de arte es un lenguaje, una manera de expresión, es más que una pieza decorativa, es hablar de cosas que nos pasan, gustan e interesan. Cuando hablamos de joyería contemporánea incluimos a un diseñador que hace piezas de diseño, en serie, tal vez. Y eso no tiene que ver con lo artístico que implica la suma de materialidad y concepto. Tiene que ver o refleja lo que el artista quiere expresar. Hay propuestas interesantes e increíbles de la joyería de diseño o hasta de la alta joyería. Pero la joyería de arte me permite generar un nexo, un encuentro entre la obra y quien la puede portar o contemplar.

“Lo contemporáneo está muy establecido pero en lo personal no me gusta definirme como tal, siento que hago arte.”

_¿Y cómo es el nexo entre tu obra y el que puede portarla o contemplarla?

_El nexo sería con alguien también interesado por las cosas que lo rodea, con lo que le pasa. En mis últimas series estoy hablando de cuestiones sociales, que tienen que ver con este mundo tan convulsionado y complejo. Y así es el arte, hace mucho que dejó de ser decorativo para pasar a ser significativo. Creo que de Berni para acá hay otro concepto que se suma, otra propuesta de arte o con un enfoque que tiene que ver con lo que le pasa a la sociedad.

“Hace mucho que el arte dejó de ser decorativo para pasar a ser significativo.”

_¿A propósito, ¿hay algún artista que te inspire o del que tomás algo?

_Hay artistas que son muy inspiradores para mí. Me gusta mucho Antonio Berni y sus representantes icónicos de los marginados de la sociedad, como Juanito Laguna y Ramona Montiel; los muralistas mexicanos, con la experimentación de Rufino Tamayo; la geometría fundamental o suprematista del pintor Kazimir Malévich; la capacidad de hacer lo que quería que tenía la arquitecta iraní Zaha Hadid que desafiaba la geometría; los destacados retratos fotográficos de Sara Facio.

_¿A quién está dirigida tu obra? o ¿pensás en quiénes pueden portarla?

_No, trato de no atarme a eso. Cuando empiezo a trabajar no pienso en la funcionalidad de la pieza, porque lo primero que algo es un objeto que evoluciona hacia una pieza que puede ser un collar, una pulsera o un broche. Me gusta pensarlo como objeto. Tampoco pienso a quién va dirigido. Creo que indudablemente quién lleva una pieza mía tiene que tener una característica especial, es decir, una formación y mirada más artística, que quiere romper con lo tradicional o establecido que normalmente se supone es una joya. Finalmente, mis joyas están hechas con papel y eso es rupturista. Cuando usamos materiales como estos estamos haciendo un quiebre a lo esperado. Cuando dejé la plata por el papel, al principio fue raro, sobre todo, para el que lo veía o que estaba acostumbrado a otro material. “¿Vos no eras joyera? ¿No trabajabas con metal?…”, me decían. Está muy establecido ese preconcepto. Me gusta pensar en esta insurgencia de la joyería de arte que rompe con lo establecido, me gusta la sorpresa, que cuando alguien agarra una pieza mía y pregunta ¿qué material es? “¿es madera?”, suelen preguntar, y le respondo: “No, es papel”.

El que busca una pieza mía busca una pieza única. El arte, para mí, debe servir no tan solo como medio de expresión, si no también para tomar conciencia del cúmulo de experiencias que vamos teniendo.

“No pienso en la funcionalidad de la pieza porque lo primero que hago es un objeto que luego evoluciona hacia una pieza que puede ser un collar, una pulsera o un broche”.

_¿De qué tomaste conciencia a través del arte o de la joyería de arte?

_Tomé conciencia del alarmante estado de medio ambiente en que vivimos y cómo las diferencias sociales impactan en las personas son dos temas que me preocupan, más bien que me ocupo de reflexionar, analizar, discutir y plantear esto a través de mis obras. La expansión de virus que nos afecta creo que es una resultante del maltrato de la naturaleza o del medio ambiente. Y también la consecuencia de que la gente se quede sin trabajo no solo por la pandemia sino también por las crisis económicas.

Mi trabajo «Solo consecuencias» expresa la urgencia ecológica. «Delicado equilibrio» es otra obra que señala cómo se rompen los contratos sociales y qué pasa cuando uno pocos salen ganando y el resto se queda mirando.

Por este motivo, me gusta pensar que voy hacia un arte crítico, reflexivo; la joyería de arte me permite tomar posición y hacer visible lo que me conmueve. Los que elegimos expresarnos de esta forma a través del arte aportamos otras miradas para hacer visible lo que tal vez otros no quieren ver.

“La joyería de arte me permite tomar posición y hacer visible lo que me conmueve”.

_¿Qué te conmueve que te lleva a tomar posición y hacerlo visible?

_La desigualdad social, sobre todo, porque algunos tienen tanto y otros tan poco. Los problemas sociales son los que finalmente repercuten en todo. No me sirve estar bien si los que me rodean no pueden acceder a las cosas más básicas, como comer o estudiar o desarrollar sus potenciales, y encima se le echa la culpa, es tremendo. Vivimos en mundo muy desigual y hay que decirlo y la joyería de arte es un muy buen medio para expresarlo.

La materialidad de las piezas y objetos es importante en mi proceso creativo porque permite la concreción de una metáfora que facilita la transmisión de un mensaje; es el contacto entre la comunicación y el hacer.

“La materialidad es importante en mi proceso creativo porque permite la concreción de una metáfora que facilita la transmisión de un mensaje .”

_¿Ejemplos?

_En un momento el metal me permitió expresarme de una forma; en otro, el laqueado fue la mejor alternativa; hoy mi material base es el papel pero esto no significa que siempre lo será, seguramente irá mutando.

En «Laberinto» empecé a tomar conciencia de la importancia del correlato que tiene que tener la imagen y el concepto. Otra serie que fue muy importante fue «Territorios» en la que giré a una búsqueda más volumétrica, que mostré en su momento en Viste Rosario, un evento en el que fueron destacados con sorpresa varios joyeros en vez de diseñadores de indumentaria.

Y este papel de hoy es la materialidad me permite representar ese proverbio chino que indica que “En la naturaleza no hay castigos ni premios, solo consecuencias” que sintetiza la voz de alarma que quise dar con «Solo consecuencias» y lo hago con piezas hechas con papel tratado y cuerina.

En «Delicado equilibrio» me basé en el concepto de modernidad líquida del sociólogo Zygmunt Bauman que define lo fluido y volátil de la actual sociedad, sin valores demasiado sólidos, en la que la incertidumbre por la vertiginosa rapidez de los cambios ha debilitado los vínculos humanos y sostiene que “el único modo que la paz social se mantenga es que cada individuo o grupo pueda recibir lo suficiente para que su vida sea digna”. A partir de esto me cuestioné ¿qué sucede cuando individuos o grupos se distancian del resto queriendo hacer valer derechos y privilegios que creen adquiridos y superan a los de los demás? Seguramente esto provocará incertidumbre, insatisfacción y desesperanza entre los excluidos, y tarde o temprano esas tensiones creo que estallarán generando violencia y cambios en el paradigma social. Es que capas sobre capas de políticas de libre mercado acaban dejan al descubierto la realidad de los desafortunados y vulnerables. Esto lo comuniqué con piezas hechas con papel japonés, papel amate, cartón, algo de plata 9.25 y algunas con hilo de algodón y cuerina, que tienen partes abolladas o dañadas y otras más fluidas

En la serie «Contraste» el puntapié me lo dio un texto de Julio Cortázar que reza: «Es muy importante comprender quien pone en práctica la violencia: si son los que provocan la miseria o los que luchan contra ella», que me llevó a reflexionar sobre las políticas sociales y económicas; éstas son especialmente desfavorables para las clases populares y las hunden lentamente en la pobreza, incertidumbre y desigualdad, sometiéndolos a la amenaza del desempleo crónico con cada vez más personas libradas a su suerte. Quienes son expulsados de la estructura socioeconómica por falta de trabajo y protección social sufren el mandato de la individuación e invisibilidad. Y así evidentemente la brecha entre los más ricos y más pobres crece cada vez más. Una bandera que quise levantar, alzar la voz, y la materialidad que más me sirvió para representar esto fueron las bolsitas de infusiones usadas sobre las que apliqué una pátina casi parasitaria que me permitió relacionar la falta de oportunidades y equidad con una pandemia que todo lo devora.

Un trabajo siempre reflexivo en el que la joyería de arte se convierte en un lenguaje de creación tanto como la pintura, escultura o el dibujo, y está buscando su espacio, como alguna vez lo hizo la fotografía, por ejemplo. Por eso defino o califico a la joyería de arte como insurgente, porque busca sublevarse contra lo establecido y no está al servicio del consumo y la decoración del cuerpo que la porta.

_¿Dónde encontraste espacios que le dieron valor a tu forma de crear?

_A lo largo de los años fui formándome en talleres que le agregaron mucho valor a mi forma de crear, pero sin duda el espacio que me brindó el artista joyero mexicano Jorge Manilla marcó un antes y un después en mi proceso creativo. Fue una tutoría de casi tres años a partir de un workshop que se dio en el marco de la 2da. bienal latinoamericana de joyería, y que dio origen al colectivo Caracú del cual actualmente formo parte.

Es que estaba justo entrando en una zona de confort, me cuestionaba el hasta acá llegué y necesitaba un ¿qué más? Su orientación fue interesante porque él tiene una mirada plástica que validó muchos procesos de los que no estaba segura que eran así, como el manejo del volumen, el salir del plano, el tamaño, importantes a la hora de trabajar. Y también descubrí la posibilidad de unir lenguajes como la gráfica o el collage. Estos son otros caminos para expresar lo mismo que me permite la joyería de arte. Además, pude darme cuenta lo importante que es tener en cuenta el objeto, porque en definitiva lo que estamos haciendo son objetos para llevar en el cuerpo.

“Estaba entrando a una zona de confort, me cuestionaba el hasta acá llegué y necesitaba un qué más.”

_¿Collages?

_Sí, en este momento estoy haciendo collages y libros parasitados o de artista que se van amalgamando con cada una de las temáticas que trabajo desde la joyería. Es un ir y venir entre distintos puntos de expresión.

Hay libros de artista, como el primero, «La caja verde» del francés Marcel Duchamp, hecho con cartón, fotografías en blanco y negro, telas, notas manuscritas, y dibujos. Hay otros que nacen a partir de libros y se los llama parasitados. Consiste en resignificar un libro de lectura, cortás, pegás, pintás, es un libro que se convierte en parásito de otro. En los años 60 los libros dejaron de ser vehículos de textos literarios para pasar al terreno de las artes plásticas. El parasitado es un libro único, manipulado, intervenido y evolucionado. Y me encanta, es un lenguaje súper interesante, otra forma de expresión que también tiene un punto de encuentro con otras como la joyería de arte. Por ejemplo, tengo un libro de contabilidad y terminó teniendo adentro cuentas y números que te llevaban a seguir pensando que era un libro contable, pero sino trabajo con cualquier tipo de libro que por algún motivo llegó a mis manos, puede ser un libro viejo o que me compré y no me gustó y pasó a ser parasitado. Son libros de ediciones regulares que se intervienen, en mi caso, pintando, cortando y pegando, y se convierten en únicos como mis piezas de joyería, que aunque quisiera no se pueden repetir porque es la expresión del momento y es hacia donde la forma me fue llevando. Hay libros que son táctiles, revistas ensambladas y otros formatos y otros que hacen que este tipo de libros se muy interesante como medio de expresión porque podés manifestar mucho en un espacio pequeño para hacer y exhibir.

Los libros también son parte de mi espacio de trabajo, tengo varias pequeñas bibliotecas que albergan libros de joyería y revistas de arte.

“Los libros son parte de mi trabajo. Tengo varias pequeñas bibliotecas que albergan libros de joyería y revistas de arte.”

_¿Cuáles destacarías?

_Me encanta leer y soy una amante del libro de papel. Los libros me sirven para buscar información o expresiones que sostengan lo que quiero expresar. Mi interés por lo social me ha llevado a investigar porque no es mi formación de base. Leo sociología, psicología y antropología que me aportan mucho a lo que quiero decir, me baso mucho en los saberes previos. Ahora estoy leyendo una deuda pendiente que tenía que es «Los miserables» de Victor Hugo, un libro que siempre quise leer y nunca encontraba el momento y la pandemia fue la ocasión. Leo mucho sobre arte sobre la historia del arte, como «El narcisismo del arte contemporáneo» de Valérie Arrault y Alain Troyas, un análisis hecho con un enfoque psicológico social, que también plantea cómo lo político interviene en el arte. Y coincido porque creo que todo es político, no es posible separarlo.

_¿Este año marcó el camino de tu proyección internacional?

_Sí, claramente. En un año tan difícil y en un contexto tan horripilante me fue bien. Entré a todos los salones en que me presenté. Y venía bien posicionada del año anterior en que participé de la 1° Edición Joya en Tránsito, de la Galería Una Página en Blanco de Valencia;  luego seguí por In my opinión, una propuesta de la galería de arte Sztuki de Legnica, Polonia; y en ese mismo año también pude estar en Art Jewelry Night of Budapest. Y el año pasado intervine en Growth & Evolution and Exhibition, la muestra de la organización oficial de joyería de arte de Beijing y gané el Growth Award; también presenté mi trabajo en de Pandemia/Pandemônio/Pandega que organizó Nucleo Joalheria Contemporanea Brasileira de San Pablo; como parte del colectivo Caracú de la mano de Jorge Manilla participé de la muestra colectiva Las cosas que no se nombran en Athens Jewelry Week y cerré el año con mi obra en la muestra Desde el taller hay algo que necesita ser contado, de Joyeros Argentinos, y en Incorporar Obra, visto en Brazil Jewelry Week. Esta última propuesta fue una experiencia virtual interesantísima en la que se cruzaron diversos lenguajes, no solo se trató de joyería de arte sino que también se manifestaron expresiones audiovisuales y performáticas, entre otras.

_¿Qué implica tu participación en Joya Barcelona?

_Estoy súper contenta y agradecida por la gran oportunidad brindada por su director Paulo Ribeiro quien selecciono mi obra entre los joyeros artistas que participamos de Brazil Jewelry Week 2020. Es un gran desafío porque Joya Barcelona es un espacio muy establecido y poder llegar, entrar y mostrar mi trabajo es buenísimo. Son ocasiones  que se van dando y que me permiten manifestarme o mostrar mi trabajo. Es en octubre próximo, creo, pero veremos cómo se dará o si se dará de manera presencial o virtual o mixta; es que se puede proyectar hasta cierto punto, en tanto hay que seguir trabajando, eso hago.

_¿Estás trabajando en una obra que se desprende de lo visto en BJW?

_En general, como tengo estas preocupaciones o, más bien, temas que me ocupan, una serie se enlaza con la otra; unas me llevan a seguir evolucionando en otras. Y la serie «Solo consecuencias», sobre el medio ambiente, está derivando o me permite ir evolucionando o profundizando. Para esto quiero hablar más sobre la fractura que produjo la pandemia que tiene mucho que ver, como mencionaba, con nuestra relación con la naturaleza y la biosfera, en la que también se desarrollan otros seres vivos; una biósfera amenazada por la contaminación que provocamos. Lamentablemente, nos manejamos como si no fuéramos responsables y como si estuviéramos aparte, en otro espacio. De cómo los seres humanos rompemos el equilibrio de ese espacio dentro del cual se desarrolla la vida hablarán las piezas en las que trabajo y seguramente el volumen será un recurso que me permitirá expresarme mucho mejor. Aún no está denominada  porque estoy en el proceso. Estoy trabajando en el concepto, estoy en la búsqueda de información mediante lecturas y luego cuando esté claro de qué quiero hablar comenzaré a generar los objetos y éstos terminarán siendo las piezas. El mismo proceso aplico para una obra gráfica o pictórica. Y para esto creo que el papel me sigue sirviendo porque estoy consiguiendo que esa materialidad propia evolucione. Estoy en otro estadio del material respecto de la última serie, y se adapta perfectamente por forma, color y textura.

“Como tengo en claro los temas que me ocupan, una serie se enlaza con la otra; unas me llevan a seguir evolucionando en otras. De cómo los seres humanos rompemos el equilibrio de ese espacio dentro del cual se desarrolla la vida hablarán las piezas en las que trabajo y seguramente el volumen será un recurso que me permitirá expresarme mucho mejor.”

_¿Cuáles eran tus materiales antes? ¿Por qué optaste por el papel? y ¿Con qué tipo de papeles trabajás?

_Opté por el papel porque me di cuenta que era la materialidad que me iba a permitir expresar lo que quería hacer por los volúmenes, texturas y colores que facilita, además los movimientos que permite con el metal no los puedo conseguir; éstos son aspectos de la materialidad súper importantes. Y de a poco, sin darme cuenta, fui dejando de lado el metal y adopté el papel. Y hace bastante que ese material se convirtió en soporte en el caso de los broches, aunque no siempre porque hay otros soportes que hacen a la funcionalidad e idea de la pieza. Y esto es importante para cuando el objeto llega hacer pieza, es decir, para que no haya interrupciones visuales, por ejemplo.

Trabajo con varios papeles, principalmente con los japoneses que son muy plásticos porque están hechos a mano, y eso es importante para mí, que sean nobles, sobre todo, en esta etapa que son reciclados, los cuales voy interviniendo y consigo otras características.

Al principio usaba cartones y similares que combinaba con estructuras particulares, como en la serie «Territorios», que se dio un mix entre el papel, el textil y la laca japonesa. O sea que la materialidad, como sostengo, tiene que ver con lo que quiero decir. Ahora la laca no me sirve porque quiero mostrar el deterioro social.

“Opté por el papel porque me di cuenta que era la materialidad que me iba a permitir expresar lo que quería hacer por los volúmenes, texturas y colores que facilita, además de los movimientos que se consiguen.”

_¿Pasaste del metal al papel?

_No, fue bastante gradual. Pasé del metal a la silicona, con la que estuve bastante tiempo, y luego al papel que lo usaba tal cual como lo recibía, solo lo combinaba o pegaba pero no más que eso hasta que cada vez exploraba más y conseguí una materialidad propia, un papel muy trabajado. Usaba papeles más duros de encuadernación, en un principio, y ahora trabajo al papel con otros materiales o los mojo, los voy interviniendo y viendo sus reacciones, los pego y más. Nunca se cómo ese papel va a llegar a ser el objeto y la pieza de joyería, porque se va transformando a medida que lo voy trabajando. Y eso es lo que me gusta del papel, el no  saber cómo va a quedar finalmente. A veces le doy un color predeterminado y a veces el mismo papel me va llevando al color. A veces, los intervengo pintándolos, aplicando otros papeles encima. Trabajo mucho con papeles japoneses que me encantan, porque son, finos o gruesos, pero súper dúctiles, y esta no es una cualidad del metal, por ejemplo. El papel se asemeja más a una tela, no por textura. Pero la materialidad de las piezas no tiene que ser siempre las mismas porque lo importante es hablar o transmitir un concepto, y el concepto y la materialidad tienen que integrarse para esto y no siempre el mismo material responde o funciona para todos los conceptos o mensajes que se quieren ofrecer. En este momento el papel me permite expresarme pero no sé si más adelante va a ser el mismo o me va a servir.

“Pasé del metal a la silicona, con la que estuve bastante tiempo, y luego al papel que lo usaba tal cual como lo recibía, solo lo combinaba o pegaba pero no más que eso hasta que cada vez exploraba más y conseguí una materialidad propia, un papel muy trabajado.”

_¿Esa intervención del papel implicó la creación de una técnica propia?

_Puede que sí, pero no quisiera decir que es propia, indudablemente tiene características o un manejo personal por la intervención, que deriva en un lenguaje más propio. Tal vez cuando trabajo con papel con pulpa se genera una técnica, pero no siempre.

_¿Cómo es tu lugar de trabajo?

_Mi taller está ubicado en el barrio de Villa del Parque y en él conviven en forma simultánea los diferentes mundos creativos que me interesan. Me encanta estar en el taller, es mi lugar en el mundo. Mis días comienzan muy temprano, no pasa un día en el que no esté allí y si por algún motivo no puedo hacerlo paso aunque sea un rato ahí.

Cuento con cinco mesas de trabajo cada una con historia propia. La que uso para trabajar en mi obra gráfica es la mesa de la cocina de mi infancia, la de soldar y donde realizo el armado de las piezas y objetos son dos tableros de dibujo del estudio de arquitectura de mi padre y hermana. Mi antiguo banco de joyero lo herede de un querido amigo de la familia y la mesa en la que preparo los materiales fue la mesa de comedor de una tía. Cada uno de estos espacios me permite trabajar en mis proyectos de forma simultánea. Siempre están a la vista mientras dura el tiempo en el que trabajo en ellos. Esta posibilidad me permite mirarlos, retocarlos, repensarlos. Cuando trabajo hago mucha cantidad de objetos y veo cómo van evolucionando. Al tener un taller ecléctico las herramientas con los que cuento son muchas, las típicas de un taller de joyería conviven con mi prensa de grabado, caballetes de pintura y tijeras de todo tipo y tamaño. Y muchos papeles, que voy transformando e interviniendo hasta llegar a la materialidad que me permite expresar el concepto a desarrollar.

“Cada uno de los espacios de mi taller me permite trabajar en mis proyectos de forma simultánea. Siempre están a la vista mientras dura el tiempo en el que trabajo en ellos. Esta posibilidad me permite mirarlos, retocarlos, repensarlos. Cuando trabajo hago mucha cantidad de objetos y veo cómo van evolucionando.”

_¿Estás presente en catálogos o publicaciones de joyería, como en Brazaletes, editado por Nicolás Estrada?

_Sí, un orgullo, con piezas de la colección «Solo consecuencias».

_¿Otros desafíos?

_Soy jurado de selección de la próxima edición de la Bienal Latinoamericana de Joyería Contemporánea; otro rol que es un nuevo desafío, que pone en juego otras habilidades y mucha responsabilidad. Porque es muy importante lo que pasa en América Latina y creo que finalmente nos vamos a hacer un lugar, estamos abriendo un camino porque hay mucho qué decir con nuestra identidad, basta con ver la movida que genera Joyeros Argentinos, Joya Brava, Broca, Nucleo, Corpojova y muchos otros grupos, también de México, por ejemplo. Está bueno exhibir en el exterior pero también es fundamental fortalecerlo en nuestro ámbito. Y esto nos moviliza para tomar conciencia de lo que podemos hacer y decir. Está bueno que podamos generar nuestra propia feria internacional o, insisto, un espacio para mostrar lo mucho que hacemos. La pandemia nos llevó a conectarnos mucho más que cuando imperaba solo la presencialidad, no la reemplaza porque hacemos arte y no es lo mismo ver las piezas o hasta tocarlas, se genera otra experiencia. Pero la virtualidad activó la inventiva y sumamos otros lenguajes para reforzar lo que queremos decir, como el formato audiovisual en general que es otra manera de llegar. Esto es incipiente porque es un proceso.

_Estudiaste negocios y marketing y luego joyería, dos disciplinas que parecen muy disímiles ¿o no?

_En los 90 estudié Administración de empresas con un enfoque en Marketing y negocios internacionales en Boston. En 2000, cuando llegué a Barcelona, mientras hacía una maestría en marketing, hice joyería también. Es un arte que siempre me había llamado la atención, pero al que nunca me había dedicado. Allí tuve tiempo para mí por primera vez y algo de claridad en mis preferencias. En Colombia había empezado a estudiar ingeniería electrónica y después me pasé a administración de empresas. De ahí me fui a los Estados Unidos a seguir con mis estudios de negocios. En Barcelona encontré la joyería sin buscarla. Y en la escuela Massana descubrí un universo maravilloso que desconocía por completo, fue como entrar en otro mundo.

Luego en Alemania volví a tener tiempo, pude volver a enfocarme, disfrutar de la vida e inspirarme. Descubrí el maravilloso mundo de las piedras preciosas en este rincón alemán tan extraño como de otra dimensión. Y también fue bonito. En Idar-Oberstein viví unos de mis mejores años y conocí gente especial. Fue un privilegio poder hacer un paréntesis a los 40 años.

_¿Integraste el marketing y la joyería en la edición de libros de joyería?

_Yo creo que siempre estoy aplicando todo lo aprendido en todo lo que hago. Me gusta mucho acumular experiencias, estar bien preparado para todas estas sorpresas que nos va dando la vida.

“Me gusta mucho acumular experiencias, estar bien preparado para todas estas sorpresas que nos va dando la vida”.

_¿Cómo incursionaste en el mundo editorial?

_Joaquín Joaquín Canet, el director de Promopress/Hoaki, me invitó a hacer un primer libro en 2008. Eso era algo que nunca me había planteado, una de esas oportunidades que la vida me fue dando y las puertas se fueron abriendo.

_¿Tu primer libro de joyería contemporánea fue un éxito en ventas, ¿por qué creés que se dio ese fenómeno?

_Porque el libro quedó muy bien hecho, la selección fue maravillosa y el equipo de diseño, promoción y ventas de la editorial hizo y hace un trabajo fenomenal.

_¿Los tuyos fueron los primeros libros en su tipo? ¿Cómo concebiste ese formato?

_No, para nada. Hay colecciones maravillosas de Lark: la serie 500, por Marthe Le Van, que fue pionera, y es espectacular. Además de otras recopilaciones como The Ring (2000) por Sylvie Lambert para RotoVision; la increíble colección de libros por Anne Van Cutsem para Skira: A World of Rings (2001), A World of Earrings (2001), A World of Bracelets (2003), y también A World of Necklaces (2004) por Anne Leurquin.

_¿Con qué criterio elegís las joyas que publicás?

_La fotografía que recibo es muy importante, siempre trato de puntualizar que para los libros no busco piezas espectaculares, busco fotografías espectaculares de piezas espectaculares. Nunca sé de antemano cómo voy a hacer la selección, ni cómo va a quedar el libro, ni cómo lo voy a dividir. Es un proceso que se inicia una vez terminada la convocatoria, cuando recibo todo el material y empiezo a seleccionar lo que visualmente llama más mi atención. Lento, como todo en mi vida profesional.

“Para los libros no busco piezas espectaculares, busco fotografías espectaculares de piezas espectaculares”.

_¿Tus libros marcan la tendencia que se ve en la joyería contemporánea?

_Es la moda la que va por tendencias: el color amarillo para esta temporada, el rojo para la próxima. Yo nunca pensaría que hoy la tendencia es madera y para el próximo semestre es plástico. Me parecería muy triste que los joyeros nos ciñéramos a las tendencias de moda para diseñar o que seleccionáramos un material porque alguien que usó ese material ganó un premio. Me gusta pensar que la joyería es tan relevante ahora como lo fue antaño. Sólo diría que mis libros muestran el tipo de joyería que se hizo a un nivel más o menos global en un espacio de tiempo más o menos específico, pero no creo que definan ninguna tendencia.

_Tratás de tener una mirada global de la joyería contemporánea; es decir, que tus ediciones sean representativas de la joyería que se hace en todo el mundo?

_Sí, me interesa mucho enseñar una muestra global, trato que todos los lenguajes estén representados.

_¿Cómo ves la joyería latinoamericana? ¿Seguís la joyería que se hace en tu país? ¿Qué opinás de la joyería contemporánea argentina?

_Es muy raro catalogar la joyería por zona geográfica en un mundo que está cada vez más globalizado. No veo la joyería como un partido de fútbol en el que Argentina juega mejor que otro equipo, tampoco como una competición económica en la que Latinomérica pelea por salir de la pobreza y la corrupción… Mi país, yo nací en Colombia, pero he vivido 20 años en Barcelona. En Medellín desconocía la joyería que conocí en Barcelona. Mi espectro de la joyería trata de abarcarlo todo y es lo que trato de hacer desde mi Instagram, que afortunadamente no permite agrupar ni por país, ni por género, ni por amigos o conocidos. En la selección que hago para los libros tampoco voy anotando seleccionados por país. Sigo los trabajos de los joyeros que me interesan, y muchos de ellos no sé de donde son geográficamente porque eso es irrelevante para mí. Me sorprende tanto el trabajo de la joyera coreana como el del joyero costarricense, y eso es exactamente lo que busco: joyería que me emocione independientemente de haber sido realizada en la Patagonia o en el Sahara. Estas fronteras geográficas, estas banderas, estos nombres de países los considero innecesarios. Me cautiva la joyería independientemente de sí es argentina, colombiana, latinoamericana, europea o asiática.

“Las fronteras geográficas, estas banderas, los nombres de países los considero irrelevantes e innecesarios. Me cautiva la joyería independientemente de sí es argentina, colombiana, latinoamericana, europea o asiática”.

_¿Qué porcentaje representa lo publicado en relación a lo investigado; por ejemplo, 400 collares de cuántos vistosa?

_Todo es un gran proceso. Redacto una convocatoria que dura unos 120 días y difundo en redes. También mando muchos mensajes a joyeros cuyo trabajo me gustaría que apareciera en el libro. Al principio recibía poco material, después del segundo libro todo cambió radicalmente: para Collares recibí unas diez mil imágenes, para Broches unas siete mil y para Brazaletes casi cinco mil.

_¿Trabajos de qué argentinos están reflejados en tus libros?

_De muchos. No llevo un recuento por país, ni género, ni edad… Me interesa mucho que los libros abarquen un espectro amplio, pero no hay cuotas. Sin embargo, como para muchas personas esto es importantísimo (tal vez lo más importante), cada libro, en la breve biografía que cada uno de los participantes lleva, enseña el lugar de origen de cada participante y el lugar en el que reside.

_Segmentás tu propuesta editorial por piezas: aros, collares, anillos, brazaletes, ¿por qué?

_Por supuesto, porque es como se llaman los libros. Porque me parece interesante y es como me ha gustado trabajar. Ahora esa segmentación por piezas es una colección de joyería que abarca un espectro grande: son cinco temáticas que han sido muy bien cubiertas. Podrían ser también cinco capítulos de un gran libro que se ha ido formando durante una década y que abarca el gran espectro de la joyería.

“La segmentación por piezas es una colección de joyería que abarca un espectro grande: son cinco temáticas que han sido muy bien cubiertas. Podrían ser también cinco capítulos de un gran libro que se ha ido formando durante una década y que abarca el gran espectro de la joyería”.

_¿Cómo se gestó tu última compilación es sobre brazaletes? ¿Qué muestra?

_Era una temática que no habíamos considerado con la editorial porque creíamos que no habría suficientes creadores de brazaletes como para hacer un libro interesante. Tampoco creíamos que fuera una temática interesante para los seguidores de las publicaciones. Pero afortunadamente estábamos equivocados en las dos apreciaciones, la respuesta a la convocatoria fue masiva, y me siento confiado de que este libro se va a vender muy bien.

Brazaletes presenta más de 400 piezas diseñadas por 200 joyeros seleccionados entre más de 900 artistas internacionales. Esta colección de brazaletes de todo el mundo y estilos completamente diferentes sorprenderá a los lectores por su frescura, diversidad de enfoques y materiales -como oro clásico, plata y piedras preciosas, además de papel, madera, plástico y resinas- y por su colorido. Esta obra constituye una amplia muestra de lo que está aconteciendo en el mundo de la joyería de autor y es parte de nuestra serie actual, que ofrece una visión global de la joyería contemporánea.

Brazaletes incluye los prefacios de Barbara Schmidt, artista y profesora alemana, directora de la Academia de Diseño de Múnich; y de Helen Britton, artista australiana residente en Múnich, reconocida internacionalmente y ganadora de múltiples premios de joyería contemporánea.

“Esta obra constituye una amplia muestra de lo que está aconteciendo en el mundo de la joyería de autor y es parte de nuestra serie actual, que ofrece una visión global de la joyería contemporánea”.

_¿Tus libros se consiguen en Argentina?

_Por supuesto, la distribución es a escala mundial, sin embargo, el cuándo es la gran pregunta, ya que la situación actual ha hecho que todo cambie. Promopress/Hoaki tiene una excelente distribución en Argentina; en circunstancias normales, los libros se podrían conseguir en cualquier librería que cuente con una sección de arte. El problema es que, con el Covid, hay muchas librerías cerradas y eso impacta mucho en la vida del libro. De todas formas, la editorial tiene presencia en las grandes cadenas, en Yenni-El Ateneo, Cúspide, especialistas como Índigo Libros y Mercado Libre para venta online.

_¿Tu próximo proyecto editorial?

_No lo sé, el actual apenas va terminando. Yo voy poco a poco.

_¿Cómo compaginás tu trabajo como editor y con el de joyero?

_Como se compagina todo en la vida, sacando tiempo para cada cosa. También hago entrevistas a joyeros, doy cursos de joyería, conferencias de joyería. Disfruto de la variedad en mi mundo cerrado.

_¿Cómo definirías tu trabajo en joyería?

_Cuidadoso y muy trabajado. A veces impactante. Empecé con semillas de tagua y armas. Prefiero todo: el tallado en piedra, las aleaciones, el uso de metales y el trabajo en madera. Me gusta trabajar un poquito de todo. Considero que cada material tiene su momento, su estado de ánimo apropiado y sus tiempos.

_¿Compartís tu taller con Karim Oukid, ¿hacen trabajos juntos?

_Sí, compartimos taller hace muchos años. Nos ayudamos mucho, compartimos mucho, conversamos mucho, nos alabamos, nos damos ánimo y nos criticamos, y tenemos una gran amistad, pero no hemos hecho joyas juntos. Además en el taller se hace coworking con otros joyeros.

“El conocimiento y la comprensión de la herencia cultural del pasado es lo que me ayuda a comprender el presente y entrever el horizonte”

_¿He visto que aprovechaste creativamente la cuarentena, ¿cómo fue ese proceso y con qué resultado? ¿cómo son esas piezas?

_No mucho, me deprimí bastante y se me desbarató el mundo, como a mucha gente. No soy en nada parecido a los influencers que hicieron doctorados, aprendieron idiomas, pusieron sus cuerpos atléticos, se reinventaron, se salieron de su zona de confort, rompieron paradigmas, escribieron libros y encontraron el éxito durante el confinamiento. Y hubo un momento en el que ya había tomado demasiado alcohol, había disfrutado del tiempo libre, me había destrozado la espalda haciendo unas rutinas de ejercicio estúpidas e innecesarias y, como lo de escribir libros y hacer doctorados no me fluía, pues me puse a crear que es lo que se hacer. Y, para no enloquecerme al vislumbrar un futuro oscuro, me inventé el proyecto 99 días, en el que sigo trabajando: un anillo para cada uno de los días que duró el confinamiento en Barcelona.

_¿Entre hacer joyería o editorializar sobre joyería, ¿qué elegís?

_No elijo, me siento muy cómodo con todos los proyectos en los que me involucro, de lo contrario no los consideraría. Cada uno me hace crecer como persona y me aporta un montón como creador, a los libros también los considero como una pieza de joyería.

“Instalar el pensamiento crítico es fundamental para asegurar la calidad de esta nueva creación. Para la evolución, consideramos necesarias las instancias asociativas, tanto como la urgente instalación de diálogos críticos.”

“Para que el deseo que nació con el estallido social consiga construir un nuevo cuerpo de creación, se necesita más tiempo y dedicación, más reflexión y pensamiento crítico.”

_¿Cuál fue el camino que te llevó a la joyería contemporánea?

_El inicio se remonta hasta el 2005, cuando me lancé a un viaje de exploración a través de México. Luego de muchas aventuras y vueltas por el mapa, llegué a San Cristóbal de las Casas. Allí conocí a un orfebre que me abrió las puertas de su taller y me alentó a darle a mis manos el protagonismo que necesitaba en mi vida: el de hacer, el de crear. Fue así que comencé este sendero de aprendizaje, el cual continúo transitando, ya que mi objetivo es que la exploración y la experimentación nunca se acaben. En retrospectiva, veo fragmentos de un puzle que se han ido encajando con naturalidad unos con otros, construyendo mi camino como si así debía de ser. A pesar de que nunca supe con exactitud a dónde me llevaría la vida, la llama de la curiosidad ha estado siempre encendida y eso me ha mantenido en movimiento. Tal es así, que tomé la decisión de radicarme en Europa para poder emprender mi formación en esta disciplina tan específica que es la joyería contemporánea.

“Comencé este sendero de aprendizaje, el cual continúo transitando, ya que mi objetivo es que la exploración y la experimentación nunca se acaben.”

_Antes habías arrancado por estudiar Conservación y Restauración del Patrimonio Artístico, ¿Por qué? ¿Qué te aportó ese aprendizaje?

_Cuando volví de México comencé mis estudios en Conservación y Restauración y esto viene ligado a mi pulsión por conocer lo pequeño, los detalles. Durante mis años de estudios trabajé en el Departamento de Conservación y Restauración del Museo de Arte Oriental y del Museo de Artes Decorativas de Buenos Aires, así como realicé restauraciones para entidades privadas. Estas experiencias han sido claves para aproximarme a los materiales de una manera más íntima, ya que en el IUNA estudiábamos acerca del comportamiento, naturaleza y constitución de los materiales. Han sido las técnicas que se aplican en restauración las que me han servido para resolver muchos interrogantes a la hora de crear mis piezas. Cada tramo del sendero cumple una función clave.

_¿Por qué te especializaste en talla de piedras?

_Cuando estaba estudiando en la Escola Massana en Barcelona, decidí ir de intercambio a la Universidad de Ciencias Aplicadas de Trier, al Campus de Idar-Oberstein que se especializaba en el trabajo de talla en piedra. Quedé flasheada. Un semestre no fue suficiente y regresé para hacer el máster. Estuve viviendo 3 años en aquel recóndito pueblo alemán, enfocada de lleno a trabajar con piedra.

Durante los años que duró el máster fui aprendiz en el taller del Schleifer Meister Axel Petry, un tallador de piedra tradicional, quien me guío en el oficio para manipular piedras preciosas con paciencia y exigencia. Paralelamente también estuve en Austria, haciendo escultura en mármol a gran escala en una cantera bajo la tutela de Andreas Lolis, un escultor griego que es un crack. También trabajé en una fábrica donde realizábamos piezas microscópicas en corúndum, allí descubrí el mundo de las piedras sintetizadas en laboratorio.

_¿Qué importancia tienen los oficios?

_Siempre que he tenido la posibilidad de ser aprendiz en algún taller, no lo he dudado ni por un instante y he aprovechado la experiencia al máximo posible. Para mí, los oficios son la base primordial para poder hacer dejando que las manos sean libres de engendrar lo que tenemos en la mente, porque conocemos a los materiales con los que trabajamos.

“Los oficios son la base primordial para poder hacer dejando que las manos sean libres de engendrar lo que tenemos en mente.”

_¿Cuál es tu objetivo con la joyería contemporánea?

_La joyería contemporánea es mi medio de expresión. Es a través de ella que busco comunicar mi manera de ver el mundo. Pero además de transmitir mi mensaje, lo que me completa como creadora es que cada quien haga su propia interpretación de mi trabajo y se refleje en él y reflexione acerca de sus propias vivencias o criterios preconcebidos. Cuando realizo una pieza siempre dejo la puerta abierta para que haya este tipo de diálogo entre la joya y el portador.

_¿Cómo es tu proceso creativo?

_Mis piezas son collages, ensambles a través de los cuales pretendo reflejar mi propio mundo. Realizo “pócimas” que combinan muchos elementos y experiencia provenientes de diversos puertos y rincones. Compongo de manera lúdica e instintiva: voy oliendo los colores en búsqueda del patio de juegos, ese espacio liminal donde todo es posible.

“Compongo de manera lúdica e instintiva: voy oliendo los colores en búsqueda del patio de juegos, ese espacio liminal donde todo es posible”.

_¿A quiénes te dirigís?

_Mis trabajos desprenden buena energía, y realizo tanto colecciones como piezas únicas y comisiones especiales. Reflejan el proceso de un objeto hecho íntegramente a mano, por lo tanto, va dirigida a todas aquellas personas que valoren esa manera de hacer.

Vivir de esta profesión no resulta fácil, es por eso que he ideado una fórmula ramificando mi obra en dos direcciones: por un lado, realizo obra artística, que es representada por galerías y es exhibida en un contexto determinado, como trade art fairs o exhibiciones curadas en museos; y, por otro lado, desarrollo colecciones, series limitadas de piezas que surgen de extraer una gota de savia de esa rama y están ligadas por sus características estéticas y su lenguaje plástico. ¡Que al final está hecho todo con las mismas manos! Pero difieren, principalmente en su precio y, por ende, el público objetivo puede variar. Con esto, mi intención es democratizar la joyería y que más gente pueda acceder a ella, sin restricciones de género o edad.

Cuando estoy de cara al público en ferias o mercados de diseño me llama especialmente la atención cómo lxs niñxs reaccionan a mi trabajo. Se acercan de inmediato y miran con timidez y curiosidad. Disfruto explicándoles los procesos, animándolos a que las toquen. Es muy motivador y estimulante escuchar sus interpretaciones y ver la sonrisa o el gesto de sorpresa que se les dibuja en la cara. Proyectos que atesoro en el tintero.

“Mis trabajos reflejan el proceso de un objeto hecho íntegramente a mano, por lo tanto, va dirigida a todas aquellas personas que valoren esa manera de hacer”.

_¿Qué te inspira?

_Desde pequeña he tenido curiosidad por las antiguas culturas, especialmente las precolombinas, por su iconografía y su cosmovisión. En mi camino como artista éstos referentes han estado siempre presentes, tanto a nivel estético como por la admiración que tengo hacia sus técnicas y manejo de materiales. Tal es así que para escribir el research paper del máster en Alemania, “When Play Meets Ritual”, tomé el juego de pelota mesoamericano como objeto de estudio para reflexionar acerca de la conexión entre el juego y el ritual. La teoría del juego y el homo ludens -le humane que juega-, así como algunos íconos de la cultura pop de mi infancia emergen con ironía y un poco de nostalgia en mi obra.

_¿Trabajás una única tipología de objetos? ¿Cuáles sino?

_No, no me atengo a una única tipología, de hecho, siempre estoy buscando nuevas maneras de expresarme, de manifestarme y de transmitir mi mensaje.

Mis joyas de por sí tienen un carácter lúdico que las conecta directamente con la tipología de juguete. Algunas lo son también, como es el caso del broche “Das Autito”, que es broche y juguete a la vez. Muchas de mis piezas de la serie “Petium” (2014-2014) o “El Patio de mi Casa es Particular” (2015-2016) resultan ser tanto como joyas, así como relieves o esculturas de pequeña escala.

Fue a partir de la serie “El Patio de mi casa…”, la cual nació al inicio de mis estudios en Alemania, que comencé a investigar sobre la teoría del juego y cómo el juego es una necesidad de los seres vivos, a través de la cual podemos transformar nuestra realidad. Así, surge la metáfora de “el patio de juego” como el inconsciente, ese lugar donde todo es posible. La teoría de Freud del Fort Da también ha guiado la dirección de mi trabajo. Con este background teórico fui desarrollando conjuntos de esculturas tanto en assemblage como en talla directa en madera y piedra, así como una serie de esculturas de mesa/vajilla. Fue un momento de explosión, donde todo cobró sentido y donde encontré un modo de expresarme en diversos formatos.

_¿Qué significa que “el hecho a mano es el nuevo negro”?

_Adopto esta frase como lema de mis piezas street wear, tales como Wood Gems, Yabba Dabba Doo, In Blossom.  Es un catchphrase con la que pretendo hacer reflexionar a la gente acerca de qué es lo que “nos queda bien”. En un mundo donde se nos incita a consumir todo con inmediatez, donde nos ponen productos envasados por todos lados, donde la producción en masa se come a los pequeños emprendedores, aspiro no sólo a reivindicar lo artesanal y poner en valor los oficios, sino también incitar a los consumidores a que se cuestionen de dónde provienen sus bienes materiales y puedan recapacitar acerca de lo preciado que es poder saber quién hizo aquello que poseen. Además, manifestar que lo artesanal nos sienta siempre bien, porque detrás de ello hay muchos conceptos valiosos que enaltecen nuestro ser.

Mis colecciones tienen el efecto de toque final y pueden ser llevadas tanto en el día a día como en una ocasión especial, haciendo de “cereza del postre” para completar un outfit. Su propósito es hacer destacar nuestra belleza natural, nuestras singularidades y que al salir a la calle lo hagamos empoderadxs luciendo joyas hechas con vibra positiva.

“Busco incitar a los consumidores a que se cuestionen de dónde provienen sus bienes materiales y puedan recapacitar acerca de lo preciado que es poder saber quién hizo aquello que poseen”

_¿Hacés tus piezas a mano vos sola o trabajás con un equipo?

_Todo lo hago por mí misma: diseñar, cortar, tallar, pintar, ensamblar, soldar, limar… Para algunos procesos –como fundición a la cera perdida o anodizado/chapados en oro- recurro a pequeñas empresas familiares con quienes me siento cómoda de trabajar y con quienes tengo un trato directo.

_¿Por qué flashera? y  ¿Qué se hace en Flashera Lab?

_Es un término que proviene del slang argentino. Si bien puede tener diferentes interpretaciones, adopté esta palabra para hacer referencia a algo insólito, eso fuera de lo común, lo extraordinario.

Flashera Lab es mi taller personal en Bilbao donde desarrollo mi obra en joyería contemporánea. Además, imparto talleres de Joyería para que la gente pueda aprender técnicas que les permitan comunicar su mensaje y expresarse a través de esta disciplina que tanto me ha enseñado a lo largo de los años. Es un laboratorio que invita a la realización de proyectos y está abierto para colaboraciones entre creativos y a todxs aquellxs que quieran instruirse trabajando, explorando, jugando, imaginando y descubriendo. Aquí, la idea del “flash” surge como una metáfora de la energía creativa, una fuerza que nos sacude y nos incita a crear.

Parto de la base de que no hace falta experiencia previa. Las sesiones que brindo son en grupos pequeños, de hasta 3 personas en el caso de la modalidad de formación permanente, que son encuentros semanales. Hoy en día la gente tiene una agenda complicada, entonces intento brindar a las personas una alternativa que se adapte a su disponibilidad. Por eso ofrezco también clases individuales; en algunos casos se trata de clases intensivas, como es el caso del full day workshop, donde hacemos una pieza de principio a fin en una jornada. Esta modalidad suele interesarles a personas que quieren “probar” de qué se trata la joyería, o bien personas que vienen de fuera de Bilbao y que quieren aprovechar al máximo el tiempo. También resulta ser muy llamativo para personas que buscan hacer a alguien un regalo especial.

Además, también planteo la Clínica de obra, que son tutorías personalizadas para desarrollar proyectos en concreto. Es un taller de análisis y producción destinado a artistas y/o diseñadorxs que se planteen dar un giro a su trabajo, quieran incorporar nuevas técnicas o bien busquen una manera de trasladar sus obras a un contexto body-related. En este caso, si bien no hacen falta conocimientos previos en joyería, sí hace falta una idea como punto de partida sobre la cual desarrollar el proyecto.

“Es un laboratorio que invita a la realización de proyectos y está abierto para colaboraciones entre creativos y a todxs aquellxs que quieran instruirse trabajando, explorando, jugando, imaginando y descubriendo”

_¿Cuáles son las piezas que te caracterizan y por qué?

_Todas mis piezas me caracterizan porque representan un momento específico en mi carrera. Podría decir que a algunas piezas en concreto han resultado reveladoras o significado un paso importante en mi camino, un instante de click, donde descubrí algo nuevo.

El broche “Bouquet para la Condesa Magenta” y el collar “Allegro Molto Apassionato” de la serie Petium fueron como los highlights para mí en aquel momento, cuando comencé a tallar piedra y me obsesioné con poner la técnica al servicio de la composición, buscando maneras para conectar las piezas y haciendo que los sistemas de la joya fueran no sólo especiales, sino que se convirtieran en un elemento más en la sinfonía. Éstas fueron las dos primeras piezas que hice tallando en piedra el cierre del broche y el cierre bayoneta del collar. Me llevo semanas conseguirlo, ¡pero fue tan satisfactorio haberlo logrado!

La serie de vajilla escultórica que hice para Steinbeisser (un proyecto de Gastronomía Experimental en Ámsterdam); Ludens, una escultura que hice en mármol tallado;  Caramelera, la escultura-juguete Toy Totem. Estas han sido piezas que me han estrujado cabeza y manos, donde trabajé hasta quedarme en vela pensando cómo resolver obstáculos técnicos y compositivos, y que al final del camino he salido revitalizada… A ver, lo que me gusta mucho, a lo que aspiro en mi obra es a hacer objetos donde sea capaz de reflejar tanto mis valores estéticos como mis fundamentos teóricos mientras disfruto del hacer.  A lo mejor cuando lo explico cuesta entender que “estrujar cabeza y manos” sea sinónimo de disfrute, pero bueno ¡cada quien con sus mambos!

_¿Cómo definirías tu estilo?

_Si bien puedo ser capaz de explicar o describir con palabras mi “estilo”, me interesa más la interpretación que pueda hacer el espectador acerca de ello. Entonces voy a responderte esta pregunta con una cita de mi querido profesor Theo Smeets, quien escribió un texto acerca de mi trabajo de tesis “When Play Meets Ritual”: (…) Al mirar estas joyas, en algún momento uno se da cuenta de que algo dentro de nosotros se ha perdido, desaprendido, olvidado: la alegría de jugar, el juego sin ganancia material, la vida que una vez vivimos sólo con lo elemental. Esto se mezcla con tristeza, dolor e incluso un toque de abatimiento por haber crecido, para luego alegrar el alma. Transmitir este momento de conciencia es el regalo especial que nos ofrece el trabajo de Eva Burton.

_¿Con qué materiales y técnicas has trabajado?

_Continuamente experimento con materiales y técnicas, es clave para no aburrirme y empujarme a salir de mi zona de confort. He trabajado técnicas de joyería tradicional, fundición a la cera perdida con diversos metales y métodos, esmaltes, pátinas, talla de piedra, talla de madera, cerámica, pintura, ensamble, escultura, collage, a gran escala, a pequeña escala…

_¿Creés que tu trabajo suma en transformar el concepto que se tiene de la joyería? ¿de  qué manera?

_Si bien no es ese mi objetivo primordial, desde que he tomado la decisión de formarme en esta particular disciplina he trabajado sabiendo que nadaría en contra de la corriente y que mi visión de la joyería era diferente per se. Hasta el día de hoy, mucha gente no entiende lo que hago y la verdad es que no me preocupa que no encaje en un casillero específico, de hecho ese es un valor agregado de nosotrxs lxs que hacemos joyería contemporánea. Entonces, por supuesto que creo que aporto algo y me llena de felicidad formar parte de esta comunidad de creadorxs.

Hoy, estando establecida en Bilbao donde no hay mucha gente haciendo joyería contemporánea y tampoco mucha gente que conozca sobre ello, a través de Flashera intento comunicar y dar a conocer esta materia tan fascinante.

“No me preocupa que no encaje en un casillero específico, de hecho ese es un valor agregado de nosotrxs lxs que hacemos joyería contemporánea.”

_¿Tenés previsto exponer alguna obra o participar de alguna muestra?

_Pues la mayoría de los eventos que tenía programados para este año se han cancelado o pospuesto debido al COVID. Por supuesto que me ha dado pena ya que tenía muchos eventos interesantes en el calendario, pero ahora toca apechugar y esperar a que la situación mejore. Así y todo, algunas propuestas han logrado mantenerse en pie. A nivel internacional, en diciembre estaré presentando mi trabajo en Tokio, en una exposición de joyería contemporánea curada por la artista japonesa Natsumi Kaihara para la galería especializada en Artes Aplicadas, AC Gallery.

_¿Por qué Bilbao y qué proyectos tenés allí?

_Al finalizar mis estudios en Alemania, vine a Bilbao a reunirme con mi pareja. Él estaba viviendo aquí por una propuesta laboral que le había surgido y al principio pensábamos que sería algo pasajero y que nos volveríamos a Barcelona, donde ya teníamos relaciones a nivel laboral y emocional. Pero luego, poco a poco nos fue convenciendo la idea de quedarnos en una ciudad más pequeña y cuando llegó nuestro hijo Nahuel tomamos la decisión de construir aquí nuestro hogar.

Hoy, Nahui ya tiene dos años y tres meses y asiste algunas horas a una ludoteca, por lo tanto, dispongo de más tiempo para compaginar la crianza con mi vida profesional. Paralelamente al proyecto de dar clases en Flashera, continúo desarrollando nuevas colecciones y participando en eventos, colaboraciones y exhibiciones. Mi intención es vincularme a nivel local y tejer redes con la comunidad de creativos de Bilbao para afianzarme en esta ciudad y sentirme cada vez más “como en casa”. No es una tarea fácil ¡pero en eso estamos!

_¿Cómo te iniciaste en la joyería contemporánea?

_Estudié diseño industrial en la Universidad Católica de Córdoba y luego joyería con Cecilia Richard, fui su primera alumna. Mientras hacía un master en la Católica, en 2000, Cecilia vino a dar una conferencia y presentó su tesis de arte con sus piezas cúbicas y me impactó. Quiero aprender a hacer eso, me dije entonces. Tenía la idea de ir a vivir a Europa y Cecilia me había hablado de una amiga joyera que vivía en Barcelona, Gloria Gastaldi, que hoy se dedica más a la escultura que a la joyería. Como no pude viajar en ese momento, le pedí que me enseñara. Por entonces ella no se dedicaba a dar cursos, estaba embarazada pero comenzó a darnos clases a una amiga y a mí en el garaje de su casa en obra. Ese fue el puntapié de su taller escuela galería Caelum. Y encantadas. Fuimos durante meses, aprendimos mucho, fue una hermosa experiencia, hasta nos hicimos amigas. Finalmente cinco años más tarde, en 2005, tomé contactó con Gastaldi, me fui a Barcelona y trabajamos juntas. Mi compañera de estudio de joyería, Cecilia Romero, hoy en Tarifa, España, no se dedica tanto a la joyería como yo que tengo una fascinación especial con la joyería contemporánea. Desde que comencé no pude parar de indagar, estudiar e intentar avanzar en la creación. En Barcelona trabajé luego para Laura B, una marca de accesorios de moda de Laura Bortolami, mientras estudiaba en el Taller Escuela de Joyería Barcelona de Jaime Díaz Trujillo, en Poblenou, para poder progresar en el trabajo que se me pedía.

“Tengo una fascinación especial con la joyería contemporánea. Desde que comencé no pude parar de indagar, estudiar e intentar avanzar en la creación”.

_¿Cuándo empezaste a hacer tus propias joyas?

_Cuando me mudé a Lyon. Con el derecho al paro pude acceder al sistema, que me permitió sostenerme. Como no hablaba el idioma, monté un pequeño taller en mi casa y comencé con las primeras piezas. Al principio me costó soltarme porque durante 5 años había puesto mucho de mí en el  trabajo de accesorios y me sentía identificada, hasta lo sentía propio, pero a la vez lo que hacía no era joyería contemporánea; sin embargo, durante 2011 pasé una larga etapa de transición. Ese sistema me permitió acceder a una incubadora para el desarrollo de microemprendimientos mediante la cual pude armar mi firma y, a su vez, me impulsó a presentarme en 2012 en la 6ta. edición de Talents de mode Le Tremplin des créateurs y gané, muy sorprendida, me impactó  porque por entonces porque tenía un bebe recién nacido y apenas hablaba francés, y el haber ganado implicaba montar una tienda taller, crear una empresa, participar de un salón profesional con un coach por 2 años para funcionar; fue como mover una montaña, no obstante, sin este impulso no hubiese podido arrancar mi camino.

_¿Cómo eran?

_Las primeras piezas fueron las de la colección A flor de piel, porque así estaba a flor de piel por todo, por el bebe, por el desarraigo, por estar nueva en una ciudad, por todo, estaba muy sensibilizada. Se trata de una propuesta floral en plata, luego seguí trabajando en latón y ahora en acero inoxidable. Casi todas las piezas tienen mucho movimiento, giran inspiradas en la inflorescencia, en cómo las flores están dispuestas en las ramas; es que aquí tras un invierno duro, la naturaleza brota y crece de manera impresionante.

Hice un curso de forja en Barcelona y cuando me mudé a Lyon no tenía taller y necesitaba  equipos para la fundición, con llama más grande para soldar, lo cual implicaba hacer mucho ruido que no era posible en un departamento. Entonces pensando en qué técnica utilizar para hacer en mi casa, empecé a trabajar con el corte láser. Mi trabajo parte de una hoja plana que golpeo para darle la forma en busca del volumen y movimiento, y lo consigo con la superposición de capas; la mayoría de los anillos giran y tienen varias capas, cinco pétalos, por lo general, son distintos tamaños de capas superpuestas que dan idea de volumen. Casi todas mis piezas empiezan en un plano, pero cuando las mirás ninguna es plana, no dejo nunca la hoja tal cual como estaba cortada.

_¿Solés aplicar el método de la solución creativa de problemas?

_Sí, es un método de vida, te diría; es la única manera de avanzar en la vida. Lo que arrancó  como un impedimento termino siendo un beneficio que me permitió crecer. El hecho de no tener un taller ni las herramientas precisas empezó como una dificultad, pero resultó una ventaja porque finalmente logré resolver problema tras problema con el poco material que disponía, o buscando otros para conseguir lo que necesitaba o pretendía. Me gustan mucho los metales y siempre prefiero soldar, en la siguiente colección Gen-Ethics, que preparaba para estrenar en Italia, necesitaba darle un poco de color a las piezas sin tener que pintarlas, entonces opté por el latón para realizar anillos. A diferencia de la plata que no tiene color, el latón es de tonalidad amarilla y lo oxidé con pátinas para darle un tono más amarronado o más oscuro, tras hacer distintas pruebas con diversos materiales.

No abandoné la plata sino que la combiné al hacer una especie de injerto en un mismo pétalo de las piezas-flor, lo soldé en la misma placa plana de plata, hice esta intervención técnica porque quería representar la manipulación genética de las plantas.

“El hecho de no tener un taller ni las herramientas precisas empezó como un impedimento, pero resultó una ventaja porque finalmente logré resolver problemas con el material disponible”.

_¿De las piezas únicas surgen series?

_Tanto de las piezas únicas de À fleur de peau como en Gen-Ethics como de otras de mis colecciones siempre surgen series de piezas más simplificadas que son comercializadas a un valor más accesible. La mayoría de las veces desarrollo piezas a partir de un tema a pedido, para un concurso, salón o galería; o muchas otras surgen por la simple razón o ganas de expresar algo que siento o me atraviesa, y luego derivan o se amplifican, se extienden, crecen en otras piezas y se completan en una colección. Para la primera edición de Parcours Bijoux, en 2017, invitadas por Galerie Sophie me presenté junto con cinco joyeras, todas extranjeras, en pareja con franceses y con hijos nacidas en Francia. Bajo la consigna Ailleurs o En otro lado, hablamos de lo que implica el desarraigo y tener un hijo que te habla francés, entre otras implicancias. Sólo conocía a la colombiana Andrea Piñeros -el colectivo estaba integrado también por la brasileña Stella Bierrenbach, la colombiana Ana Carolina Escobary y la japonesa Miyuki Koshimizu-, nos reunimos sin contacto previo y pareció una terapia grupal en la que cada una sacaba lo que tenía adentro sobre lo que significaba para nosotras vivir en otro lado; advertimos que teníamos mucho en común y cada una lo planteó desde su punto de vista, con su lenguaje, con sus materiales y técnicas. Al reflexionar sobre este tema me di cuenta que solo aquello que te toca muy fuerte o moviliza, te permite crear de manera genuina, sentida, personal. Ese fue un tema en el que, en lo personal, fui muy profundo, fue un trabajo intenso e interesante, que me movilizó bastante. Decidí trabajar con las alas de los insectos y su migración, recordé a las chicharras de mi infancia en Córdoba, y para hacer estas piezas con alas, otra vez tuve problemas técnicos.

“La mayoría de las veces desarrollo piezas a partir de un tema a pedido, para un concurso, salón o galería; y muchas otras surgen por la simple razón de expresar algo que siento”.

_¿Cómo los resolviste?

_En plata no era posible porque es demasiado blanda y las piezas hubiesen sido muy pesadas y caras ya que al cortar hay mucha pérdida de material, estaba frustrada por no poder realizar esta idea. Y una vez más con una investigación exhaustiva y probando o con una seguidilla de ensayos y errores, para ver con qué material podía llegar a materializar este trabajo, encontré cuál era el adecuado: el acero inoxidable, pero había que poderlo soldar. Me compré una máquina y aprendí a soldar el acero para poder llevar a cabo esta propuesta. Hice solo cuatro piezas grandes con alas encadenadas o un ala adentro de la otra, por ejemplo, las que luego derivaron otras piezas más sencillas dentro de una colección más grande.

“Una vez más con una investigación exhaustiva y probando o con una seguidilla de ensayos y errores, para ver con qué material podía llegar a materializar este trabajo, encontré cuál era el adecuado.”

_¿Las joyas son solo para portar?

_No necesariamente. Antes de que se declarara la pandemia por el Covid-19 hice una pequeña colección de broches en acero con algo de plata que se expusieron en una galería de París con los soportes de madera y muchos los pedían como un objeto; tenían la intención de no portar el broche sino de tenerlo para exhibirlo con ese sostén o para colgarlo. Una pieza está pensada para ser hecha con un mensaje y para ser usada, pero no necesariamente tiene que ser aplicada o portada en el cuerpo. Una joya contemporánea se completa con el usuario que también la resignifica. Por eso hice un soporte de madera torneada que terminó formando parte de la joya, como una miniescultura que la envuelve, abriga, abraza o completa.

_Habitualmente presentás muchas de tus colecciones en salones comerciales, un circuito poco común para la joyería contemporánea.

_No, no creo. En mi experiencia, estos circuitos de comercialización me permitieron  contactar con galerías y tiendas de museos que me piden piezas únicas o que derivaron en mi participación en exposiciones. En estos días estuve una vez más en Maison & Objet and more, una feria en la que se vende a galerías o tiendas, que en la edición de este año se reconvirtió en una digital fair, hasta el 18 de este mes, aunque continúo en línea. Allí estrené la colección Ikigai, hecha en acero y madera, que se inspira en esa filosofía japonesa que busca la razón que da sentido a la vida. Un concepto fascinante e inspirador, que lleva a la búsqueda del equilibrio, la alegría de vivir, la razón por la que existimos.

Una cadena de creaciones. Una lleva a la otra. Esta es una propuesta que derivó de Ailleurs. Y a la colección más comercial la llame Levity. Es claro que por más que participe de salones profesionales que se mueven al ritmo de la moda, no la sigo, las temporadas o la moda no tienen ningún interés para mí, tampoco tengo colores que se relacionan, pero sí sigo los circuitos de distribución de la moda, porque es la manera de que se abran caminos.

“La moda no tienen ningún interés para mí, tampoco tengo colores que se relacionan, pero sí sigo los circuitos de distribución de la moda, porque es la manera de que se abran caminos.”

_¿Qué caminos fuiste tomando?

_Del salón Première Classe joulerie de París, por ejemplo, participé con ese objetivo. No supone el circuito de las galerías o museos pero en eso terminé. En noviembre próximo,  una edición de mis piezas se ofrecerán en la tienda del museo d’Orsay con motivo de la exposición Los orígenes del mundo, sobre Darwin y la naturaleza. También, parte de mi trabajo está en Casa Milà, La Pedrera de Barcelona, porque la curadora de la tienda consideró que algunas de las piezas se asemejan a los balcones de Gaudí. Y ese fue el mejor elogio del mundo, una ponderación que me emocionó.

“Algunas de mis piezas se exponen en la tienda de La Pedrera, porque consideraron que se asemejan a los balcones de Gaudí. Y ese fue el mejor elogio del mundo, una ponderación que me emocionó”

_¿Es difícil vivir de la joyería contemporánea?

_Sí, es muy difícil vivir de la joyería contemporánea. Me encantaría hacer solo piezas únicas y exponer en galerías, pero mi condición económica no me lo permite. Por eso combino las dos cosas: piezas portables al alcance, que además me permite llegar a una mayor cantidad de gente, lo cual está bueno, sobre todo, porque permite difundir más la joyería contemporánea, y piezas únicas. Que muchos puedan usar piezas de joyería contemporánea es muy importante para mí, porque eso supone que hay más gente sensible a la joyería contemporánea y hay mucha más de lo que se cree; a veces, algunos se sienten intimidados por el circuito de galerías que aparenta ser exclusivo. Me interesa democratizar la joyería contemporánea, que la gente acceda en otros lugares, está bueno que la joyería contemporánea se consiga en diversos lados. En Lyon, por ejemplo, hay una galería de arte que reúne diversas piezas de arte que incluye distintas disciplinas, que van de la joyería conceptual a objetos de iluminación; este tipo de edición acerca a más público, no siempre entendido, y se convierte en una gran oportunidad

Además, me da ganas que la gente lleve la joyería más allá del mensaje o intención propuesta; es lindo escuchar cuando la gente inventa o interpreta y arma su propio significado o mensaje, por aquello a que la remite o inspira. En el salón Resonances, de Estrasburgo, tuve un feedback inesperado con el público. Llevé Ailleurs y la presenté con un texto impreso en una gigantografía que pegué en la pared contigua al stand, y el intercambio de ideas y discusiones positivas que se generó fue increíble. Me gusta que la gente encuentre su propio mensaje en la joya.

“La joya de arte es un auténtico fragmento de la experiencia interna y profunda de su autor y en la que se siente reconocido.”

_¿Hoy en qué proyecto estás?

_Estoy en proceso, en la etapa de reflexión para la elaboración de una pieza por los 20 años para la galería Caractere de Neuchâtel, Suiza, a partir de la idea de los cuentos.

_¿Trabajás sola?

_Totalmente. No solo hago las piezas de joyería sino que planteo cómo comunicarlas y presentarlas y comercializarlas. Para que sea artesanal o artístico es difícil delegar o hacer con empleados, además es económicamente insostenible para mí, salvo que me dedique a full a comercializar para pagar a un empleado, y no tengo ganas de transformarme en una comercial de mis joyas, no me interesa y además me quitaría mucho tiempo para la reflexión y la creación, que ya me queda bastante poco. Ese paso no lo quiero dar. Cada vez que pienso cómo hago para hacer todo lo que tengo que hacer, respiro y me limito a hacer lo que yo misma puedo hacer. Así funciono.

Me gustaría ser parte de un colectivo, estar en un taller compartido, para conectar proyectos. Tal vez, enseñar, dar cursos de iniciación, con esos ejercicios a partir de una pinza y un pedazo de alambre; despertar interés en las manos de aquel que nunca antes hizo algo y se da cuenta que puede hacer y crear, que descubre algo fantástico para hacer, es superinteresante, así como test o talleres con niños -como mi hijo de 8 años-; me interesa sacarlos del ambiente de saturación informática y mediática y que puedan ir un poco más a lo manual. Veremos que caminos voy tomando.

_¿Por qué elegiste diseño de indumentaria?

_Desde muy chica recuerdo a mi mamá sentada en la máquina de coser o tejiendo. Mi mamá fue docente y directora de una escuela pública, que se sostuvo, en gran parte, gracias a sus esfuerzos; mi papá también, ya que colaboró en su construcción, de modo que ambos trabajaban mucho. En sus tiempos libres, cuando no estaba trabajando en la escuela, cosía cosas para la casa, ropa para mis hermanas y para mí, y nos tejía sacos y suéteres de lana. Aún hoy lo sigue haciendo. Yo no me animaba a coser, pero me encantaba sentarme en el piso a hojear las revistas de moldes y mirar los figurines. Siempre fui tímida e introvertida, toda la vida me costó expresar en voz alta lo que pienso, así que encontraba en el dibujo y la escritura el modo de expresarme. Elegí indumentaria influenciada por mi mamá y por esos figurines que tanto miraba, y porque me pareció que era el lugar ideal para seguir explorando modos de expresión personal. En la carrera universitaria descubrí que no solo me gustaba dibujar, sino que adoraba los oficios artesanales, el trabajar con las manos y crear. Aprendí a comunicarme y contar historias sin hablar.

_¿Dibujás las piezas antes de materializarlas?

_No podría decir que lo hago siempre. Tengo un cuaderno con dibujos de piezas con detalles de armado y bocetos que son más bien trazos sobre cómo me gustaría que sea una pieza pero sin resoluciones técnicas, es decir, no es un dibujo técnico sino más bien expresivo. Dibujo también en vectores o directo en programas de modelado 3D. Pero reconozco que no sigo una metodología de trabajo, por ejemplo, tengo piezas que surgieron sin que llegue a bajarlas a boceto, directamente sentándome a trabajar.

_¿Qué te llevó a indagar en joyería contemporánea?

_Descubrí la joyería contemporánea cursando Diseño de Accesorios en Kweitel-Kohon. Esa materia fue un espacio que significó muchísimo para mí, un antes y un después en mi vida. En la universidad, estaba fuera de mi zona de confort, y allí aprendí a trabajar y experimentar con libertad, a nadar adentro mío, en mis dudas y en mis certezas. Cuando me sentaba a crear, sentía que las piezas decían mucho más de mí que lo que yo sabía de mí misma. Creo que la joyería era justo lo que buscaba aunque no lo supe verlo hasta un año más tarde. Cómo decirlo, siento que la joyería venía golpeando mi puerta y yo no atendía. Un año después de cursar me llegó un mail de Magalí Anidjar de Casa Petit Comité, en el que convocaba alumnos de Kweitel-Kohon y nos ofrecía la oportunidad de participar en un workshop internacional a dos  estudiantes. Me dije ya está, no puedo seguir dejando pasar oportunidades. Así que le escribí y le conté de mi trabajo de autorretrato en la cátedra y mis deseos de aprender a trabajar con el metal. Para mi sorpresa, fui ¡una de las seleccionadas! Magalí me abrió las puertas de su taller y me enseñó desde cero las bases del oficio.

_¿Workshop con quién?

_El workshop era sobre fundición de metales y fue dictado por el joyero belga Peter Vermandere. Cuando miro para atrás y me acuerdo del workshop me río mucho, fue como un sueño surrealista. Mi primera vez estando en un taller de joyería fue bajo la docencia de un joyero belga, en una lengua que no manejo del todo bien, aprendiendo una técnica de joyería avanzada, rodeada de un grupo de mujeres increíbles de la joyería argentina, y yo sin conocerlas. Mi ignorancia fue una bendición, podría decirse que gracias a eso pude moverme cómodamente entre ellas, y enfocarme en absorber toda la información posible. Aproveché la experiencia lo más que pude, fue una oportunidad enorme y estoy muy agradecida por eso. En ese entonces sentía mucha vergüenza de preguntar, de no saber. Lo cierto es que no hay que sentir vergüenza de decir “no sé”, venimos al mundo a aprender. Si bien se notaba que yo era una inexperta, todos me trataron muy bien. Recuerdo a todas y a Peter con mucho cariño.

_¿Cuáles son esas bases del oficio joyero?

_Magalí Anidjar, de Casa Petit Comité, me enseñó joyería desde el principio. Partamos de la base que yo no sabía ni usar la sierra. Me enseñó a trabajar en chapas y alambres, calar, soldar, limar, embutir, remachar, dar terminaciones a las piezas. También a trabajar en ceras blandas y duras: tallado, goteo, baño y modelado de elementos como hilos y textiles, adición y sustracción de material.

_¿Qué recomendás para quienes tienen la inquietud de aprender joyería?

_Lo primero que preguntaría es cuál es su inquietud y en qué materiales le gustaría trabajar. Si quieren aprender técnica o uso de un material en particular o algo más orientado a una búsqueda de estilo y expresión. Creo que es muy personal. En mi caso, mis primeros pasos en la joyería contemporánea fueron en la facultad, con un enfoque más experimental. A partir de esto, estoy haciendo el camino inverso aprendiendo técnicas y viendo qué me resulta mejor para trabajar.

_¿Con qué materiales y técnicas comenzaste en un inicio?

_En un principio trabajé con yeso, fusión y modelado de plásticos. Me sentía muy atraída hacia los materiales traslúcidos, así que hice algunas pruebas de texturas y colores en jabón de glicerina y luego en plásticos transparentes, hasta que llegué a las resinas y los cristales de bórax.

_¿Pensás primero qué materiales y técnicas te sirven para transmitir una idea, o experimentás y vas viendo qué te permite comunicar?

_Me pasa mucho que tengo bocetos o ideas que en principio no sé cómo bajarlas. Así que me siento a pensar en características, sensaciones y palabras relacionadas a esa idea, y me voy acercando a materiales posibles, pero no suelo decidirme por uno solo. En ese punto me gusta experimentar y ver qué me permiten hacer, a dónde me llevan y cuál se adapta mejor al concepto. Mi acercamiento a las técnicas es más intuitivo. Me cuesta proyectar y planificar, suelo crear mis propias técnicas y procesos productivos. Por ejemplo, cuando estudié con Magalí Anidjar notamos que me costaba mucho trabajar con chapas, y advertimos que prefiero trabajar y construir con ceras. En la chapa no puedo calar una forma y después ver qué pasa. Si esa pieza forma parte de algo más complejo, o tiene bisagras o articulaciones, necesito tener en cuenta medidas, estructuras, pasos a seguir.

_¿Cuáles son esas técnicas y procesos productivos propios?

_Tiendo a improvisar y realizar cambios sobre la marcha. Cuando me faltan herramientas o insumos busco soluciones con los elementos que ya tengo o hago los propios. Actualmente trabajo con PLA -un material derivado del ácido poliláctico– e impresión 3D. Estoy aprendiendo a modelar, a proyectar y pensar previamente. Debo reconocer que la impresión 3D me ayudó mucho.

Por ejemplo en su momento no tenía mandril para anillos y no podía comprar uno, así que me imprimí uno en 3D. Quería poder reproducir una forma y no lograba hacerlo manualmente, así que modelé e imprimí un molde. La impresión 3D viene a democratizar y poner al alcance de uno la fabricación de herramientas propias o diseñadas por terceros que decidieron compartirlas al mundo.

“La impresión 3D viene a democratizar y poner al alcance de uno la fabricación de herramientas propias o diseñadas por terceros que decidieron compartirlas al mundo.”

_¿Cómo es ese trabajo con PLA y qué uso hacés de la impresión 3D aplicada a joyería contemporánea?

_La impresión 3D es ideal para prototipos, suele usarse como paso previo a la fundición en metales. Mi primera intención fue recrear en 3D mis diseños en cera y producirlos directamente en PLA como pieza final, pero fallé. Este tipo de impresión no puede trabajar con tanto detalle en objetos tan pequeños. Por otro lado, no tenía en cuenta factores como ángulos de impresión, resistencia de la pieza y soportes necesarios. Las piezas no tenían la calidad y detalle que yo deseaba, además que tenían fallas estructurales que las hacían frágiles. Quería que la máquina imite texturas y objetos que modelé manualmente. Estaba usando el enfoque incorrecto y desaprovechando las cualidades de la impresora. Retrocedí un par de pasos y decidí comenzar de nuevo con el diseño y modelado de piezas planas y volúmenes más simples. Recientemente comencé a post-procesar / intervenir las piezas impresas y mezclar técnicas, como por ejemplo: fusionar piezas impresas con otras piezas modeladas por calor o fundidas, o combinar descartes de PLA fundidos con bronce. Encontré el modo de utilizar esta tecnología de producción ‘en serie’ y adaptarla desde  una mirada más personal, con procesos de trabajo más artesanales, que me permiten dejar mi huella de autor en el material del mismo modo que puedo hacerlo al trabajar manualmente el bronce.

“Encontré el modo de utilizar esta tecnología de producción ‘en serie’ y adaptarlo a una mirada más personal, con procesos de trabajo más artesanales, que me permiten dejar mi huella de autor en el material del mismo modo que puedo hacerlo al trabajar manualmente el bronce.”

_¿Cómo es tu búsqueda de materiales y procesos?

_Mi búsqueda está atada a un concepto o un universo sensorial. No me gusta casarme con ningún material, ni quedarme con el material en su estado natural. Tiendo a intervenir, a texturar materiales. Lo mismo me sucede con los procesos. A fines del año último hubo una serie de cambios en mi modo de pensar y relacionarme con el mundo. En mi elección de materiales decidí, dentro de lo posible, solo trabajar con materiales de origen natural, amigables con el medio ambiente, reciclables o bien residuos de industrias o de otras producciones. En base a esto enmarqué los límites de mi trabajo, elección de procesos y materiales.

Ahora, sigo investigando el PLA, en filamentos o procesados mediante impresión 3D. Principalmente su reciclaje, termoformado de las impresiones o fusión de los descartes. Tengo en mente investigar el reciclaje de otros materiales para crear mis piezas, como PET de botellas y PEAD utilizando envases plásticos. En un futuro me gustaría fundir y reciclar mis propios metales, como bronce y plata, y si fuera posible, me gustaría aprender a reciclar vidrio.

“Decidí, dentro de lo posible, solo trabajar con materiales de origen natural, amigables con el medio ambiente, reciclables o bien residuos de industrias o de otras producciones. En base a esto enmarqué los límites de mi trabajo, elección de procesos y materiales.”

_¿Texturás de qué manera? ¿Sobre qué? ¿Qué otro tipo de intervenciones hacés y sobre qué materiales?

_Así es. No suelo dejar las superficies lisas, a no ser que sea la intención de la pieza. Me guío mucho por el qué pasa si…, qué pasa si rompo, si agrieto, si punteo, si quemo, si rayo, si moldeo… La lista de acciones puede ser interminable según lo que el material me permita hacer: en los metales texturo superficies con martillos, lijas o fresas, mientras que en los plásticos puedo moldear con calor, fundir y mezclar colores. Me gusta ir más allá de lo que me ofrece el material y buscar resultados nuevos. Es en el proceso de búsqueda y experimentación donde encuentro una verdadera satisfacción.

_¿Seguís trabajando con sal de boro?

_No, ya no utilizo bórax, ya no tiene el mismo significado que le había dado. El bórax en su forma natural es una sal, puedo cristalizarla pero tarde o temprano vuelve a su estado. Esto puede tardar días o años, dependiendo del ambiente en que se encuentra. En la resina y los barnices encontré el modo de ralentizar, a medias o del todo, ese proceso de volver a su origen. Cuando decidí dejar de usar resina, por su toxicidad, desapareció la solución. Intenté usar cristales de bórax junto a piezas de bronce e impresión 3D pero sin resina su existencia se volvió muy efímera. Y entendí que no podía seguir forzando al material a ir en contra de su estado natural, que es volver a ser sal.

_¿Por qué lo habías elegido?

_Hice piezas con bórax en el contexto del proyecto Congelar el fluir, un trabajo de autorretrato realizado en el ámbito de la Cátedra Kweitel-Kohon, un proyecto que me sigue representando porque mi esencia permanece, pero a su vez ya no soy la misma. Hacer ese trabajo fue como una terapia para mí, pero decidí dejar de Congelar el fluir y pasé a dejar que fluya, aprendiendo a ser más abierta con mis emociones. En su momento, quería utilizar un material que atraviese el proceso al que yo me refería, literalmente. Parte de la idea sobre  cómo en ese entonces expresaba y manejaba mis emociones, protegiéndolas, escondiéndolas o congelándolas. Un proceso sobre algo líquido, cálido (como son para mí las emociones) se transforma en una pieza sólida, defensiva. Los cristales de bórax me permitían eso: una sal que se disuelve en un medio cálido y envuelve un material poroso, suave, construyendo una estructura de cristales a su alrededor. Utilicé el huevo como punto de partida, un elemento que para mí representa un refugio. El huevo se rompe, y con él, el espacio que contenía esas emociones. A partir de ahí se desarrolla la serie: formas y colores pacíficos mutan hacia otras más fuertes y agresivas. Para expresar el concepto busqué materiales y procesos que hablaran de ese crecimiento donde lo líquido toma forma, se desarrolla y se solidifica. Por eso que decidí hacer una cristalización casera.

_¿Aplicás una técnica de joyería o adaptaste o hiciste una propia?

_En ese entonces no tenía los conocimientos de joyería necesarios así que todo era prueba y error, fui creando mis propias técnicas y procesos, como el de la cristalización casera. Hoy aplico las bases de joyería y sigo aprendiendo de forma autodidacta. Me gustaría estudiar joyería y cincelado.

_¿Cómo llegaste a Talente 2020 y qué significó?

_Me llegó la propuesta de la cátedra para participar en Talente 2020. Dudé mucho si presentarme pero por suerte ¡me animé! Quedar seleccionada fue un reconocimiento enorme. Releí el mail de selección muchas veces. No pude creerlo hasta varios meses después. Me dio más confianza en mi trabajo y me permitió confirmar que estoy en el camino correcto. Talente fue bueno y, además, implicó un volantazo, una conexión con la realidad tal que me hizo hacer click. Cuando llegó la comunicación de la selección y la invitación a ir a la exposición -previo a la pandemia- caí en la cuenta de que no podía pagar el pasaje y ni la estadía, ni aunque hubiese sido beneficiada con una beca. Nunca viajé ni hice envíos al exterior, y me enfrentó a situaciones lejanas a mi realidad personal. Esto se repitió tiempo más tarde, cuando recibí una invitación a participar de una exposición en el exterior. Toda esta experiencia reafirmó mi decisión de comenzar Gorgonia, mi marca de joyería y accesorios de autor. Gorgonia es la manera de seguir trabajando en el rubro, seguir aprendiendo joyería y, a su vez, generar un sustento económico para el día de mañana poder seguir experimentando y poder retornar hacia una joyería más artística.

_¿Por qué le pusiste ese nombre?

_En mi búsqueda de inspiración siempre acudo a formas orgánicas, naturales, ramificaciones, hongos y corales. Cuando estudiaba Indumentaria era recurrente que haga texturas, bordados y estampados representando formas naturales. Mis prendas, de forma inconsciente, siempre resultaban en estructuras defensivas. Dependiendo de la temática parecían armaduras o abrigos protectores, exo-esqueletos. Lo mismo pasó cuando hice mi autorretrato Congelar el Fluir, solo que esa vez entendí el por qué de las capas, los refugios, las formas que se expandían y envolvían en sí mismas.

Cuando empecé en Casa Petit Comité y pensé mis primeras piezas, ahí estaban otra vez las formas ramificadas que me recordaban a los corales. Ya tenía en mente construir mi propia marca, así que investigué especies, nombres, funciones y características de corales, en búsqueda de un nombre. Entre las palabras anoté: esqueletos, ramificados, formaciones y protección. A fines de 2019 me decidí por el nombre gorgonia. Es un término que agrupa un tipo de coral, de apariencia ramificada con esqueleto semiduro. Cuando pienso en las ramificaciones veo conceptos como fluir, expansión, crecimiento e inclusive florecer, así que Gorgonia me pareció que representaba mi estética.

_¿Cómo es Gorgonia?

_Gorgonia se fue gestando a mediados de 2019 y terminó de tomar forma a principios de este año. Hoy es mi marca y proyecto a tiempo completo. Quería crear un proyecto que transmita valores positivos y genere conciencia sobre el cuidado del medio ambiente y nuestros hábitos de consumo. Gorgonia es una fusión entre tecnología y artesanía: por un lado, me valgo de la impresión 3D para traer a la tridimensionalidad los diseños que hago en la computadora. Y, por otro lado, hago piezas en metal a mano. La gran mayoría de mis piezas son en bronce, aunque no descarto trabajar con otros metales a futuro. Predominan las formas orgánicas, utilizando alambres y chapas. Tengo algunas más clásicas, como anillos trenzados, a piezas más complejas que combinan estructuras de bronce junto a piezas impresas en 3D o plásticos reciclados. Ambas, a veces, conviven. Otras veces, los límites se borran y se vuelven una sola para un fin mayor como convertir descartes en nuevos objetos, dándoles una nueva vida. Persigo el objetivo de tener una producción responsable y zero waste porque hoy es imprescindible. El eje inspiracional es principalmente el universo marino, las formas orgánicas, la naturaleza y la Tierra, y con esta idea comunico la importancia de reducir el uso de plásticos derivados del petróleo y de cómo estos influyen en la vida marina.

_¿Cómo conseguís el zero waste?

_Lo consigo reciclando los descartes de mi propia producción y de terceros que trabajen con impresión 3D. Guardo todos esos desechos 3D, como impresiones con fallas, soportes y pruebas. Posteriormente los fundo y enmarco en bronce, generando piezas únicas para una línea de Gorgonia llamada Renacer. En cuanto el metal, también guardo todos los pedacitos de alambre y chapa, para poder fundirlos y/o reciclarlos a futuro, o llevarlos a alguien que pueda hacerlo. De esta manera logro que ningún desperdicio de mi producción termine en la basura y de ahí en el océano.

_¿Proyectos?

_En el inicio de Gorgonia, hice la distinción de mantenerla como un proyecto paralelo. Separar a la Carolina de joyería contemporánea de la Carolina de joyería ‘‘comercial’’. Recibí el consejo de no marearme con definiciones, al fin y al cabo somos la misma persona. Gorgonia es una marca muy reciente, acorde a mis valores y visión del mundo. Gracias a ella estoy comprando, de a poco, mis herramientas y voy armando mi taller de trabajo. Tengo la ilusión de que crezca y me vaya llevando hacia donde tenga que ir; en el camino iré acercándome nuevamente hacia la joyería más artística que me llevó hacia lugares como Talente. Solo que seguro tendré la oportunidad de ir.